Publicación de Vega de Tordín

Interesante articulo del Maestro Antolin Sanchez , una reflexión sobre el proceso de la imagen

La fotografía en blanco y negro captura la esencia de la dedicación en lo cotidiano, resaltando la belleza en los gestos simples de la vida.

roiking.yupopstore.com Título: Busto de mujer con bola de cristal en equilibrio y refracción fotónica. En esta pintura se combina la figura de un busto femenino con un elemento simbólico, una bola de cristal en equilibrio. La presencia de la bola de cristal sugiere temas como clarividencia, misterio o el futuro, mientras que el busto representa la figura humana o la identidad. Esta combinación crea un efecto enigmático y evocador en la obra, invitando a reflexionar sobre la percepción, la identidad y el tiempo. La mención de la refracción fotónica explica cómo la luz se desvía al pasar a través de la bola de cristal, añadiendo una dimensión visual y simbólica adicional a la composición artística.

"El Peso de Nuestro Pasado" Una reflexión pictórica sobre la esencia de México actual Por, Sanchezcuevas Nunca una imagen me hizo más sentido con nuestra vida actual en este país como la obra que titulé “El peso de nuestro pasado”. Esta pintura, realizada en los inicios de los años 90, refleja una etapa en la que México soñaba con la credibilidad y la recuperación frente a los embates comerciales, financieros y políticos mundiales. En ella, combiné diversos elementos e intenté emular el estilo de los grandes muralistas mexicanos, aquellos genios que en la primera mitad del siglo XX hablaron a través de sus murales. Mi obra tiene como objetivo representar a nuestra patria a través de un personaje robusto y fuerte, simbolizando a una nación que, pese a haber pasado por múltiples tipos de gobiernos, dirigentes, sectas, religiones, creencias y mentiras, no ha sido sometida a sus antojos. Esta figura central encarna la resistencia y la fortaleza de México, que sigue adelante a pesar de todo. Otro elemento clave en la pintura es un gigantesco megalito con inscripciones, evocando los códices de nuestros antepasados. Este remanente histórico simboliza un legado que, a pesar de los cambios culturales y las modas foráneas, no ha quebrantado la esencia de un pueblo forjado con trabajo, creatividad, compromiso y un espíritu guerrero indomable que perdura en nuestra sangre mexicana. Hoy, más que nunca, esta obra resurge como un reflejo actual de mi pueblo, que una vez más busca sobrevivir frente a nuevas ideologías tan cambiantes como los atardeceres. Nuestra esencia persistirá porque el peso de nuestro pasado es más fuerte que el sol, más grande que el universo, y nuestro lugar es más significativo que cualquier galaxia. Nunca pretendí predecir el futuro, ser un mesías o un adivino, pero coincidentemente, esta pintura se ha convertido en una fotografía de nuestro México actual.

ON DISPLAY | Lobo Velar LOS ERRORES DEL VACÍO Curaduría/texto por Mariana Rodríguez Iglesias Quizás esa sea la clave: el vacío no existe. O, si acaso, es una contradicción.
Lo que entendemos como vacío es menos una ausencia que un marco para caminos aún no recorridos. Así como la mesa familiar, despejada de objetos cotidianos, invita a otras actividades –al juego, por ejemplo–, el vacío es la antesala de aquello que está por llenarse. ¿Qué sucede, entonces, con las narrativas voluntaristas y proyectivas que, supuestamente, guían el trabajo del artista? ¿Dónde hay mayor control: en el potencial del vacío o en el caos de los errores? ¿Qué nos produce más miedo: la mesa vacía o la que está repleta de cosas? ¿Cómo se siente albergar una contradicción en el cuerpo? Esta concepción del vacío como un espacio creativo, colmado de potencial, resuena en el título de esta muestra de pinturas de Lobo Velar. “Los errores del vacío” no son equivocaciones en el sentido tradicional, sino más bien oportunidades para recombinar lo impensado, reunir fragmentos de algo mayor y contar una historia que, hasta ahora, no había sido narrada. En el vacío de las determinaciones, cualquier desviación del plan inicial se convierte en una oportunidad para reivindicar el gesto propio. Ya no es oscuridad ni silencio, sino una certeza incierta que guía la mano, el codo, el hombro y el corazón del artista, ida y vuelta. Lo indeterminado toma forma; el lenguaje se inventa desde cero. El límite de nuestro mundo se vuelve permeable, revelando que también está hecho de huecos.  El caos no es el final, sino el punto de partida. Entonces, ¿es posible hacer un collage de caos y vacío, en tanto nociones superpuestas? Los errores son absorbidos por la obra hasta volverse esenciales. La maestría de Lobo en esta serie de pinturas reside en su capacidad para encontrar en lo imprevisto no una falla, sino un paisaje, un tiempo y unos personajes familiares. Siempre estuvieron ahí. No estaban ahí antes. Quizás en eso radique la clave: en lo que aún no se ha dicho, en lo que no puede calcularse pero que, al aparecer, se percibe como un recuerdo para valorar el presente e imaginar otro futuro. 

Rápido, piensa en una estatua famosa. No le des muchas vueltas, la primera que te venga a la cabeza. ¿Lo has hecho? Probablemente te ha venido a la cabeza el David, de Miguel Ángel. No en vano es la estatua más famosa del mundo. Y esta estatua tiene una historia fascinante que encierra algunas lecciones muy interesante que puedes aplicar a tu vida. Espero que te guste esta pequeña clase de historia del arte ;) El David es una estatua de más de 5 metros de altura y más de 5 toneladas de peso que representa a David justo antes de enfrentarse a Goliat, e intenta plasmar la perfección física masculina. A pesar de eso, sus proporciones no son "perfectas". Las manos y la cabeza son excesivamente grandes, aunque se cree que Miguel Ángel creó esas proporciones expresamente, para demostrar que lo más importante de David era su mente y sus acciones. ¿Sabes qué es lo fascinante de esta escultura? Primero de todo, la historia que ocurrió cuando aún no era más que un trozo de mármol. El David está hecho a partir de un único bloque de mármol de Carrara, y curiosamente Miguel Ángel no fue el primero en intentar hacer algo digno con ese pedrusco. Previamente dos artistas (Antonio Rosellino y Agostino di Duccio) lo habían intentado, fracasando en el intento. Es decir, que cuando a Miguel Ángel (que por aquél entonces solo tenía 26 años...) le encargaron el David, tuvo que lidiar con un proyecto que otros dos grandes artistas habían abandonado. De hecho, ambos habían empezado a tallar el bloque de mármol, pero lo único que lograron era destrozarlo en el proceso. En su defensa dijeron que el bloque presentaba demasiadas imperfecciones que ponían en riesgo la integridad del mismo, por lo que no era un buen material con el que trabajar. Eso hizo que el enorme bloque de mármol quedara abandonado durante más de 25 años, hasta que Miguel Ángel decidió enfrentarse al desafío, creando en el proceso una de las mejores obras de arte de toda la historia de la humanidad. ¿Qué podemos sacar de ese primer punto? Pues que a veces nos dejamos llevar por las opiniones de los demás, y nos contagiamos de sus propias creencias limitantes, que adoptamos como propias. Es mucho más fácil aceptar que no podemos hacer algo a volcarnos en cuerpo y en alma en ese algo.

Ejemplo de firma integrada en un cuadro El análisis de una firma en un cuadro es útil para corroborar la autoría, pero nunca para descartarla. Y esto es así, porque los peritos nos hemos encontrado con obras auténticas que se han firmado -incluso por el propio artista- con posterioridad para reafirmar la autoría y vender mejor la pieza. Por esta razón, uno de los análisis iniciales es comprobar si la firma está integrada en la pintura del cuadro. Este es un claro ejemplo.

La exposición muestra la evolución de la artista valenciana durante los últimos diez años a través de sus grandes series temáticas, marcadas por el uso de las formas y el color

Noche Max Beckmann Colección de arte de Renania del Norte-Westfalia, Düsseldorf, Alemania "Se trata, sin duda, de uno de los cuadros más horripilantes jamás pintados. Otros artistas, generalmente motivados por los fines superiores del patriotismo o el pacifismo, han mostrado los desastres de la guerra, la represión y el martirio; la tortura y el dolor se representan a menudo como los merecimientos justos de los pecadores que caen al infierno, y la asadura y la decapitación de los santos se representan para servir a la mayor gloria de Dios. Pero Beckmann no ve ningún propósito en el sufrimiento que muestra; no hay gloria para nadie, ninguna compensación, ningún regocijo por la justicia realizada, sólo dolor sin sentido y crueldad por sí misma. Beckmann culpa a la naturaleza humana como tal, y no parece haber escape físico de esta abrumadora autoacusación. Víctimas y agresores por igual están acorralados. No hay salida. "Y, sin embargo, curiosamente, la composición es visualmente satisfactoria: está unida como por un maestro carpintero. Ése es el aspecto más cruel de esta obra; El cuadro presenta un orden absoluto, como si dijera: así es como se supone que deben ser las cosas, esto es "regularidad". No sólo el diseño, con sus paralelos y ángulos complementarios, demuestra esta "ley y orden" pervertida; los colores también parecen bien espaciados y cuidadosamente distribuidos. La mujer en el primer plano a la derecha puede estar usando un corsé azul porque la lengua del hombre estrangulado en la esquina superior izquierda se volvió azul y el pintor necesitaba un equilibrio de colores. La corbata del torturador puede ser amarilla para corresponder con la cera amarilla de las velas.

Un periódico británico publicó la experiencia de Jack Harris, de 86 años, que pasó siete largos años trabajando en un gigantesco rompecabezas de cinco mil piezas, sólo para descubrir que la última pieza faltaba. Quedó devastado, especialmente cuando se enteró de que el rompecabezas ya estaba agotado y que no había posibilidad de hallar una pieza de repuesto. Era una fotografía de la pintura “El retorno del hijo pródigo,” del artista francés James Tissot, de 1862. Felizmente, el clamor del público hizo que el periódico comisionara una copia perfecta de la pieza final, y los fotógrafos estuvieron listos el momento cuando Jack la colocó en su lugar. ¿Cuántos de nosotros estamos entregando la vida día y noche, envejeciendo, tratando de armar el rompecabezas de la vida? ¿Cuántos llegamos al final sólo para darnos cuenta de que falta la clave de todo? Según estudios y testimonios de personas que se encuentran cerca de la muerte, el mayor arrepentimiento que suelen tener es no haber vivido una vida auténtica y fiel a sí mismos. Muchas personas lamentan no haber tenido el coraje de ser fieles a sus propias pasiones y sueños, y en cambio, haber vivido una vida basada en las expectativas de los demás. Otros arrepentimientos comunes incluyen no haber expresado sus sentimientos, no haber mantenido relaciones cercanas y no haberse permitido ser más felices. Estos arrepentimientos nos recuerdan la importancia de vivir una vida auténtica y en armonía con nuestros valores y deseos más profundos. ARCIB Iberoamerica VIU - Universidad Internacional de Valencia