Publicación de Alessandra Carughi Ferrini

👉🏻¿Cuáles son los primeros pasos para empezar a coleccionar arte? ¿Qué hay que tener en cuenta antes de partir? Hablé con tres expertos para descubrir cuáles son los mejores consejos! 🖼️Los invito a leer mi nota “Coleccionar arte: una inversión a largo plazo” para DFMAS

UNA DE MIS PRIMERAS OBRAS DE "ARTE PICTÓRICO DIGITAL" Pertenece a una serie iniciática y experimental de 1997 Quien me iba a decir a mí que después de más de veinte años, continuaría desarrollando esta categoría de arte (vagamente clasificada). Una proeza, teniendo en cuenta que más de la mitad de "profesionales del arte" todavía no se han enterado, o no quieren enterarse... ;-D #creatividad #artecontemporaneo #pinturacontemporaneadigital

Definir lo que es arte y lo que no lo es, es difícil. Tanto, que aún se sigue debatiendo, y la cantidad de definiciones que se han proporcionado son infinitas. Sin embargo, entre la mayoría de los autores (filósofos, sociólogos e historiadores del arte), existe un consenso con respecto a elementos que deben estar presentes en una obra de arte para que sea considerada como tal. Por ej. la técnica, la composición y los elementos formales tensionales y poéticos, que, finalmente, llevan al espectador a vivir una experiencia estética. ¿Es arte todo lo que, desde el nacimiento del arte conceptual, nos dicen que lo es? Según Aristóteles, el arte debía representar algo profundo de la realidad. Kant hablaba de un juicio estético desinteresado. Gadamer lo veía como una experiencia estética transformadora para el alma. Y así, suma y sigue. La obra ‘Comedian’ de Maurizio Cattelan, un plátano adherido a una pared con cinta, fue subastada recientemente por 6,2 millones de dólares. El comprador, un coleccionista chino, anunció que lo comería como parte de la experiencia artística. ¿Estamos confundiendo marketing con arte? Reflexionemos juntos sobre los límites entre el valor mediático y el valor artístico. ¿Qué opinas?

La cultura ya no mola: reflexiones sobre el arte y la autenticidad Recientemente, leí un artículo de Rebeca Argudo en ABC Cultural que me hizo reflexionar. Su título, "La cultura ya no mola", resuena profundamente en un momento en que la creatividad parece estar atrapada entre las tendencias y la necesidad de reconocimiento. El dilema del artista moderno:  ↳ ¿Debo amoldarme a las corrientes actuales para ser visto y valorado? La presión por exhibir nuestra obra en galerías o ferias puede llevarnos a seguir parámetros impuestos por quienes dictan las reglas del juego.  ↳ Pero, ¿a qué costo? Rebeca menciona cómo la cultura se ha convertido en una herramienta de ostentación o adoctrinamiento. Me preocupa que el concepto de "belleza" esté en desuso  frente a lo "conceptual" y las performances. La gran pregunta:  ↳ ¿Cómo podemos mantener nuestra esencia artística sin perder de vista nuestras aspiraciones? Me encantaría saber qué opinas. ¿Has sentido esta presión en tu propia práctica creativa? ¿Cómo navegas entre la autenticidad y el reconocimiento? ¡Gracias por compartir tus reflexiones en los comentarios!

🖼️Una obra terminada es más que una obra, es un trabajo de constancia, dedicación y esfuerzo. Un trabajo laborioso por el cual la estética del artista converge con sus ideas y se plasma un mensaje. En un mundo altamente productivo y centrado en objetivos comerciales, poder parar y apreciar el arte resulta necesario. Poder ver más allá de un producto y entender la relación que tiene lo que creamos con nuestro mensaje, nuestra visión, nuestras ideas. La productividad afecta también el mundo de la #cultura, en el cual muchas veces se confunde la cultura con un producto con un único objetivo comercial y no como herramienta de cohesión social. El mensaje se deforma y diluye en el mar del marketing cultural vacío, centrándose exclusivamente en vender ese servicio que no aporta mensaje ni debate sino que el único objetivo es el de vender sin crear un diálogo. Es por eso que al formar parte del mundo cultural, y de ser yo misma artista, decido compartir mi obra y defender que la cultura y el arte sean valoradas como se merecen. Una sociedad avanzada, defiende la cultura, una sociedad que mira hacia el futuro no puede dejar de lado lo que nos caracteriza como seres humanos: la capacidad de expresarnos. ✨Una expresión artística es el diálogo que empieza el artista con la persona que lo observa, una obra es mucho más que bastidor, tela, yeso y pintura. ¿Tú qué opinas? #arte #inspo #artista #creatividad #pintura #óleo

Con determinadas “creaciones” artísticas, como la de una estatua invisible de 15000 euros (pagada con dinero público, por supuesto) o con la “performance” de una persona rompiendo espejos como una posesa en una "instalación", pasa como con el cuento del traje del emperador, nadie se atreve a decir que va desnudo. Incluso algunos críticos (no todos) se creen dotados de ver mucho más allá de lo que vemos la mayoría. Estas mentes hiperestimuladas critican nuestra falta de educación y sensibilidad artística, nos atribuyen una percepción burda, incapaz de captar la esencia y belleza de un plátano empotrado contra un lienzo o de una vieja caja de cartón con una escoba. Y es que el adjetivo “conceptual” puede disfrazar la estupidez hasta extremos inimaginables. Jugando con la interpretación visual de lo que miramos, nos cuelan una perspectiva suficientemente retorcida como para darnos la sensación de que también podemos llegar a ver lo invisible, aunque nuestra mirada sea sea sencilla y limitada. Eso sí, cuando los que ven en el arte el traje ausente, descubriendo todas las gracias a una creación desgraciada, tienen ocasión de comprarse un buen coche, no lo quieren abollado, pintado a brochazos o con un alambre retorcido en el techo. Antes con el dinero se hacía arte, hoy con el arte se hace dinero. En este sentido, determinadas propuestas artísticas permiten un gran volumen creativo con la mínima dedicación temporal y aquí está la clave de la cuestión. Si la Capilla Sixtina se hubiera pintado a brochazos la habrían acabado en una tarde. Y es que, en el fondo, las grandes creaciones no necesitan de guías para hacerse Ver, porque el verdadero arte emociona sin necesidad de intermediarios. Otra cosa es que se ponga en contexto, se explique o se comente porque podemos y debemos educar la visión, pero seamos prudentes, no sea que el “educador” pretenda que veamos la presencia en la ausencia. #vista #visión

Explorando la creatividad desde la oscuridad En el proceso creativo, cada artista se enfrenta a sus propios monstruos, esas sombras que, lejos de ser obstáculos, son oportunidades para el crecimiento. Es en ese espacio de confrontación interna donde el verdadero arte nace, permitiendo una reconexión profunda con la esencia de cada uno. Crear no solo es dar vida a ideas, sino también confrontar los miedos y desafíos que las acompañan. Al abrazar este lado oscuro, los artistas encuentran la claridad y autenticidad necesarias para producir obras que realmente resuenen. ¿Cómo te enfrentas a tus propios monstruos en tu proceso creativo? #procesocreativo #negocios #coachingempresarial

Cuando el arte traspasa la frontera de la mera contemplación y se convierte en un espejo social inquietante: «Monumento a la nueva generación selfie» por Anna Uddenberg en la 9ª Bienal de Berlín. La artista sueca nos confronta con un reflejo incómodo de nuestra sociedad actual: una escultura que captura ese preciso momento en que la búsqueda obsesiva de la imagen perfecta se transforma en una contorsión tanto física como emocional. No es casualidad que Uddenberg, reconocida por sus provocadoras obras sobre la autoimagen y el narcisismo digital, vaya más allá de la crítica superficial. A través de su obra, nos revela cómo hemos transformado gradualmente nuestros cuerpos en meras herramientas de marketing personal, retorciéndonos -literal y metafóricamente- para alcanzar el ángulo perfecto, el like anhelado, la validación virtual que tanto perseguimos. Ante esta realidad, cabe preguntarnos: ¿hasta qué punto estamos dispuestos a deformarnos —física y mentalmente— por la aprobación en redes sociales? 🤳 #ArteContemporáneo #CríticaSocial #CulturaDigital #Sociedad #SociologíaDigital #CuloVeoLikeQueDeseo #ProvocandoQueEsGerundio

ON DISPLAY | Lobo Velar LOS ERRORES DEL VACÍO Curaduría/texto por Mariana Rodríguez Iglesias Quizás esa sea la clave: el vacío no existe. O, si acaso, es una contradicción.
Lo que entendemos como vacío es menos una ausencia que un marco para caminos aún no recorridos. Así como la mesa familiar, despejada de objetos cotidianos, invita a otras actividades –al juego, por ejemplo–, el vacío es la antesala de aquello que está por llenarse. ¿Qué sucede, entonces, con las narrativas voluntaristas y proyectivas que, supuestamente, guían el trabajo del artista? ¿Dónde hay mayor control: en el potencial del vacío o en el caos de los errores? ¿Qué nos produce más miedo: la mesa vacía o la que está repleta de cosas? ¿Cómo se siente albergar una contradicción en el cuerpo? Esta concepción del vacío como un espacio creativo, colmado de potencial, resuena en el título de esta muestra de pinturas de Lobo Velar. “Los errores del vacío” no son equivocaciones en el sentido tradicional, sino más bien oportunidades para recombinar lo impensado, reunir fragmentos de algo mayor y contar una historia que, hasta ahora, no había sido narrada. En el vacío de las determinaciones, cualquier desviación del plan inicial se convierte en una oportunidad para reivindicar el gesto propio. Ya no es oscuridad ni silencio, sino una certeza incierta que guía la mano, el codo, el hombro y el corazón del artista, ida y vuelta. Lo indeterminado toma forma; el lenguaje se inventa desde cero. El límite de nuestro mundo se vuelve permeable, revelando que también está hecho de huecos.  El caos no es el final, sino el punto de partida. Entonces, ¿es posible hacer un collage de caos y vacío, en tanto nociones superpuestas? Los errores son absorbidos por la obra hasta volverse esenciales. La maestría de Lobo en esta serie de pinturas reside en su capacidad para encontrar en lo imprevisto no una falla, sino un paisaje, un tiempo y unos personajes familiares. Siempre estuvieron ahí. No estaban ahí antes. Quizás en eso radique la clave: en lo que aún no se ha dicho, en lo que no puede calcularse pero que, al aparecer, se percibe como un recuerdo para valorar el presente e imaginar otro futuro. 

La flexibilidad de MetaCERV para ofrecer experiencia de aprendizaje desde el arte hasta competencias técnicas.