Post di Just Baked Magazine

La simbologia nella scultura rappresenta un valore aggiunto, poiché permette di attribuire significati profondi e molteplici alle forme rappresentate. Quando scolpiamo una mela, ad esempio, possiamo associarla alla figura femminile. Questa connessione intellettuale deriva dalla concezione rinascimentale secondo cui il cerchio è simbolo di bellezza e perfezione, spesso accostato alla figura della donna. Questo dialogo storico tra forma e significato ci proietta nella contemporaneità, mostrando come le interpretazioni simboliche continuino a evolversi e a influenzare la nostra percezione estetica e culturale. La scultura, attraverso il gioco dei simboli, diventa quindi un ponte tra passato e presente, arricchendo la nostra esperienza dell'arte e del mondo. Prof. Misale 71

Colore, materia e forma sono gli elementi fondamentali della prima #mostra personale di Lorena D’Ercole, intitolata 'Goditela' #Ortigia #Siracusa https://lnkd.in/djxbazAK

Lucio Fontana è un nome che risuona con potenza nella storia dell'arte contemporanea. Fondatore del movimento spazialista, Fontana ha rivoluzionato il concetto stesso di pittura e scultura con la sua serie di "Concetti Spaziali". Le sue tele tagliate e perforate non erano semplici atti di distruzione, ma profonde riflessioni sulla natura dello spazio e della materia. Fontana ci ha insegnato che l'arte non deve essere necessariamente compresa immediatamente o facilmente. Le sue opere sono state spesso fraintese e criticate, ma con il tempo hanno rivelato una nuova dimensione della creatività. Il suo lavoro ci sfida a guardare oltre la superficie, a vedere il vuoto e a trovare significato nei gesti apparentemente semplici. Questo ci porta a una riflessione più ampia: l'arte deve essere capita per essere apprezzata? Oppure, il vero valore dell'arte risiede nel suo potere di evocare emozioni e stimolare la nostra immaginazione, indipendentemente dalla comprensione immediata? Fontana ha aperto una finestra su un nuovo mondo, invitandoci a esplorare l'ignoto e ad abbracciare l'incertezza. Le sue opere ci ricordano che l'arte è un linguaggio universale, capace di comunicare al di là delle parole e delle spiegazioni razionali. ✍️Per artisti e appassionati d'arte: Quando osservate un'opera d'arte che non capite immediatamente, come reagite? Siete tentati di approfondire il suo significato o preferite lasciarvi trasportare dalle emozioni che vi suscita? 🌟 Unitevi alla conversazione e condividete le vostre riflessioni! #LucioFontana #ArteContemporanea #Spazialismo #InnovazioneArtistica #ArteIncompresa #RiflessioniArtistiche #AppassionatiDArte

Marisa Settembrini e Patrizia Quadrelli in una scenica installazione fiorentina al Plus Florence, fra geometrie, moto e poesia.   “Tutto si muove e ondeggia…”. E noi siamo qui con quel tutto. Partendo dagli scritti di Lucrezio sulle leggi della natura e sulla natura delle cose, sappiamo che il moto è principio che caratterizza ogni tipo di materia, da quella relativa allo spazio cosmico  a quello dell’animo umano. In uno spazio al Plus Florence di Firenze ove alberga già il progetto “Scenari”, è ospitata la mostra “SPAZIO FORME E COLORI” con le installazioni delle artiste PATRIZIA QUADRELLI e MARISA SETTEMBRINI. L'esposizione da me curata è una sorta di termometro della spettacolarità e della storicità dell’arte nuova, di un'arte che si fa veicolo di novelle idee scolpite nella cultura occidentale, di un'arte capace di rigenerare mondi e uomini, e si fa anche bussola in un mare di proposizioni della cultura e delle arti internazionali.  Ecco quanto scrivo nel merito dell’installazione fiorentina delle artiste Settembrini e Quadrelli:  “Continua il lavoro installativo delle artiste Patrizia Quadrelli e Marisa Settembrini, che avviene per cicli e affonda e ruota attorno alle geometrie del mondo, uno scandaglio che oggi afferra e mostra la simbologia della pioggia, innestando così il loro discorso creativo  sui grandi temi ambientali capaci di sconvolgere i paesaggi del mondo. Sono ancora chiare le “novelle frammentazioni”, tracce innervate nelle propaggini dello spazialismo di Lucio Fontana e ancor più sulle disseminazioni di Pino Pinelli. Forme geometriche, costruzioni, accumulazioni, estensioni, inserzioni, un linguaggio analitico eppure complesso che osserviamo nel nostro quotidiano. Mi sovvengono due affermazioni di Giovanni Keplero (XVII sec.) che dicono: “Dove vi è natura, lì vi è geometria”, e ancora “La geometria è l'archetipo della bellezza del mondo”. Affermazioni chiare ed esplicite. Come sintomatica è l’affermazione di Paul Klee: “Tutta l’arte è un ricordo all’origine, è nell’oscurità, i suoi frammenti vivono sempre nell’artista.” Ecco l'articolo a mia firma Prof. Carlo Franza uscito su IL GIORNALE phttps://lnkd.in/exT2HzHN.

La sede milanese della galleria C N Gallery CANEPANERI Contemporary Art Gallery based in Milan and Genoa prosegue l’esplorazione della scena emergente internazionale con la seconda tappa, dopo quella genovese della scorsa estate, della collettiva The Name of The Rose. Step 2 (sino al 29 ottobre). Il progetto espositivo, a cura di #CharlesMoore, mette insieme 5 artiste diverse le cui opere in mostra sono legate dallo stesso filo conduttore del colore rosa, che declinato nelle sue diverse tonalità racconta il valore e il significato del loro fare artistico. L’articolo completo oggi nel mio #blog!

“Arte indigena” - una definizione ancora oggi carica di pregiudizi e preconcetti. Nel corso della settimana, sulle pagine di Libero Pensiero proveremo a riflettere sulle specificità dell’espressione artistica indigena nel mondo, proponendo una prospettiva priva dello sguardo eurocentrico con il quale siamo soliti guardare tutti quei popoli ai margini dei libri di storia. Per saperne di più, leggi il mio articolo introduttivo alla settimana tematica 👇🏼

Centro. Da tempo torna il dibattito sul tema bellezza, così centrale nell’arte classica e moderna, ma controverso, o quantomeno non univoco, nell’arte contemporanea. Importante che la biennale di Venezacolga, come quasi sempre accade, una questione di ampio interesse corrente. #biennalevenezia #bellezza #arte #contemporaryart #artecontemporanea

Quella della Biennale d’arte di Venezia è una brutta storia ma non una storia sorprendente. Figlia di un momento, di un’aria e anche di una moda che dovrebbero essere tenuti rigorosamente lontani da un luogo deputato al confronto di idee, tendenze e percorsi culturali. Dunque, al libero pensiero delle persone. Non perché sia scandaloso contestare anche duramente. Anzi, dalla notte dei tempi la contestazione è proprio fra gli ingredienti dell’arte e non di rado ha dato la stura a veri e propri capolavori letterari o delle arti espressive. Il dolore, la partecipazione al medesimo, l’urlo di protesta, l’indignazione sono molle di straordinaria potenza. Non staremo certo qui a fare l’elenco dei possibili e clamorosi esempi, ma basti “Guernica” di Pablo Picasso e la leggenda (fondata) che a domanda piccata di un ufficiale nazista nella Parigi occupata sul perché avesse dipinto un quadro così disturbante da essere un poderoso atto d’accusa egli rispose: «Badate, questo quadro lo avete dipinto voi». Episodio storico o mito, il senso resiste: se riteniamo di dover sanzionare qualcuno con il nostro pensiero e – se ne siamo capaci – la nostra arte, dobbiamo avere il coraggio di invitarlo a guardare noi, ad ascoltare dalla nostra viva voce i perché di un’accusa. Alla Biennale, invece, ormai più di 12mila persone fra artisti, direttori, curatori, critici, studenti e semplici cittadini hanno firmato un documento online per escludere Israele dall’appuntamento in laguna. Per togliere al Paese (e non al suo governo) la possibilità di esprimersi, di essere parte di un processo inequivocabilmente democratico come quello del confronto artistico. Cosa c’è di coraggioso in questo? Cosa ci vogliono dire quelle dodicimila e rotte persone? Che un intero Paese e forse un intero popolo sono ‘colpevoli’? Possibile che a donne e uomini immersi nella produzione e nella valutazione artistica non sorga il dubbio di far così esattamente il gioco di coloro che vorrebbero mettere al bando? di Fulvio Giuliani #BiennaleVenezia #biennale

Guardare oltre l'opera: Il Gallerista come Mediatore di Esperienze Artistiche in collaborazione con Artedata 🎨✨Attraverso la narrazione visiva e la cura degli allestimenti, il Gallerista trasforma uno spazio in un racconto vibrante, dove le opere d'arte prendono vita e dialogano con chi le osserva. E’ fondamentale riconoscere il suo ruolo cruciale nel mondo dell'arte contemporanea. Oltre ad essere un intermediario tra gli artisti e il pubblico, il Gallerista agisce come un vero e proprio creatore di esperienze culturali. La sua opera va oltre la semplice esposizione delle opere d'arte, ma ricopre diverse mansioni che lo rendono una figura indispensabile nella creazione e nella progettazione del momento artistico. La figura del Gallerista ha oggi un ruolo molto importante nel panorama del sistema dell’Arte ed è in costante evoluzione non solo sotto l’effettivo profilo lavorativo ma anche dal punto di vista creativo. Oltre all'esposizione delle opere, il Gallerista è sempre più orientato alla narrativa e alla pratica discorsiva, creando un ambiente che stimoli la riflessione e l'interazione con l'arte. Individuazione e scelta dell’artista o degli artisti, ideazione e scrittura dei contenuti, organizzazione e cura degli allestimenti, promozione e gestione del budget sono alcune tra le attività di cui è responsabile questo professionista. Oltre a ciò, il Gallerista è un curatore esperto, capace di creare esposizioni coinvolgenti e stimolanti che offrono una prospettiva unica sulle opere degli artisti rappresentati. In sostanza, il lavoro del Gallerista è fondamentale per il mantenimento della vitalità e della diversità del mondo dell'arte contemporanea, è colui che apre le porte a un universo di creatività e di bellezza. #Gallerista #ArteContemporanea #Cultura #CuratelaArtistica #EsperienzaCulturale

Prosegue sino al 19 luglio la mostra che la Galleria Massimo Minini di Brescia dedica a #HarisEpaminonda (1980, Nicosia, CY) e che raccoglie opere create per la maggior parte in situ. Indagando i temi della memoria e del mito, l’artista interviene nello spazio con timbro lirico e insieme rigore liturgico, creando ambienti ricchi di simbologie in cui passato e presente si fondono in un continuum senza tempo. L’articolo completo oggi nel mio #blog!