Publicación de Daniel Sanchez Mateos

El fin de semana han tenido lugar las primeras jornadas de algunas de las ferias de arte más importantes en nuestro país. He ido leyendo sobre la actualidad de las adquisiciones, los nuevos artistas emergentes, y los diferentes encuentros y eventos que se daban. No puedo evitar dar mi opinión sobre algunos aspectos que me han llamado la atención enormemente. El arte, es una forma de expresión, de transmitir las emociones de los artistas plasmándolas en sus obras; sin embargo, he visto muchos discursos políticos, no solo aplicados a las obras, sino al discurso museístico y cultural que considero que deberían quedar fuera de nuestro ámbito. En el caso de uno de los artículos de ArteInformado sobre estos dos primeros días de feria, se nos reitera la adquisición de obras por parte de las entidades publicas de carácter feminista, es decir, realizado por mujeres. El artículo termina con una joya "En términos de representación racial[...] dejan mucho que desear en cuanto a la supuesta “descolonización” del arte español al haberse premiado u adquirido obra de 34 artistas blanques, apoyando solamente a 3 artistas racializades." Si, han puesto blanques. Y no, no voy a entrar en el debate sobre la utilización del neutro en el castellano, pero si en cuanto al tema racial. Cierto es que en los últimos años, los pintores étnicos están en auge, su pintura colorida y primitivista está a la moda, más allá de lo que suponga que sean artistas extranjeros. No está bien ver el arte de manera política, no está bien solo consumir X tipo de arte por quedar bien con la sociedad, el arte se ama o se detesta, no es un cupón de una obra benéfica.

Hoy leí la noticia del cierre del Museo del Traje en Buenos Aires, una institución que durante décadas no solo preservó la historia de la indumentaria, sino que también fue un pilar en la difusión del patrimonio cultural. Este cierre no es solo el fin de una institución más, sino un reflejo de una fragilidad alarmante en la política cultural y en la preservación de nuestra identidad. Los museos no son simples edificios, son espacios de encuentro y diálogo, puentes entre generaciones. Cerrarlos es perder una parte de nuestra memoria colectiva y una oportunidad invaluable de educación y reflexión. Cerrarlos es cerrar y borrar la memoria colectiva. Las políticas públicas y los esfuerzos de los sectores público y privado deben alinearse para garantizar que estos espacios no solo sobrevivan, sino que prosperen y sigan cumpliendo su rol esencial en la sociedad. Tenemos que repensar, dialogar, y trabajar juntos por una institucionalidad cultural sólida que resguarde nuestro pasado, fomente la creatividad y garantice un acceso equitativo a la cultura. Ojalá pueda revertirse esta decisión. #Cultura #PatrimonioCultural #Museos #PolíticaCultural #Institucionalidad #PreservaciónCultural https://lnkd.in/em5waQqG

De las Redes al Museo: ¿Una Trampa para el Arte? Daniela Isasmendi Hernández En plena era digital, las plataformas como TikTok, Instagram y los NFTs han irrumpido en el mundo del arte y la cultura, transformando radicalmente la forma en que consumimos y nos relacionamos con el patrimonio cultural. Lo que antes era una experiencia contemplativa, ahora se ve envuelto en una marea de entretenimiento rápido y viral. En este nuevo escenario, los museos y las instituciones culturales se enfrentan a un reto crucial: cómo adaptarse a esta modernidad sin caer en la banalización de su propósito. ¿Es el arte algo que debe ser divertido y fácil de consumir? ¿O existe un límite que no deberíamos cruzar en la difusión cultural? Este artículo explora el delicado equilibrio entre lo viral y lo solemne, cuestionando el papel de las instituciones en un mundo cada vez más marcado por la inmediatez. Con la llegada de plataformas asi como las otras herramientas de contenido digital, el panorama cultural se ha transformado de una manera nunca antes vista. Sin embargo, me parece poco pertinente que, en algunos casos, las publicaciones o videos que hacen los museos o instituciones culturales de gran peso y relevancia carezcan de la delicadeza o estructura adecuada. Al utilizar tendencias o formatos que pueden llegar a interpretarse de maneras erróneas, cruzamos límites que no deberíamos sobrepasar. Las instituciones culturales deberían acercar su oferta a todo tipo de personas, de diferentes estratos sociales y edades, especialmente a los jóvenes. No obstante, quizás no es el momento adecuado para vender los museos como meros espacios de ocio o entretenimiento. Promover el arte como algo exclusivamente divertido nos lleva a proyectar una imagen equivocada, mostrando al resto del mundo que en México aún no hemos entendido cómo debe gestionarse la difusión cultural. Mi trabajo como profesora, museóloga, gestora y curadora siempre ha estado enfocado en acercar la cultura y el arte a todos por igual, mostrándoles lo fundamental que es para su desarrollo. Vivo y trabajo para esto. Sin embargo, hacer creer que el arte es únicamente “divertido” me parece una trampa peligrosa. Sí, la belleza y el arte pueden coexistir con lo entretenido, pero eso no significa que no deban ser tomados en serio. Artistas como Duchamp, Magritte o Jeff Koons son claros ejemplos de cómo lo lúdico puede integrarse al arte sin perder profundidad. Pero la diferencia radica en que un museo no debe convertirse en un centro de recreación o esparcimiento, ni mucho menos en una plataforma política o económica para intereses individuales. En el peor de los casos, un museo no puede convertirse en un meme. Estas son instituciones gubernamentales que tienen un mandato claro: preservar y difundir el patrimonio y la memoria visual de la sociedad. Tienen la responsabilidad de mantener una cierta solemnidad y un manejo adecuado de medios, acorde a su importancia cultural y al contexto donde se desarrollan. 1/3

De las Redes al Museo: ¿Una Trampa para el Arte? Daniela Isasmendi Hernández. (P2/3) Debemos de evitar que la cultura y el entretenimiento se desvien de sus propositos especificos y lleguen a ser una convinacion peligrosa dentro de la era digital. Con la digitalización y el auge de los NFTs, los museos y galerías han encontrado nuevas formas de conectarse con audiencias globales. Las visitas virtuales, las exposiciones digitales y las colecciones online son un testimonio de su capacidad de adaptación. Sin embargo, debemos tener cuidado en cómo presentamos estos contenidos. El público latinoamericano, al igual que el de otras regiones como Asia o Medio Oriente, tiene características y sensibilidades propias que no siempre encajan con los métodos de difusión adoptados en Europa o Estados Unidos. Nuestro error ha sido copiar y pegar modelos de gestión cultural que no son adecuados para nuestro contexto. México y América Latina, con su riqueza cultural y diversidad, deben desarrollar estrategias propias para atraer a un público que aún no está completamente deconstruido ni abierto a ciertos discursos que se promueven en otras partes del mundo. Un museo no está para entretener ni para adaptarse a modas pasajeras; su objetivo es educar, preservar y difundir el legado cultural de una sociedad. Al tratar de convertirlo en un espacio de entretenimiento, corremos el riesgo de banalizar su función esencial. El arte digital, los NFTs y las plataformas  han abierto nuevas oportunidades para que los museos y galerías alcancen audiencias más amplias y diversas. Sin embargo, debemos recordar que la cultura no es un producto de consumo rápido ni un entretenimiento efímero. Al promover un acercamiento superficial al arte, corremos el riesgo de que las personas vean los museos como lugares de esparcimiento en lugar de espacios de reflexión y aprendizaje. Los museos y galerías deben continuar innovando y utilizando las herramientas digitales a su favor, pero siempre manteniendo su misión central de divulgar y preservar la cultura. No pueden perder de vista que su objetivo es ser guardianes de la memoria visual de una sociedad, y que esto requiere un enfoque serio, estructurado y profundo. Un equilibrio delicado y presciso es la clave. P2/3

Me parece sorprendente que se estén rasgando vestiduras por la línea museológica del MBA. Las lecturas feministas y anticolonialistas no relevan del "adoctrinamiento" ni tampoco son perversas formas de cimentar un camino refundacional; más bien forman parte de una postura crítica desde la institución museal que desde los años 70 (Nueva museología-Museología crítica) se ha levantado como un ente que cuestiona y se-cuestiona; que ha ido permitiendo la incorporación de nuevas voces y discursos frente a narrativas que fueron históricamente impuestas de una forma vertical, y que sin lugar a dudas sí tienen un origen paternalista. Es una lectura histórica, no ideológica, que dificilmente puede ser refutada. Pedir que el museo sea neutral es no entender su rol y su evolución histórica, es desconocer que el mundo del arte y la cultura siempre han sido habitados por lo político - basta con conocer mínimamente, por ejemplo, el alma de las vanguardias - y que en él cohabitan tensiones, cuestionamientos y muchas veces también denuncias. El museo no es neutral, nunca lo ha sido, y eso no es un adoctrinamiento de tal o cual gobierno; esa acusación sí es evidentemente una instrumentalización política que no nace desde la preocupación por el museo, sino que desde el deseo de ocuparlo para golpear al gobierno de turno.

Entre 1980 y 2010, el mercado de las artes visuales de alta gama atravesó una transición drástica, a medida que los artistas del Sur global consiguieron un reconocimiento creciente y un éxito en el mercado de Europa y América del Norte. Esta globalización se hizo patente en los escritos críticos a través del aumento de la cantidad y la importancia de las bienales y ferias de arte que se celebraban en Asia, América Latina y África, en las que se presentaban obras de artistas de esos países o de ambos; y se hizo patente en la internacionalización de las principales casas de subastas. The Global Rules of Art cuenta esta historia, combinando un meticuloso detalle con una amplitud asombrosa. Global Rules (el título es un homenaje a Les règles de l'art del sociólogo francés Pierre Bourdieu ) tiene tres secciones, cada una de ellas un pequeño libro en sí misma. La primera se centra en las instituciones, y relata la internacionalización de las bienales más allá del Noroeste global (Estados Unidos y Europa occidental); el surgimiento de las ferias de arte como un medio para atraer la atención de los galeristas, coleccionistas y casas de subastas a los artistas de Asia, América Latina y África; la globalización de las principales casas de subastas; y el crecimiento del número de casas de subastas más pequeñas fuera de los principales centros de arte. El autor sitúa estos acontecimientos en el contexto del entusiasmo de la élite por el multiculturalismo, la expansión del mercado de alta gama con el surgimiento de nuevas fortunas (incluida la nueva clase capitalista china) y el surgimiento de servicios digitales que permiten a los coleccionistas y comerciantes monitorear los precios de las subastas a diario. DiMaggio, P. (2024). Larissa Buchholz. Las reglas globales del arte: el surgimiento y las divisiones de una economía cultural mundial. Administrative Science Quarterly , 0 (0). https://lnkd.in/dUCi9ySe

🖼️ EL MERCADO DEL ARTE EN TIEMPOS DE CRISIS ECONÓMICAS💹 En tiempos de crisis, el mercado del arte se enfrenta a desafíos únicos que van muy unidos obviamente a lo financiero, pero por otro lado también revela oportunidades interesantes para coleccionistas, galeristas y artistas. La resiliencia y la adaptabilidad son clave para navegar estos periodos turbulentos 🚫 🗣️ En www.elespacioaparte.com, brindamos asesoramiento especializado para maximizar el potencial de tu colección privada o del Artist Management, y por ello te damos estos 4 consejos: 📈 1️⃣ Diversificación de Inversiones: Durante una crisis económica, la diversificación de inversiones se vuelve aún más crucial. El arte puede servir como un activo alternativo, ofreciendo una protección contra la volatilidad del mercado financiero. Invertir en piezas de arte con un historial comprobado de apreciación puede proporcionar estabilidad y preservar el valor a largo plazo. Los asesores de arte pueden ayudar a identificar las obras que no solo tienen valor estético, sino también un fuerte potencial de inversión. 🌐 2️⃣ Innovación Digital: La digitalización ha transformado la forma en que se compra y vende arte. En tiempos de crisis, adoptar tecnologías digitales puede abrir nuevas vías para el comercio y la promoción de obras de arte. Las plataformas en línea, subastas digitales y galerías virtuales permiten a los coleccionistas y artistas llegar a una audiencia global sin las limitaciones físicas. Implementar estrategias de marketing digital y presencia en redes sociales puede aumentar la visibilidad y las oportunidades de venta. 🤝 3️⃣ Fortalecimiento de Redes y Relaciones: En períodos de incertidumbre económica, fortalecer las redes y relaciones dentro del mercado del arte es fundamental. Colaborar con otros coleccionistas, galeristas y artistas puede generar sinergias y oportunidades compartidas. Las alianzas estratégicas y las comunidades de apoyo pueden ofrecer recursos adicionales y fomentar un entorno de resiliencia colectiva. Asistir a eventos virtuales y participar en foros de discusión en línea son excelentes maneras de mantener y expandir estas conexiones. 🔍 4️⃣ Enfoque en el Arte Emergente: Las crisis económicas pueden ser un momento propicio para descubrir y apoyar a artistas emergentes. Estos artistas a menudo ofrecen obras de gran calidad a precios más accesibles, presentando una oportunidad para adquirir piezas con alto potencial de apreciación futura. Además, apoyar a artistas emergentes contribuye al dinamismo y la diversidad del mercado del arte. Los asesores pueden ayudar a identificar talentos emergentes y guiar en la construcción de una colección que incluya futuras estrellas del arte. Hay que saber afrontar estos desafíos y aprovechar las oportunidades únicas que surgen en tiempos de crisis, no dudes en consultar a un profesional cuando sea necesario #ArtAdvisoring #MercadoDelArte #InversionEnArte

Los facsímiles permiten mantener vivo el #patrimonio cultural y compartirlo más fácilmente. Existen facsímiles de alta calidad que son verdaderas piezas de coleccionista, pero en esta ocasión, los llevamos a nuestro terreno para hablar de su función dentro de una museografía.  En las #exposiciones, los facsímiles juegan un papel crucial. Permiten que documentos valiosos, que de otra manera no podrían mostrarse debido a su fragilidad o porque están en colecciones privadas, sean accesibles al público.  En ocasiones, podemos tener copias que permitan su manipulación, generando una experiencia sensorial equiparable a tocar el objeto original. El hecho de presentar facsímiles en una exposición no solo acerca un documento al público, si no que permite mantener el original en sus condiciones óptimas de conservación.  Desliza y descubre unos cuantos datos interesantes sobre estos artefactos 👉

¿Es el mercado del arte consciente de los cambios sociales? ARTBO, la feria de arte contemporáneo más importante de Colombia, ha sido criticada por no diversificar su oferta y excluir a galerías emergentes. A menudo favorece a agentes consolidados, lo que provoca una homogeneización del arte presentado. Este enfoque quedó evidenciado en un reciente conflicto entre el artista David Manzur y la gestora cultural María Paz Gaviria, al preferir el arte conceptual sobre corrientes más tradicionales. Estas dinámicas limitan la diversidad en un espacio que debería reflejar la riqueza cultural y social de Colombia. ARTBO se ha consolidado como un referente en Latinoamérica, pero su éxito trae consigo el desafío de incluir propuestas disruptivas que reflejen los cambios sociales actuales. El caso de Manzur y la exclusión de artistas como Nadia Granados muestran que las narrativas dominantes siguen marginando a colectivos diversos, incluidos mujeres, artistas queer y afrodescendientes. Este fenómeno no es exclusivo de ARTBO. Bienales y ferias internacionales como las de Nueva York y Londres también privilegian a artistas de renombre, perpetuando una hegemonía cultural que dificulta el acceso de voces alternativas. El arte conceptual sigue dominando, mientras otras formas de expresión encuentran cada vez menos espacio para ser legítimamente escuchadas. A nivel global, los movimientos sociales están impulsando demandas de mayor equidad e inclusión en muchos sectores, pero el mercado del arte ha mostrado resistencia. Es paradójico, ya que la inclusión podría promover la sostenibilidad de un sector afectado por dinámicas sociales y económicas que lo desfavorecen. Arte y Ciencia: Una convergencia necesaria El arte ha sido históricamente una herramienta para investigar la realidad y las experiencias humanas, en colaboración con la ciencia. Proyectos contemporáneos como los del artista Olafur Eliasson exploran temas como el cambio climático y la biotecnología, alineándose con los Objetivos de Desarrollo Sostenible. Este diálogo entre arte y ciencia no solo refleja los avances científicos, sino que también cuestiona las implicaciones éticas y sociales, movilizando a la sociedad hacia soluciones más sostenibles. Desligar estas disciplinas sería perder una oportunidad crucial para entender cómo los cambios sociales y científicos están modelando el mundo actual. Un llamado a los coleccionistas: El mercado del arte está en un momento crucial. A medida que los movimientos sociales exigen mayor equidad e inclusión, el arte no puede quedarse al margen. Los coleccionistas tienen el poder de cambiar el rumbo del mercado apoyando una mayor diversidad de artistas y estilos. Incluir propuestas frescas en sus colecciones no solo las enriquece, sino que también promueve un futuro más equitativo y plural. El arte, más que una inversión, es un catalizador de cambio social.