Publicación de Barcelona Gallery Weekend

EXPOSICIÓN filip custic filip custic es un joven artista canario de origen croata. PHotoEspaña ha realizado una interesante retrospectiva sobre su obra en un lugar singular, el Museo Cerralbo de Madrid. Podríamos considerar a filip custic como una obra artística en sí mismo. No hay más que ver como era hace doce años y en quien se ha convertido ahora. Custic tiene un discurso definido, maduro, que en la exposición del Museo Cerralbo centra en una cuestión existencial que le preocupa: ¿Quiénes somos? Esta cuestión la focaliza en el cuerpo, pero no como mero objeto, sino como eje físico del ser humano. Eso nos lleva a la pregunta filosófica de si tenemos cuerpo, si somos cuerpo: la vieja relación entre existencia y esencia. Y también a las respuestas que encuentra Custic en cuanto a sus propuestas estético-artísticas que relacionan el cuerpo con la fotografía, la performance, la escultura, el diseño e, incluso, la arquitectura, no porque diseñe o construya edificios, sino por la imbricación de su obra en espacios arquitectónicos, como la obra filip con alas, en Venecia, la primavera pasada. Esta pieza, entre performance, escultura, y qué sé yo, adquiere su verdadera dimensión al contemplarse en un entorno arquitectónico urbano como el de esta mítica ciudad. Y que será completamente distinto cuando se desarrolle en uno diferente. #filipcustic #pqhacemosloqhacemos #PhotoEspaña24 #MuseoCerralbo #ArteContemporáneo #Retrospectiva #Fotografía #Escultura #Videoarte #Identidad #Memoria #Cuerpo

EXPOSICIÓN filip custic filip custic es un joven artista canario de origen croata. PHotoEspaña ha realizado una interesante retrospectiva sobre su obra en un lugar singular, el Museo Cerralbo de Madrid. Podríamos considerar a filip custic como una obra artística en sí mismo. No hay más que ver como era hace doce años y en quien se ha convertido ahora. Custic tiene un discurso definido, maduro, que en la exposición del Museo Cerralbo centra en una cuestión existencial que le preocupa: ¿Quiénes somos? Esta cuestión la focaliza en el cuerpo, pero no como mero objeto, sino como eje físico del ser humano. Eso nos lleva a la pregunta filosófica de si tenemos cuerpo, si somos cuerpo: la vieja relación entre existencia y esencia. Y también a las respuestas que encuentra Custic en cuanto a sus propuestas estético-artísticas que relacionan el cuerpo con la fotografía, la performance, la escultura, el diseño e, incluso, la arquitectura, no porque diseñe o construya edificios, sino por la imbricación de su obra en espacios arquitectónicos, como la obra filip con alas, en Venecia, la primavera pasada. Esta pieza, entre performance, escultura, y qué sé yo, adquiere su verdadera dimensión al contemplarse en un entorno arquitectónico urbano como el de esta mítica ciudad. Y que será completamente distinto cuando se desarrolle en uno diferente. https://revistafv.es/ #filipcustic #pqhacemosloqhacemos #PhotoEspaña24 #MuseoCerralbo #ArteContemporáneo #Retrospectiva #Fotografía #Escultura #Videoarte #Identidad #Memoria #Cuerpo

Hoy de repente he recordado esta obra que vi en el Museo de Groeninge de Brujas hace casi un mes. Es una pintura, Mujer sentada en un interior (1916), de Georges Vantongerloo, uno de los fundadores, junto con Piet Mondrian y Theo van Dosesburg, del famoso grupo De Stijl. En esta obra pictórica puede detectarse el proceso que condujo a los artistas de De Stijl a la abstracción geométrica y eso es precisamente lo que más me interesa de ella. La figura femenina tan solo está insinuada, gracias a una sabia distribución de los trazos sueltos coloreados que la configuran. Sin embargo, no existe duda alguna: se trata de un personaje femenino. En cambio, la habitación donde se encuentra o la silla en la que está sentada no pueden distinguirse. Todo este proceso es un acto volitivo del artista que decide prescindir de aquello que no considera necesario. En pocos meses, ya en 1917, ni siquiera será necesaria la mujer y de ese modo la obra será ya completamente abstracta. Además, tanto Vantongerloo como sus amigos de De Stijl, optan por la geometría rígida y regular -los cuadrados y rectángulos- así como por las estructuras ortogonales. El color también se reduce al máximo, a los primarios -rojo, amarillo y azul- y a los neutros -blanco y negro-. Georges Vantongerloo decide además trabajar en tres dimensiones y comienza a crear sus esculturas, piezas complejas en las que las estructuras paralelepipédicas interactúan entre sí para ofrecer insólitas asociaciones. De Stijl se convirtió, según el concepto creado por Mondrian, en el llamado Neoplasticismo (Neue Gestaltung, tal como se titula el libro que escribió para las publicaciones de La Bauhaus en Alemania).

BelVa_Isla_Exposicion Galería Marita Segovia Inauguración_ 5 de Septiembre 18:00h C/Lagasca 7 Isla El proyecto "Isla" inicia su andadura en plena Sierra de Madrid. Con mis antiguas zapatillas de running puestas, acompañada de una cámara de fotos, y mis elucubraciones, empecé a andar. Sentía la curiosidad de explorar nuevas formas de hacer... soltar cuerda, y me propuse como punto de partida la pura experiencia visual, sin reminiscencias ni asociaciones y que fuera la imaginación la que me llevara a todas partes. Una vez en el estudio, con photoshop empecé a manipular las fotos para crear nuevas formas de percibir la naturaleza y sobrepasar límites que antes me hubiese costado. Los colores se avivaban, las formas biomórficas y geométricas se intercalaban y nuevos elementos externos eran añadidos a los cuadros. Sin abandonar el óleo como material principal y sus transparencias, cambié de soporte, empecé a trabajar con el papel, me familiaricé con el arte del origami y me abrí a experimentar con la pintura expandida. El cúter sustituyó al pincel y los espacios vacíos empezaron a tomar protagonismo en la obra. Poco apoco, fue surgiendo de un mar anónimo un pedazo de tierra, empapada de luz, color, y materia viva, donde la imaginación y el pensamiento racional coexisten, para explorar de una forma original la idea de un nuevo mundo construido sobre papel. Tiempo y espacio también se han cristalizado en "Isla". ,marcando el instante que facilita el diálogo entre mis anteriores "formas de hacer", y las que emerjan en un futuro. Han sido casi dos años apartada del ruido y ritmo al que estaba acostumbrada, trabajando en un proceso creativo, que por la investigación y uso de nuevas técnicas, herramientas y materiales, tiene su propio valor, independientemente de su resultado final.

Contemplo la obra "Vuelo de Brujas" de Francisco de Goya y me asomo a una ventana a lo irracional, donde la luz se convierte en el hilo conductor de lo que se cuenta y sugiere. Ver esta pintura en el Museo de Bellas Artes de Bilbao (está de paso, pertenece al Prado) me ha permitido reflexionar sobre el uso de la luz más allá de lo que es visible. Goya, pinta escenas, que modela con luz, uniendo lo tangible y lo intangible en una danza visual que nos sumerge en sus pesadillas. El contraste feroz entre los cuerpos iluminados de las brujas y el oscuro vacío que las rodea es estéticamente impactante y crea una tensión dramática que evoca el teatro, donde cada haz de luz tiene un propósito narrativo. Como diseñador de iluminación, este tipo de iluminación surreal, casi onírica, me recuerda que la luz no debe siempre obedecer a las reglas de la física o de lo real. Como Goya, podemos manipularla para crear emoción, para contar historias más profundas. No todo debe ser visible, no todo debe ser iluminado; en lo que queda en las sombras, en lo que apenas se insinúa, también se encuentra una verdad, una emoción (El asno símbolo de la ignorancia tan recurrente en Goya). Y es precisamente ese juego entre lo visto y lo velado, entre lo real y lo imaginado, lo que nos permite crear atmósferas que afectan tanto a la percepción como al corazón. Goya, con su luz mística, me enseña que controlar la luz es, en sí mismo, controlar la narrativa. Foto: @Joselure Título: Vuelo de brujas Autor: Francisco de Goya Fecha: 1797-1798 Técnica: Óleo sobre lienzo Dimensiones: 43 x 30,5 cm Ubicación: Museo del Prado, Madrid, España y durante este verano es obra prestada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao @bilbaomuseoa @museoprado @Museo Nacional del Prado #Goya #VueloDeBrujas #Bilbao #MuseoDeBellasArtes #pintura #luz #misticismo #teatro #diseñodeiluminación #re_vueltaestudio #lightingdesigner #diseñodeinteriores #arquitectura #diseño #iluminación

Setmana de l’Art a Catalunya, exposició d’escultures i gravats de NEUS COLET, una selecció d’obres retrospectiva, d’entre els anys 1990 i 2020. Són trenta anys de treball de gravats i escultura..   Durant aquests anys, la seva obra ha evolucionat amb una forta personalitat, establint una singular relació entre aquestes dues disciplines. Ella incorpora el gravat a les seves estructures fetes amb ferro.   Treballa a partir del seu coneixement de l’espai físic, l’objecte, la posició, la direcció, la geometria, la figura i la seva relació amb l’espai, la superfície bidimensional, la profunditat, la percepció visual, també la llum, l’obertura, el tancament... i tot un seguit de conceptes en què es basa tota la seva obra en les seves diferents èpoques.

📷 Mi último trabajo para LABASAD - Barcelona School of Arts and Design | Máster en Nueva Fotografía Documental Paisajes Táctiles es una exploración fotográfica de la memoria, el lugar y la transformación a través del barro. Cada pieza de barro, moldeada por las texturas de las calles, parques y paisajes en los que he vivido, sirve como una huella tangible de estos espacios. La naturaleza maleable del barro refleja cómo la vida, con el tiempo, deja sus marcas en nosotros—dando forma a nuestras raíces, experiencias y los entornos que habitamos. El barro se amolda. https://lnkd.in/dM5unXSM

LOS LUGARES DEL RECUERDO Autor: Alfonso Albacete. Título: P.L.O.D. Personas. Lugares. Objetos, Distancias Lugar: Galería Marlborough, Madrid. Fecha: Hasta el 25 de mayo. Es la obra de Alfonso Albacete (Antequera, 1950) un compendio de la Pintura actual, enfrascada en un debate sobre el camino a seguir, dentro de la tradición de la tabla, o lienzo, y el color como elemento de expresión. En su obra se observa la tensión entre la abstracción y la realidad, el dibujo o el cromatismo intenso, la racionalidad y el abandono azaroso al genio del impulso, la lógica y la magia del destino. Todo ello aparece en sus composiciones, logrando el pintor organizarlo en estructuras plásticas precisas. En estas, en un complejo entramado de líneas, proyecciones y geometría, abona campos de color, manchas concentradas que definen la estancia, combinadas armónicamente entre sí, para generar un desarrollo visual de energía modulada, fuerza expresada en sus agudos tonales, suavizada por el transcurrir nostálgico de la rememoración. Juega a la vez este artista con la luz que recorre la estancia, profundidades conseguidas en la organización exacta de sus trazos, introduciendo el sueño del paisaje en el observador, siendo esta una de las constantes en su producción plástica. Con estos supuestos estéticos nos muestra el pintor las entrañas del origen de la Pintura, el estudio, en aparente desorden, desde el cual tras largas horas de trabajo y aprendizaje, experimentación y estudio, va logrando desvelar la imagen pensada, cargada de simbolismo y recuerdo, consiguiendo que aparezca siempre con unas señas de identidad definida en su autoría. No significa ésto que permanezca estático en su estilo, sino que ahonda en todas sus posibilidades, ofreciendo novedosos aspectos de su configuración, sin perder el ritmo interior que define su creación plástica. Recuerdos de su formación artística, unas veces claros, otras casi a punto de desvanecerse, el tiempo que pasa, pero siempre expuesto desde su realidad, el trabajo diario, la pasión que ha subyugado sus sentidos, constituyen el motivo central de la exposición aquí comentada. Alfonso Albacete define en su propuesta la estética personal que caracteriza su obra. 

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𝗣𝗿𝗼𝗰𝗲𝘀𝗼 𝗱𝗲 𝗺𝗼𝗻𝘁𝗮𝗷𝗲 𝗱𝗲 𝗥𝗨𝗣𝗘𝗦𝗧𝗥𝗘. 𝗟𝗢𝗦 𝗣𝗥𝗜𝗠𝗘𝗥𝗢𝗦 𝗦𝗔𝗡𝗧𝗨𝗔𝗥𝗜𝗢𝗦 Te mostramos el proceso de montaje de la exposición "Rupestre. Los primeros santuarios" en el MARQ de Alicante Este proyecto de arquitectura museográfica tiene como protagonistas las pinturas presentes en cuevas o “abrigos” que fueron pintadas sobre la roca hace más de 10.000 años. El proyecto abarcó tres salas expositivas del museo, invitando a los visitantes a un viaje en el tiempo. Nuestro objetivo era valorar estas pinturas rupestres, explicando su origen, interpretación y contexto, sin recurrir a objetos tangibles. A través de la arquitectura museográfica buscábamos transportar al visitante al lugar donde se realizaron las obras, activando la memoria y exaltando las sensaciones a través de una escenografía que ofrece una experiencia tanto espacial como paisajística. Para llegar hasta este resultado tan espectacular, premiado internacionalmente, hubo que diseñar toda una estructura escenográfica en 3D a partir de la cual se construyó el esqueleto que recogería tanto las fotografías e imágenes de gran formato, que hicieron las veces de envolvente inmersiva, como las vitrinas y otros recursos museográficos de esta sala. La imagen de gran formato se diseñó con el objetivo de trasladar al visitante, con la suma de todas sus percepciones, al lugar donde se realizaron las pinturas rupestres. Una imagen compleja y abstracta, que no trabaja con la literalidad, sino a través de los resortes que activan la memoria. Una vez construida la estructura, se procedió a la impresión del textil y al despiece de cada una de las faces que conforman la bóveda que, retroiluminada, dio este resultado tan fascinante, abstrayendo al visitante del edificio y sumergiéndolo en el ancestral mundo del arte prehistórico. Te contamos más sobre el proyecto en: https://lnkd.in/ePjJ9jmv 𝗣𝗿𝗼𝗺𝗼𝘁𝗼𝗿 MARQ - Museo Arqueológico de Alicante 𝗖𝗼-𝗔𝘂𝘁𝗼𝗿: Rafael Pérez Jiménez  𝗗𝗶𝘀𝗲𝗻̃𝗼: Rocamora D&A  𝗙𝗼𝘁𝗼𝗴𝗿𝗮𝗳í𝗮: CabreraPhoto #Rupestre #ArtePrehistórico #Exposición #Museografía #Diseño3D #ExperienciaInmersiva #ArteYMemoria #rocamora #marqalicante #rocamoramuseografia