Publicación de Mariló Gutiérrez Guía ALT

"Los buenos artistas copian, los grandes artistas roban". ¿De dónde salen las ideas? ¿Existe la originalidad o la propiedad en el proceso creativo? Tenía esa conversación con mi hermano pequeño, que es músico, en un concierto de las maravillosas Noches del Botánico, hablando de si hay aristas más originales que otros o, por el contrario, todos copian, beben de algo y hacen corta y pega con más o menos estilo propio. A Steve Jobs le gustaba citar a Picasso que decía eso de "los buenos artistas copian, los grandes artistas roban". Es decir, copiar en el sentido de basarte en algo pasado y robar "hacerlo propio, con tu estilo". A Jobs también le gustaba demandar y dijo sobre el sistema operativo de Android "Gastaré mi último aliento si es necesario y gastaré cada centavo de los 40 mil millones de dólares de Apple en el banco para corregir este mal". En comunicación o en cualquier ámbito creativo creo que debemos tratar de evitar esos dos impostores: la propiedad y la originalidad. Porque todos nos basamos en alguna obra pasada y las buenas ideas son las que se construyen de forma colaborativa, se van haciendo más grandes cuando la propiedad es difusa, colectiva. Me encanta este vídeo porque la realidad parece mentira. El círculo no existe, lo crea la unión de todas las líneas rectas. Es decir, la originalidad es una ilusión, se basa en trayectorias ya trazadas, pero que al hacerse nuevamente (con nuestro estilo), de forma colectiva pueden cobrar una nueva dimensión.

¿Comunicamos nuestra identidad y trabajo como creadores lo suficiente o de la mejor manera? Junto a Óscar Guayabero vamos a reflexionar sobre este tema. ¿Qué opinas?: https://lnkd.in/eMNpxmGy

¿Por qué el equilibrio visual es tan esencial en una obra? Para muchos, el equilibrio se traduce en simetría, pero en el arte, asimetría también puede significar armonía. Pensar en cómo se distribuyen los elementos de una composición puede hacer que el espectador siga el camino visual que queremos, guiándolos hacia el punto central de nuestra obra. Crear este equilibrio visual tiene su propio lenguaje. Cada trazo, cada espacio vacío, y cada color tiene un rol en cómo se percibe la obra. Es clave para que nuestra pieza se sienta “completa.” 🔊 Si te interesa el tema, te invito a escuchar mi último episodio de ‘Arte con Maria Santacecilia: EL PODCAST’ en: YouTube → https://lnkd.in/dp5x4tRe Spotify → https://lnkd.in/dzq-KeMs #arte #artista #creatividad #diseño #pintura

Me parece estupendo que se analicen y critiquen obras culturales de años y décadas atras, pero siempre que se haga con espíritu crítico constructivo y teniendo en cuenta factores como la mentalidad, la sociedad y los valores de la epoca en las que dichas obras fueron estrenadas y publicadas. Algo que habitualmente no pasa, quedándose en un análisis meramente superficial que solo pone el foco en lo "tóxico". Leo un artículo en elDiario.es que, a mi parecer, cae también en ese vicio a la hora de analizar una película tan claramente hija de su tiempo (con todas las virtudes y defectos que eso conlleva) como 'Reality Bites' (1994), llegando a tildar de "peligroso" y "dañino" su modelo de conducta. Yo soy de la generación que creció viendo películas de los 70, 80 y 90, gracias sobre todo al auge de los videoclubs. Y, sin ser los más listos y espabilados del mundo, siempre tuvimos claro que Michael Corleone, John Rambo o Hannibal Lecter no eran precisamente "modelos de conducta", y no por ello se nos ocurriría (ni entonces, ni ahora) censurar o criticar filmes como 'El padrino', 'Acorralado' o 'El silencio de los corderos' porque sus protagonistas "hacen cosas malas". Si como padres, madres, educadores o simples seres humanos os preocupan las interpretaciones incorrectas que las nuevas generaciones de espectadores puedan hacer de películas, novelas, canciones, fotografías u obras de teatro paridas hace décadas o incluso siglos, enseñémosles a ver cine, a analizar la literatura, a radiografiar la música, a leer imágenes o a entender el subtexto (temporal, social, dramático, etc) de una obra. No impongamos la cancelación o la crítica gratuita, desde nuestro punto de vista actual (que, seguramente, dentro de unos años también sufrirá cambios y evolucionará) solo porque hoy "nos parece mal". Que de ahí a la quema de libros solo hay un paso. #reflexiones

El estilo de pensamiento en torno al trabajo creativo también repercute en el artista cuando decide anunciar y vender su obra. Como regla general, las obras de arte que surgen de un enfoque Reactivo y Específico tardan más tiempo en crearse que las que resultan de un enfoque Proactivo y General. Esto repercute en la estructura de precios de las obras del artista. Las implicaciones para los profesionales de MindSonar es considerar cómo podríamos trabajar con artistas que buscan coaching para ayudarles a desarrollar su arte o su negocio. Puedes leer este artículo en la página oficial de MindSonar 👉: https://lnkd.in/egeiqXhP para-coaching-de-artistas/

Llevo años enseñando a artistas a comprender su actividad económica. ¿Por qué les cuesta tanto vivir bien de su arte? En principio, porque el artista ambiciona a dedicarse solo a la creación. Y entonces crea, ensaya y, eventualmente, muestra, presenta su obra, hace conciertos. La tarea de buscar donde mostrarse no se aborda con pasión. De la sala de ensayos, del taller creativo, pasa a la convocatoria de clientes que compren entradas, que compren su obra. Generalmente con poco éxito y no necesariamente porque la obra sea mala, sino porque no han calentado suficientemente al posible auditorio. No han logrado hacer que la gente sienta: “tengo que ir”, “tengo que ver”, “tengo que comprar”. Otros buscan o, mejor dicho, esperan que los llamen, que los contraten y son pocos los que tienen la estrella, el trabajo es mostrarse, hablar con el posible comprador, sembrar futuro. Para llenar salas, vender tu obra o para que te llamen a actuar debes estar visible, construir una reputación positiva, tener una constante comunicación con tus posibles clientes. Eso también forma parte de la tarea del artista, pero la mayoría siente que esas tareas no les corresponden, que hacerlas les quita tiempo creativo y, por tanto, las hacen a regañadientes y mal. Quisieran tener alguien que les resuelva sus ventas, pero les jode pagar por eso. Y, entonces, se frustran, tratan de hacerlo solos o creen que su obra se venderá sola, sin esfuerzo de ellos. Faltan actores en el mundo del arte, faltan muchas piezas en el ecosistema, mientras no aparezcan, el artista no puede pensar ni cómo empleado ni como independiente, tiene que actuar como empresario, enseñarles a hacerlo es mi tarea.

En una INSTALACIÓN, el nivel de participación del PÚBLICO puede variar dependiendo de la intención del artista y la naturaleza de la obra. Aquí algunos de los niveles más comunes de participación: 🔵Observación pasiva: El público simplemente contempla la obra sin interactuar con ella directamente. La experiencia es visual o conceptual, y la interacción es más reflexiva. 🔵Interacción física limitada: Los espectadores pueden interactuar físicamente con ciertos elementos de la instalación, como moverse alrededor de la obra o tocar objetos específicos. Sin embargo, la interacción sigue siendo estructurada y controlada por el artista. 🔵Participación activa: Los participantes pueden influir en la obra de manera significativa. Esto puede incluir la toma de decisiones, la manipulación directa de elementos o la creación conjunta con el artista. La obra puede cambiar en función de las acciones del público. 🔵Inmersión total: En este nivel, el espectador se sumerge completamente en la obra, interactuando con el entorno, actores, o tecnologías que forman parte de la instalación. Puede incluir experiencias multisensoriales, realidades virtuales o entornos completamente transformados. 🔵Co-creación o colaboración: Aquí, el público no solo participa en la obra, sino que es parte fundamental de su creación o evolución. El artista proporciona un marco, pero la obra se desarrolla a través de la interacción del público, haciendo que cada experiencia sea única. ¿Cees que el nivel de participación del público en una instalación puede afectar la forma en que experimentan y entienden la obra?

Si quieres emocionar y "memear", aprende de Chaplin... 🎩 Siempre lo digo: mis más grandes maestros ya no existen, pero dejaron un legado tan rico que me permite aprender de ellos y de lo que hicieron con lo que tenían a mano. Hoy por ser el Día Mundial del Teatro, le toca otra vez al rey de las metáforas y la narrativa visual, Charles Chaplin. ⭕ En la era de este genio la tecnología audiovisual estaba en pañales, por eso el cine era mudo y los actores parecían moverse muy rápido. ⭕ Las palabras pasaban a un segundo plano, así que se sacaba provecho de los gestos y el lenguaje corporal, para transmitir emociones y contar historias. Pero Chaplin lo llevó a un nivel mayor. - Fue original. - Fue creativo. - Fue auténtico... porque desarrolló muy bien la marca personal de su personaje: el vagabundo Charlot. - Su andar gracioso y desgarbado, caídas y levantadas eran metáforas de la vida. - Su bastón era más que un simple apoyo. Era la voluntad de seguir adelante. - Su sombrero y bigote eran una metáfora de nuestra identidad y autenticidad. . . Otra prueba de que la narrativa visual de Chaplin es atemporal y universal, es esa imagen que adorna este post. Se trata de un capture hecho a una de las escenas de su película "Pay Day", en la que su esposa lo sorprende mirando a otra mujer en la calle. Muy similar al meme del "Novio distraído", por eso ahora muchos lo llaman "el precursor de los memes". En esa época había muchos otros storytellers, pero... ¿por qué crees que mis estudiantes adolescentes lo reconocen cuando ven sus posters en mi salón? De eso se trata, de hacernos memorables. 🖤 :::::::::::........ #VolumenIntrovertido #VisualStorytelling #MarcaPersonal #NarrativaEstratégica

Errar no es sinónimo de fallar Ya lo dijo Pepe Cruz-Novillo Jr. al arrancar su charla el pasado jueves… Es complicado condensar todos los “fracasos” en una hora y media porque casi todos los proyectos tienen su parcela errática, fallida, disparatada… Si te encuentras en el otro lado de la balanza, en ese lugar donde las cosas siempre salen como esperabas, donde no se producen cambios sobre el proyecto que lo trastocan todo, donde no hay sorpresas inesperadas… por favor compártelo que estaré encantada de leerlo 🙏 (si estás en el “lado oscuro” tu experiencia también es bienvenida 😉) ¿Tener que sortear errores quiere decir que algo falla en nuestro #ProcesoCreativo? En absoluto. Solo pone de manifiesto una realidad, que la gestión de estos errores constituye un pilar en la coordinación de cualquier #proyecto. Por eso me gusta tanto la propuesta de Fail Fast Studio, porque pone foco justo en la parte que menos luce de todas nuestras creaciones, esa que no se cuenta, que queda soterrada detrás de la #creatividad final que se muestra como resultado… nos invita a compartir todos esos “fracasos” que hemos tenido que sortear para llegar al final del camino. Además de compartir su experiencia, aderezada con grandes dosis de humor, Cruz-Novillo también puso sobre la palestra tres puntos interesantes, sobre los que cualquier diseñador debería reflexionar: ✅ El VALOR del diseño: El #diseño es una cualidad intrínseca a cualquier objeto o elemento cotidiano. Sin embargo, en la mayoría de los casos pasa completamente desapercibido. ¿Te has parado a pensar que un peine, un cepillo de dientes, las bolsas de basura… han sido diseñadas antes de llegar a tu casa (y antes, mucho antes, de llegar a la estantería del súper)? El diseño adquiere valor cuando marca la diferencia de un determinado objeto (y los apodamos como “de diseño”) pero es una realidad de la que participa todo en nuestro entorno. ✅ La AUTORÍA del diseño. Al analizar la labor de otros creadores (escritores, artistas, compositores…) nos encontramos con que sus obras están firmadas, tienen un autor reconocido. Sin embargo, esta realidad no existe en el mundo del diseño, donde el creador de la obra es un completo desconocido para el usuario que la consume (en la gran mayoría de los casos), lo que facilita que existan “licencias artísticas” al tomar “prestados” diseños más o menos consolidados para nuevas propuestas (licencias que no mencionan fuente ni ofrecen referencia alguna). ✅ El CONTROL sobre lo diseñado. En algún momento el proyecto concluye, llega a nuestro cliente y el diseñador pierde de manera definitiva control sobre el resultado. Aquí se abre un amplio espectro de posibilidades desde la aplicación coherente de los principios definidos hasta la adopción de soluciones nunca imaginadas (ni deseadas). Es una realidad con la que debemos aprender a convivir los diseñadores 😅 Muchas gracias por la propuesta, genial como siempre 🤩 ¡Nos vemos en junio!

Hace unos años tuve la suerte de poder juntar dos de mis pasiones: la música y  la innovación. De esa unión surgió “Cuando los Black Eyed Peas me invitaron a subir al escenario” (https://lnkd.in/d7N75faw) y, a partir de ese momento, me encanta ir juntando ambas para ver por donde me lleva.  Hoy me ha traído hasta aquí a contar una de las herramientas más conocidas del proceso de innovación: el brainstorming o “lluvia de ideas”. Y es tan popular principalmente porque se utiliza en muchos ámbitos y es tan versátil que se puede usar en muchas fases del proceso de innovación  Hay muchas maneras de hacer brainstorming, pero las reglas básicas desarrolladas por Alex Osborn incluyen premisas como no juzgar ni criticar las ideas durante la sesión, fomentar la cantidad o construir sobre las ideas de los demás.  Sobre estos principios se han creado técnicas para adaptarla a las necesidades de cada entorno y una de ellas en particular llamada Estrategias Oblicuas está especialmente diseñada, como no, para la música. Fue creada por el músico Brian Eno y el artista Peter Schmidt para romper bloqueos creativos. Se basa en una baraja de cartas con frases que estimulan el pensamiento lateral como “Look closely at the most embarrassing details and amplify them”,” Only one element of each kind”,” Repetition is a form of change”... Lo han usado desde David Bowie a Coldplay y R.E.M hace referencia a ellas en sus canciones “What’s the Frecuency, Kenneth?” y “Diminished”. Aunque para mí, una de las historias más curiosas de como romper un bloqueo creativo es la que cuenta el productor Rick Rubin cuando trabaja con System of a Down en su hit “Chop Suey!” (https://lnkd.in/dATNkRP8). Comenta el productor que ante la falta de ideas para completar parte de la letra le pidió a Serj Tarkian (cantante y compositor) que escogiese cualquier libro de la biblioteca que tenía Rick, lo abriese por una página al azar y leyese la primera frase que viese. Esta frase fue “Father, into your hands. Why have you forsaken me?” que se convertiría en una de las partes más potentes de la canción.  Es decir, ¡La inspiración nos rodea por todas partes, solo hay que estimular nuestra búsqueda! Contadme, ¿Cómo hacéis vosotros en vuestros procesos de innovación estas lluvias de ideas?