Publicación de cooltivarte.com

Les comparto una de las últimas notas del blog de Bandadas en la que hablamos acerca de eventos como las bienales, los salones y las ferias de arte. Sabemos que es un tema que puede generar algunas dudas y por ello, en este artículo comentamos cómo se diferencian y qué relevancia tienen en las carreras de los y las artistas visuales. Pueden acceder al artículo en este enlace 👇

"El Asiento del Arte" es el nombre con el que se ha bautizado a una colectiva en la que todos los artistas han intervenido una silla a modo de representación de su estilo artístico. Asentar el Arte..., que tome asiento..., que se fortalezca y ocupe el espacio que le corresponde. De forma simbólica es ya un concepto clásico, que nos atrae enormemente, en momentos de superproducción que a su vez muchos artistas no se sienten representados. El propósito es dar a conocer, sacando del estado de confort a cada artista, su identidad y creatividad, dejando la constancia de que en el mundo del arte, no existen los límites cuando se trata de plasmar el lenguaje independiente de cada uno. Rodeados en esta ocasión también de creadores emergentes, ésta convocatoria ha dado el fruto de una originalidad y creatividad extraordinarias. Una intervención en un elemento tan cotidiano, ha generado una reivindicación de las artes plásticas, conviviendo Pintores y Escultores en una exposición que una vez más, no dejará a nadie indiferente. La inauguración será el día 6 de abril a las 18:00 h LÍNEAS DE AUTOBUSES 460 Madrid (Plaza Elíptica) - Parla - Batres 468 Getafe - Griñón - Casarrubuelos - Serranillos Autobuses nocturnos de la Comunidad de Madrid Líneas de Autobuses nocturnos de la Comunidad de Madrid en Griñón: N-807 Madrid (Atocha) - Getafe - Humanes - Griñón Ver menos Griñón

Hoy es el Día Mundial del Ovni y, para conmemorarlo, destacamos la obra "Ovni Archive" de la artista visual @rosellmeseguerstudio (España, 1976), que fue parte de la 11 Bienal de Artes Mediales - Autonomía (2013). Esta obra, iniciada en 2007, desarrolla un diálogo metafórico sobre el espionaje entre dos tiempos: El tiempo pasado y oculto, tras el telón de acero, y nuestro tiempo actual. El término Objeto Volador No Identificado, de las siglas OVNI, es usado como una metáfora de la imposibilidad de hacer público, o desclasificar, ciertos documentos que pertenecen a la seguridad y la privacidad de una nación. En esta propuesta, Meseguer visita escenarios abandonados que permiten generar diálogos entre diferentes épocas. El trabajo muestra documentos, fotografías de objetos peculiares y otros archivos vinculados al mundo del espionaje, teniendo en cuenta la imposibilidad de que estos sean completamente legibles, porque en ellos se oculta una parte esencial de la información. Conoce más sobre ésta y otras obras de la 11 Bienal en https://lnkd.in/enKs-PYu

¿Cuándo decides comprar una obra de arte consideras que es importante dejarte asesorar por un buen profesional? Hoy en la emisora #UA1 #radiolleida en el programa #laplaça hemos hablado de la importancia de la profesionalidad en el sector del arte. Hemos comentado aspectos cómo: - Adquirir arte en galerías de arte profesionales suele ofrecer numerosos beneficios - supone que la calidad y la autenticidad están garantizadas - que las galerías profesionales suelen representar a artistas con talento y trayectoria establecida. - desde la galería se suele hacer una cuidadosa selección de los artistas para sus clientes - el asesoramiento que se ofrece previo, durante y post adquisición - que es una experiencia gratificante #galeriaespaicavallers #arte #artistas #artecontemrpoaneo #artistascontemporaneos #pintura #escultura #creación #profesionalidad #galeriasdearte.

¿En qué debes destacar para que un galerista te quiera representar? 1. Los galeristas evalúan el dominio técnico del artista. Buscan propuestas que se distingan por su innovación, estilo distintivo y visión personal, aportando algo nuevo al panorama artístico. 2. Un cuerpo de trabajo coherente, que explore técnicas o estilos, refleja madurez artística. Se valora la producción constante y de calidad. 3. Participar en exposiciones y recibir premios y becas añaden prestigio. Además, contar con una base de clientes indica viabilidad comercial. 4. Los galeristas valoran trabajar con artistas responsables, colaborativos y con una visión clara de su carrera y ambición profesional. 5. Tener una buena red de contactos y visibilidad en medios mejora las oportunidades con galeristas, y las críticas positivas aumentan la credibilidad. Descubre qué valoran los galeristas y cómo podemos ayudarte a fortalecer esas áreas clave. Contáctanos en hello@artandjurif.com

El futuro de las galerías de arte está en línea. En los últimos años, el arte ha encontrado nuevas formas de florecer en el entorno digital. Las galerías de arte online no solo han emergido como una alternativa viable a los espacios físicos, sino que están redefiniendo la manera en que interactuamos con el arte. Este cambio no es solo una adaptación temporal; es una transformación del mercado del arte tradicional. Una de las mayores ventajas de las galerías online es la capacidad para superar barreras geográficas. Un coleccionista en Tokio puede descubrir el trabajo de un artista emergente en España con solo unos clics. Este nivel de accesibilidad nunca antes había sido posible en el mercado del arte hasta este momento. Una galería online permite que cualquier persona con acceso a internet pueda disfrutar y adquirir arte, sin importar dónde se encuentre. Esta accesibilidad también beneficia a los artistas, especialmente a aquellos que no cuentan con los recursos o las conexiones para exponer en espacios convencionales. Al eliminar las barreras físicas, una galería online crea un puente entre los creadores y una audiencia global. Además, una de las cosas que destaca de nuestra galería online es que el formato digital permite una flexibilidad que las galerías físicas no pueden igualar. Por ejemplo, se pueden crear exposiciones temáticas, cambiar la curaduría con mayor frecuencia o incluso experimentar con formatos interactivos que inviten al público a participar de forma activa. En esto, las redes sociales juegan un papel crucial. Plataformas como Instagram han demostrado ser poderosas vitrinas para los artistas y las galerías online. Las redes no solo potencian la visibilidad, sino que también fomentan una conexión más directa entre los creadores y su público. Optar por una galería online también es una declaración de intención: el arte puede y debe adaptarse a las demandas de nuestro tiempo. Al hacer que el arte sea más accesible, no solo estamos apoyando a los artistas, sino también fomentando un cambio positivo en cómo valoramos y compartimos la creatividad. "Renovarse o morir" Miguel de Unamuno El futuro del arte está en constante evolución, y las galerías online se posicionan como factores clave en esta transformación. Al fusionar creatividad con tecnología, estamos remodelando la industria y abriendo nuevas puertas para artistas, coleccionistas y amantes del arte. En este espacio, todos sois bienvenidos. 🖼️ "Pride & Joy" Carlos Ferg Acrílico sobre lienzo 100 x 76cm

Revolución Artística: Exposiciones que Cambiaron el Arte. #ArteContemporáneo, #ExposicionesDisruptivas, #SalonDesRefusés, #BienalDeVenecia, #Documenta, #HistoriaDelArte, #InnovaciónArtística, #ArmoryShow, #WhitneyBienal, #VanguardiaArtística #CarlosBouza

El Greco, Picasso, Velázquez, o Warhol morirán. Serán sustituidos por artistas filipinos y grandes maestras de la pintura. El arte es una industria, y ojalá siga creciendo. Y como toda industria no puede estancarse o morirá. Por eso necesita renovarse, introducir nuevos nombres para reiniciar los circuitos. En ese empeño parecen evidenciarse algunas estrategias: ▶︎ 1º Traer a primer plano a los artistas geniales que no tuvieron repercusión histórica ▶︎ 2º Potenciar a las escuelas de países que no han tenido repercusión internacional No es que el arte se haya hartado de los grandes artistas, es que su obra ya está institucionalizada y apenas puede ser monetizada por los coleccionistas. Esto significa que las obras disponibles, que cada vez son menos, comienzan a ser de categoría menor. Además, el público se aburre de escuchar siempre los mismos nombres y reclama nuevos incentivos para consumir. Creo que existen dos caladeros obvios de donde se pretende sacar nuevos nombres: ▶︎ 1º El Arte filipino, y en ese sentido el principal nombre será Fernando Zóbel, que parece destinado a convertirse en el buque insignia de la escuela. Además, respecto al Arte Filipino, es muy interesante ver como el Prado ha recuperado de sus fondos las obras de Hidalgo y Padilla, o Luna y Novicio. ▶︎ 2º Artistas femeninas, que en España es muy destacada la recuperación de la Roldana, que está destinada a convertirse en el detonante para revalorizar la imaginería española a nivel internacional También es muy obvio cómo se está potenciando a la escuela española del siglo XIX con Rosales, Fortuny, Madrazo y Rico, quienes ya fueron exitosos a nivel internacional en su época y cuyas obras ya están presentes en colecciones de diferentes países. Por último, del siglo XX destaca la recuperación de: Rosario de Velasco, María Blanchard o Ángeles Santos Pero también otros como Anglada-Camarasa o Néstor Por suerte, la historia del arte es muy rica y extensa, y no faltan artistas geniales que puedan ocupar el primer plano para renovar el interés en la industria. ________________________

Exposición: La pereza me sabe a gloria Daniel Antón Morera 23.08.2024 Galería Servando Un enjambre de moscas suspendido en el aire, sobrevuela un vertedero de desechos biológicos y tecnológicos esculpidos al detalle. Su vuelo, en una especie de guiño cómplice, queda preservado en esencia ámbar. Daniel Antón viene a combinar en una única exposición, un conjunto de piezas que hemos tenido la posibilidad de ver en eventos como Post-It, Mala Yerba, así como en otras exposiciones a lo largo de estos años. Si algo he encontrado en el trabajo de este joven artista, y compruebo revisando nuevamente las notas a sus piezas y perfiles en redes sociales, es ese desenfado en desacralizar el arte a través de sus esculturas. Esto le ha conducido a dotar a cada obra, de una carga conceptual aún más fuerte. Alejado de los cánones, viene a comprometerse con los dilemas contemporáneos, y una crítica constante a través de sus producciones. La ruptura con las nociones esquemáticas de belleza y valor artístico, es un sello que va marcando a Daniel Antón. Domina la técnica, escoge mejor los materiales, y logra resultados notables sin necesidad de grandes piezas escultóricas. Ya lo dice el refrán: el diablo está en los detalles, en esos que uno descubre al acercarse e interactuar con las obras de este artista. No por gusto una parte de esta exposición fue que el público dejara de percibir los límites que imponen los espacios a las esculturas, y llegara incluso a destruir algunas como parte de una gran performance de la cual no era consciente. Daniel logra resignificar lo banal o lo abyecto y demuestra esa llamada autonomía del arte contemporáneo, donde el valor artístico de una pieza no radica en lo sacro o en la elevada espiritualidad. ¿Pero por qué escoger como imágenes a mimetizar elementos pertenecientes a residuos tecnológicos y biológicos humanos? Quiero creer es una propuesta de dialogo entre lo que siempre inmortalizó la escultura, aquello pensado e idealizado como divino, y algo más cercano como es la decadencia corporal o la obsolescencia tecnológica. Estas esculturas, incluida la pared de miniaturas de la central nuclear de Juraguá, son un espejo de la sociedad contemporánea, donde lo efímero, lo degrado, lo descartado es producido como una velocidad antes vista.

En el vibrante mundo del arte contemporáneo, los artistas se enfrentan a un entorno dinámico y competitivo. Por ello, la representación de artistas visuales va mucho más allá de las ventas. Implica comprender profundamente el discurso y las intenciones detrás de la obra de cada artista, mientras se navega por un ecosistema compuesto por galerías, ferias, coleccionistas y curadores. Se trata de crear visibilidad, generar oportunidades y posicionar el trabajo de cada artista en un contexto que potencie su mensaje. Hay una serie de puntos claves en la representación como: - Ayudar a los artistas a construir una identidad dentro del mercado, seleccionando cuidadosamente las plataformas adecuadas para su obra, desde exposiciones hasta publicaciones. - Manejar aspectos administrativos y financieros para que los artistas puedan concentrarse en su proceso creativo. - Facilitar relaciones con curadores, galeristas, coleccionistas e instituciones para garantizar un crecimiento sostenido. Este trabajo consiste en garantizar que el artista pueda mantenerse fiel a su voz mientras se construye un camino hacia la sostenibilidad económica y el reconocimiento crítico. Para mí, el éxito en la representación artística no se mide únicamente en términos de ventas o números. Se trata de construir una carrera sólida y auténtica, basada en colaboraciones estratégicas y un profundo respeto por la obra del artista. Esto implica tomar decisiones a largo plazo, desde elegir las exposiciones adecuadas hasta fomentar relaciones duraderas con instituciones y coleccionistas. 🖼️ "Zeus" Fortea Gallart Acrílico sobre madera tallada.