“Siempre que empezamos un álbum, tratamos de explorar áreas y herramientas nuevas”, dice Juanma Latorre (guitarra y teclados) sobre Cable a Tierra, el nuevo trabajo de la banda madrileña Vetusta Morla. “Quizás la diferencia de este con los anteriores es que el proceso tuvo una perspectiva más explícita. Como empezamos a componer durante la pandemia, lo hicimos no tanto desde el local de ensayo, sino más bien utilizando tecnología de software que nos abrió puertas nuevas”. El resultado es una síntesis y renovación de todos los elementos que convirtieron a Vetusta en una de las bandas más creativas del rock en castellano durante la última década. El frenesí melódico de “La Virgen de La Humanidad” y la inmediatez de la voz de Pucho (Juan Pedro Martín) en “Finisterre” revelan un delicado equilibrio entre las raíces más profundas de la canción española y las texturas digitales del nuevo milenio. Musicalmente, Cable a Tierra combina rock con electrónica y folk. “Nos formamos en el instituto y compartimos una afición por el rock”, añade el guitarrista Guillermo Galván. “En Vetusta hay otros espacios y ramas, pero el rock es nuestra casa madre”. Aquí, los integrantes del grupo analizan las canciones del álbum, una a una. Puñalada Trapera Juanma Latorre: “Las primeras dos canciones del álbum son las que abrieron este camino de búsqueda de lo folclórico y la unión de lo orgánico con lo electrónico. No fueron las primeras en aparecer, pero sí marcaron las reglas del juego. Esto se ve perfectamente en ‘Puñalada Trapera’, donde aparecen instrumentos tradicionales como el pandero cuadrado, que proviene de la provincia de Salamanca. También hay un instrumento llamado guitarro, que viene del este de la península. Y, al mismo tiempo, hay muchísima manipulación electrónica y uso de sintetizadores. La letra habla sobre la relación entre lo nuevo y lo antiguo, y cómo la tradición y lo contemporáneo entablan una especia de lucha. Esa lucha a veces parece un abrazo fraternal y a veces una puñalada trapera, pero de alguna manera se entrelazan. Es el modo en que la historia avanza y continúa”. La Virgen de La Humanidad Guillermo Galván: “Abre con un verso de Charly García: ‘Hoy nos siguen pegando abajo’. Quisimos armar una especie de collage, utilizando este modo de componer basado en los samples, pero con figuras de distintos folclores para hacer una canción construida con referencias de todos los sitios. Nosotros venimos de una generación que se ha transformado, que ha hecho que musicalmente sucedan muchas cosas. Estamos viviendo una transformación de estilos, tanto en lo estético como en lo tecnológico. Y esta canción tiene pegatinas de distintos lugares y se completa con un sample de un tema español de los años 40, grabado por la cantante de copla Conchita Piquer. La letra habla de eso, la disyuntiva entre lo nuevo y lo viejo”. No Seré Yo Juan Pedro Martín, Pucho: “Es una canción de las que me ponen. Aunque somos una banda de rock, en general no presentamos pasajes instrumentales tan eléctricos como las válvulas de los amplificadores. Creo que ese final nos salió muy bien. La letra habla sobre la época que hemos vivido con el tema de la pandemia y demás. Tiempos de confinamiento, restricciones, coartar las libertades. Siento que hay una manía acusatoria de expiar las culpas en otros en vez de mirarnos un poco a nosotros mismos”. El Imperio del Sol Jorge González: “Otra canción que presenta esa fusión entre lo tradicional y lo moderno. Tiene tambores de parche, congas, incluso algunas palmas que fueron procesadas a posteriori. Y tiene guitarro. Me parece curioso que esté escrita en 5/4. No es un ritmo cerrado y complementa la sensación que te transmite la letra. No se llega a cerrar nada, y siempre hay un nuevo amanecer. En realidad, no tengo muy claro de qué habla la canción, pero aquí está Juanma para explicarlo [risas]”. Juanma: “La interpretación de Jorge está fenomenal. Siempre tratamos de que las letras de nuestras canciones sean artefactos poéticos que le pueden servir a quienes lo reciben para canalizar sus emociones y vivencias. Tratamos de dejar ese margen de interpretación. Hablo del interés por cuidar lo que amamos y a quienes amamos. La historia transcurre en un escenario apocalíptico, bastante aterrador pero con esperanza”. Corazón de Lava Guillermo: “Es la única canción donde el piano tiene papel de conducción. Es curioso, porque a la hora de seleccionar los temas siempre partimos de la premisa de poder cantarlos de arriba a abajo, con un ritmo de palmas, un instrumento y la voz. Los acompañamientos hicieron que este fuera un álbum más de cuerdas y percusión que de piano. De hecho, muchas canciones escritas en el piano se quedaron fuera. Quizás el piano es un instrumento de salón, más solemne que todo el palo popular que estamos trabajando. Aquí en Semana Santa se cantan saetas, que tienen origen religioso. Esta no lo tiene, pero sí que había un punto solemne, casi ceremonial. Algo que tiene que ver con ese rito de entierro y pasiones desatadas, todo eso que forma una parte muy clara del imaginario de la música popular. La letra es muy lorquiana, como un toque de otra época. Es una canción que podríamos haber compuesto en algún otro momento de nuestra carrera”. La Diana Guillermo: “Habla de esa sensación de estar disparando contra alguien que, lejos de ser culpable, es la víctima de algo. Cuando, encima de tener que cargar con cierto dolor, cargas con la culpa o la mirada de los demás. Puede ser aplicable a miles de situaciones y luchas, de conflictos pasados y actuales. Musicalmente, es una canción más americana. Tiene una afinación abierta en do, algo que suele utilizar mucho Nick Drake. La base rítmica tiene un peso muy importante y está hecha con dos voces, sin armonizar, con una octava por arriba y otra por abajo. Tocarla nos resulta muy cómodo. Una canción que estaba ahí desde el principio, no hubo que darle muchas vueltas”. Palabra Es lo Único que Tengo Juanma: “Esta canción, junto con ‘La Diana’ y ‘No Seré Yo’, son tres temas que exploran un lado más rockero. Además de tener ese carácter eléctrico y un poco salvaje, toman una cierta posición de comentario social. Esta habla acerca de una preocupación que nos asalta respecto a la libertad de expresión. En este mundo, o en esta especie de metaverso donde estamos, a veces parece que las palabras pueden hacer más daño que otras cosas más terribles. Yo particularmente soy defensor, de manera absolutamente radical, de la libertad de expresión. Justamente la palabra es lo único que tenemos, y debemos luchar para que no nos la quiten”. Si Te Quiebras Guillermo: “Es una canción en 7/8, con un ritmo extraño, conscientemente quebrado. Parte de una idea de David, con un ritmo que grabamos en casa, y se fue transformando en uno de los temas más especiales del álbum por rara. Tiene un sintetizador grave, muy gordo, que es como un camión que entra y choca con la dulzura con la que empieza la voz. La letra tiene que ver con el cariño, con cuidarnos los unos a los otros en estos tiempos tan agresivos y hostiles”. Finisterre Pucho: “Fue el primer adelanto del álbum. Una canción que tiene elementos folclóricos, como un ritmo de panaderas, el ritmo que se generaba cuando las panaderas amasaban e iban golpeando el pan contra la mesa. En esta reformulación que estamos haciendo, este acoplamiento entre lo nuevo y lo viejo, el ritmo se convirtió en algo electrónico. Es curioso, porque creo que es nuestra primera canción de amor. Obviamente, muchos de nuestros temas hablan del amor, pero quizás no de una manera tan explícita. Este es un amor muy de los tiempos que corren. Sabes que vas directo al abismo que representa ‘Finisterre’, el fin de la tierra en latín. Sabes que todo se va a ir a la mierda, pero si estás con la persona que quieres, te da igual. Es un amor infinito, más allá de cualquier desventura que puedas tener”. Al Final de la Escapada Guillermo: “Una canción muy sencilla, grabada con el guitarro y el pandero cuadrado. Muy de cantar con tus amigos para celebrar algo. En este caso, celebrar que tenemos una banda de rock ’n’ roll y que hemos estado mucho tiempo haciendo música. Está escrita desde los dos puntos de vista, del músico y el melómano. Del que tiene la banda y del fan que desea que sus bandas favoritas no se separen nunca, que lo sigan sorprendiendo con sus mejores canciones. El deseo de meterte en el baño de un garito y ver escrito sobre la pared el nombre de tu banda favorita. Normalmente, cerramos los discos con canciones más melancólicas, pero en este caso nos gustó acabar bien arriba y con ganas de seguir cantando”.