Publicación de Gilson Dantas Carmini

Títeres uruguayos por Argentina - https://lnkd.in/dDwk8hjq - Aquinomás es una compañía de títeres y objetos fundada en Montevideo, en 2009. En estos 15 años viene desarrollando espectáculos para las infancias y para el público adulto. La compañía ha ganado fondos concursables y el programa Fortalecimiento de las Artes en varias oportunidades, también ha sido nominada al Premio Florencio. Entre sus puestas más importantes se destacan: Martín Aquino y su caballito Moro, Por si las moscas, Dos extraños, otra historia de la ciencia, De cabeza, dirigidas a la infancia; y Los efectos del viaje, de Javier Swedzky, Todo EnCaja, Una mujer larga, de Raquel Diana, Emilio y Patricia, Rompecabezas e Impro con títeres, para público adulto. Aquinomás lleva adelante desde 2015 un varieté de títeres para adultos y una línea educativa con talleres de formación para profesionales, educadores e infancias. Ha participado en diferentes festivales y acaba de llegar de una gira por Argentina. Sus integrantes son Rodrigo Abelenda y Tamara Couto. A continuación, la charla de La Mañana con el primero. ¿Cómo está conformado el equipo de Aquinomás? Nuestro equipo de trabajo está conformado por Tamara Couto Diana y yo, como núcleo duro de la compañía, pero siempre trabajamos rodeados de otros técnicos, además de otros artistas escénicos. ¿Tienen roles cada uno? La verdad es que en los grupos de títeres de nuestro país tenemos que cubrir varios roles. De dramaturgos, realizadores, directores y también de intérpretes. En mi caso me interesa mucho la dramaturgia y la dirección. Y me he estado formando especialmente en estas áreas. En el caso de Tamara la dirección y la interpretación son sus intereses más destacados, aunque a ambos nos interesan todos los aspectos del teatro de títeres. ¿Ser titiriteros conlleva una filosofía o estilo de vida diferente? Sí, como cualquier profesión que uno tiene, esto se transforma en parte de tu identidad. Para mí ser titiritero conlleva un cable a tierra constante, ya que es un arte escénica que te coloca siempre en una periferia, donde la importancia siempre la tienen los objetos y eso implica un constante trabajo de humildad. Eso para mí es super saludable ya que nos aleja de los problemas de egos y divismos tan habituales en el teatro. Por otro lado, también implica una forma de vida en lo práctico, con horarios siempre cambiantes que vuelven la vida un poco desordenada, lo que implica apoyo familiar en las tareas de cuidados, sobre todo. ¿Qué desafíos debieron afrontar durante estos 15 años de vida artística? Los desafíos son constantes: por un lado, hacer de la profesión un sustento económico es una tensión continua. Después, construir un lenguaje que nos fuera propio y fuera más que la suma de nuestras individualidades, encontrar qué queremos decir y cómo lo queremos decir. Y, por último, mantener un relacionamiento humano que nos haga sentir ...

Claves Escénicas surgió a partir de la intención del Instituto Nacional del Teatro y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) de fortalecer los lazos entre ambos países en materia de artes escénicas y establecer acciones de cooperación entre Argentina y España. Los seminarios y la clase magistral se enfocaron en compartir y en facilitar el acceso a conocimientos específicos sobre: dirección y puesta en escena, escenografía, luminotecnia, producción y gestión de las artes escénicas. https://lnkd.in/djgesi7d

El Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio abre la convocatoria para postular al segundo llamado de la Línea de Circulación Internacional de Artes Escénicas 2024, fondo que entrega financiamiento total o parcial a proyectos que contribuyan al posicionamiento de las artes escénicas nacionales en los circuitos extranjeros.  La convocatoria está dirigida a proyectos de teatro, danza, circo, títeres, narración oral, ópera o interdisciplinarios, que sean presentados por artistas, cultores(as) y/o gestores de todo el país. Además, considera las siguientes modalidades de postulación:  ➡ Circulación de Montajes Escénicos. ➡ Agenda de Internacionalización.   ¡IMPORTANTE!   Plazo máximo de ejecución: Todos los proyectos deben finalizar a más tardar el 31 de marzo de 2025. Periodo de inicio de actividades: Las actividades del proyecto deben comenzar entre el 16 de septiembre de 2024 y el 31 de diciembre de 2024. Duración del proyecto según fecha de inicio: Si inicias las actividades el 16 de septiembre de 2024, tendrás 6 meses para ejecutar tu proyecto, debiendo finalizar el 31 de marzo de 2025. Si inicias las actividades el 31 de diciembre de 2024, tendrás 3 meses para ejecutar tu proyecto, debiendo finalizar también el 31 de marzo de 2025. Consideración importante: Los proyectos que en sus Formularios Únicos de Proyectos (FUP) declaren actividades posteriores al 31 de marzo de 2025 serán considerados fuera de convocatoria. Asegúrate de planificar y declarar las actividades de tu proyecto dentro de estos plazos para que tu proyecto sea evaluado!    Toda la info a continuación: https://lnkd.in/ehSxD4ky

 𝑫𝒆𝒕𝒓𝒂́𝒔 𝒅𝒆𝒍 𝒕𝒆𝒍𝒐́𝒏: 𝒅𝒐𝒏𝒅𝒆 𝒍𝒂 𝒎𝒂𝒈𝒊𝒂 𝒕𝒐𝒎𝒂 𝒇𝒐𝒓𝒎𝒂 Cuando las luces se atenúan y el telón se levanta, comienza el espectáculo para el público. Pero ¿alguna vez te has preguntado qué sucede detrás del telón antes de que eso ocurra? Detrás de cada actuación de ópera, hay un mundo vibrante y lleno de esfuerzo, donde cada detalle se cuida con pasión y dedicación. Desde los ensayos agotadores hasta los momentos de inspiración creativa, cada paso en el proceso de producción es un acto de amor por el arte. En ese espacio mágico entre bastidores, se teje una red de empatía y compañerismo. Cada miembro del equipo, desde los cantantes hasta los técnicos de sonido, forma parte de una familia unida por la misma pasión. Es en esos momentos de colaboración y apoyo mutuo donde la verdadera magia sucede. Imagina las horas dedicadas a perfeccionar cada nota, cada paso de baile. Siente la emoción palpable cuando el escenario cobra vida con la música y la actuación. Es un esfuerzo colectivo, donde cada individuo aporta su talento único para crear algo extraordinario. Detrás del telón, la emoción y la adrenalina se mezclan con la tranquilidad de saber que todo está en su lugar. Es un lugar donde los sueños toman forma y donde la pasión por el arte une a personas de diferentes orígenes y talentos en una sola voz. La próxima vez que asistas a una ópera, recuerda el trabajo arduo y la dedicación que hay detrás de cada actuación. Porque detrás del telón, hay más que simples artistas: hay corazones que laten al unísono por el amor a la música y al espectáculo. ¡Ven y únete a nosotros detrás del telón, donde la magia cobra vida! #Ópera #DetrásDelTelón #PasiónPorElArte #TrabajoEnEquipo #FamiliaArtística

Ir al teatro: Ir al teatro ofrece varias ventajas: Experiencia Cultural: El teatro es una forma de arte que refleja la sociedad, la historia y las emociones humanas, enriqueciendo nuestra comprensión cultural. Conexión Emocional: Las actuaciones en vivo generan una conexión única entre actores y público, creando experiencias compartidas que pueden ser profundamente emotivas. Estímulo de la Imaginación: A diferencia del cine, el teatro requiere que el espectador use su imaginación, lo que puede ser estimulante y enriquecedor. Apoyo a las Artes: Asistir al teatro ayuda a mantener viva la escena cultural y apoya a artistas y compañías locales. Diversidad de Temas: La programación teatral abarca una amplia gama de géneros y temas, ofreciendo algo para todos los gustos. Desconexión Digital: Ver una obra en vivo permite desconectar de las pantallas y disfrutar de un momento presente. Estas razones hacen que el teatro sea una experiencia valiosa y enriquecedora. Id al teatro ❤️❤️❤️

El artículo indaga sobre la representación que hicieron los noticiarios del NO-DO sobre el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida en tres décadas distintas, y se desvela en profundidad la imagen que reflejaron sobre esta cita a través de las informaciones emitidas durante el Franquismo entre los años 1959 y 1975, con la difusión de 9 reportajes que nos otorgan un material imprescindible para conocer en profundidad cómo funcionaba durante la dictadura este encuentro cultural extremeño. Con el empleo de una metodología cualitativa se ha hallado, tras el visionado de todos los reportajes, un yacimiento de datos y anécdotas que nos acercan al desarrollo de este evento con imágenes de gran interés y que expresan la capacidad de divulgación que tenía ya este certamen durante las décadas de los años 50, 60 y 70, utilizada hábilmente por la dictadura para ofrecer una imagen amable del trascurso de la vida de los españoles. Actores relevantes como Francisco Rabal, Gemma Cuervo o José María Rodero son los protagonistas de las imágenes que se filmaron y que se propagaron en este documento visual. Un registro audiovisual imprescindible para conocer cómo se asentó esta manifestación teatral en todo el país, así como la información teatral que se desvela en cada noticiario, ya que era la única fuente informativa que los españoles veían cada semana en los cines. FILMHISTORIA Online Vol. 33, núm. 2 (2023)· ISSN: 2014-668X Enlace al artículo: https://lnkd.in/dFrxXTP3

Un, dos, tres, responda otra vez: Exposiciones, obras de teatro, recitales, conciertos, películas, eventos o actividades artísticas que recomendáis para estos días que viene con más tiempo libre (indicando título, lugar y sobre todo, el motivo de la recomendación!) #planesculturales #agendacultural #recomendacionesculturales

Esta es la #RondadeCriticas 📰de LUCES DE BOHEMIA, en el 📍Teatro Español . #LucesdeBohemia #EduardoVasco #ValleInclan. ➡️https://lnkd.in/dgWPqT2t ⭐️⭐️⭐️⭐️ #Babelia elpais 👉 Eduardo Vasco se bautiza como director del Teatro Español con un montaje divertido, divulgativo y ligero del esperpento más celebrado de Valle-Inclán, protagonizado por Ginés García Millán. "El espectáculo, ameno, variado, se sigue con un interés perenne" "A la salida, había grandes corros de espectadores comentando la jugada, como en épocas mejores." ⭐️⭐️⭐️⭐️ #abc👉 'Luces de bohemia', monumental e irregular ⭐️⭐️⭐️#elhuffpost 👉 'Luces de bohemia', otra vez Una producción nueva tuneada aprovechando los recursos actuales, como son la proyección de imágenes o las posibilidades de luminotecnia. (...) En definitiva, si sigue siendo válido como referente cultural. Como modelo de estar en España y en el mundo, y como modelo de comportamiento. Esa debería ser la mirada contemporánea a los clásicos. También a los del XIX y a los del XX. Por eso son clásicos teatrales. Es decir, juegan en escena y con los espectadores en el terreno del conflicto y no de la satisfacción del cliente. Clientes habituales de teatro, ya entrados en años, que mayoritariamente saldrán satisfechos tras ver este montaje.

Si olvidas a tu cliente, olvídate de su dinero. En el barroco el teatro era el principal entretenimiento de la población. Y esto fue especialmente cierto en España, dónde la afición era tan grande que incluso se utilizó cómo método para captar fondos. Tanta era la afición que en tiempos de Felipe IV la corona financiaba la escritura de obras, y su montaje, para congraciarse con el pueblo. Y cuando hablo del pueblo hablo del pueblo en general; porque en los corrales de comedia coincidían las diferentes clases sociales, en un mismo espacio, al mismo tiempo. Porque el teatro barroco era todo un espectáculo, con música, escenografía e historias que hablaban sobre poder y honor. Un tragedia centrada en la fatalidad del destino por la que el público podía fantasear sobre reyes, dioses y grandes historias de valor y causas nobles. E igualmente con la comedia, centrada en enredos amorosos que divertían al público enormemente. Un espectáculo total que ayudaba a la gente a distraerse pero también a educarles. Gracias a eso el pueblo barroco fue realmente culto, conocedor de dinastías mitológicas, héroes clásicos, personalidades, así como filósofos y santos, que se convirtieron en temas de conversación de tabernas y corrillos. Pero llegó la Ilustración, y con ella el despotismo ilustrado, tratando al pueblo igual que a un niño y estableciendo aún más distancia entre las clases sociales. Creando incluso una nueva tipología de teatro dónde las las élites podían asistir a las funciones sin mezclarse con la chusma. De pronto el teatro dejó de hablar de dioses y reyes para hablar del pescadero, o del sacerdote, dentro de tramas morales y aleccionadoras, de crítica social y costumbres. El teatro se hizo aburrido, y el público lo rechazó. A cambio las autoridades prohibieron las representaciones de las obras barrocas. La consecuencia, que las compañías teatrales empezaron a tener problemas para financiarse, porque las obras ilustradas no llenaban teatros, lo que les obligó a recuperar furtivamente las obras barrocas para sobrevivir. Y lo cierto es que hoy día el teatro Ilustrado tampoco levanta pasiones. Siendo el teatro barroco el que copa más producciones durante los festivales de teatro clásico. Porque el teatro ilustrado perdió su principal función de entretener y divertir, en favor de un objetivo político de adoctrinar desde la moral. Obviamente hizo mal negocio. Porque en el teatro, como en la vida en general, si rechazas a tu público y a sus deseos, estarás rechazando su interés y con ello su dinero. ________________________________ 🖼️ Foto: Corral de Comedias de Almagro; Castilla La Mancha.

Serie Del Círculo Mágico al Metaverso. Capítulo 3. Teatro Griego. Cuna del Arte Dramático y la reflexión social. Grecia transformó radicalmente el teatro, lo consagró como una forma de arte autónoma y una poderosa herramienta de educación cívica. El teatro griego no solo entretenía, sino que también instruía, normatizaba la sociedad y ofrecía una profunda catarsis colectiva. Una de las innovaciones más significativas del teatro griego fue la introducción de la "personalidad criminal" en escena. Este arquetipo, que exploraba las complejidades de la psique humana y las consecuencias de las acciones individuales, sentó las bases para el desarrollo del drama posterior, incluyendo el drama isabelino siglos después. Los griegos fueron maestros en la creación de espacios escénicos. Concibieron el anfiteatro, una estructura construida aprovechando las laderas de las colinas para optimizar la acústica natural y ofrecer una visibilidad excepcional a un gran público. Esta ingeniosa solución arquitectónica no solo mejoraba la experiencia teatral, sino que también simbolizaba la importancia del teatro en la vida pública. La construcción masiva de teatros en la antigua Grecia es un claro testimonio de la relevancia que esta actividad tenía para su sociedad. La proporción de teatros en comparación con los templos es un indicador contundente de esta prioridad cultural. De hecho, la cantidad de teatros llegó a ser tal que fue necesario dedicarlos a las deidades, especialmente a Dionisio, dios del vino y el teatro, para evitar conflictos entre las autoridades civiles y religiosas. Esta dedicación religiosa, aunque pragmática, también reforzó la conexión entre el teatro y lo sagrado, de una manera diferente a las prácticas anteriores. #teatrogriego #artegriego #historiadelteatro #drama #tragediagriega #comediagriega #arte #cultura #anfiteatro #dionisio #legadoclasico #delcirculomagicoalmetaverso