Beitrag von Fondation Beyeler

Briefkastenkunst! 😍 Vincent Willem van Gogh (1853 – 1890) war viel mehr als „der mit dem Ohr“. Er gilt als einer der Begründer der modernen Malerei, die nicht mehr auf die möglichst naturgetreue Wiedergabe eines Eindrucks („Impressionismus“) beschränkt ist. Bei dem von ihm in seinem leider viel zu kurzen Leben mitgegründeten Expressionismus geht es hauptsächlich darum, was der Künstler ausdrücken will – und da sind der Phantasie keine Grenzen gesetzt. Was wäre diesem Revolutionär wohl zum Thema Briefkasten eingefallen? Wir haben eine KI befragt. Herausgekommen ist, durchaus erwartungsgemäß, der charakteristische Pinselstrich und die wirbelnden Formen, die typisch für eines der bekanntesten Bilder von van Gogh sind: die "Sternennacht", aus der auch die übergroße Zypresse fast direkt übernommen wurde. Der Briefkasten im Zentrum lässt dagegen stark an etwas sehr Modernes denken: die TARDIS, das zeitreisende Raumschiff in Form einer britischen Telefonzelle aus „Doctor Who“. Oder auch: klassische Kunstgeschichte (die „Sternennacht“ ist aus der anfänglichen, impressionistischen Phase van Goghs) trifft auf Moderne, Vergangenheit auf Gegenwart, Tradition auf Innovation. Besser hätten wir es nicht ausdrücken können, wie wir bei KNOBLOCH unsere Produkte sehen. #KünstlerDesMonats #vangogh #KInnovation #BriefkastenKunst #Briefkastenfirma #KnoblochBriefkasten #Briefkasten #AIArt #KI-kunst #KI #AI #Briefkastenliebe

[Exposition] Kunsthalle Emden: Die Schönheit der Dinge. Stillleben von 1900 bis heute, 18.5.-10.11.2024 https://lnkd.in/eUkusphM Zwischen Schönheit und Vergänglichkeit, zwischen Prunk und Spuren des profanen Alltags – Stillleben haben als eigenständige Bildgattung spätestens seit dem Barock Einzug in die Kunstgeschichte gehalten und zählen heute neben der Porträt-, der Landschafts-, der Genre- und der Historienmalerei zu den klassischen akademischen Bildaufgaben. Als Arrangement von leblosen bzw. unbewegten Objekten wie Blumen, Kelchen, Früchten oder Büchern gibt die Gattung einen Widerhall auf die Frage, was zur jeweiligen Zeit als bildwürdig betrachtet wurde. Im 20. Jahrhundert wird das Sujet durch künstlerische Neuerungen wie beispielsweise dem objet trouvé aufgebrochen und weiterentwickelt. Stillleben finden nun nicht mehr nur als bloße illusionistische Abbildung auf der Leinwand statt, sondern werden mit Gegenständen als Relief oder Installation in den Raum gebracht. Ausgehend von den eigenen Beständen des Museums spannt die Ausstellung den Bogen von 1900 bis heute und verdeutlicht immer wieder den Bezug zu unserer Lebensrealität und unserem Umfeld. Denn: Das Stillleben fungiert wie keine andere Bildgattung als Spiegel der bürgerlichen Wirklichkeit.

ESTHER STOCKER FLORA MIRANDA   HAPPY FRAGMENTS Eröffnung der Ausstellung am Freitag, dem 19. Juli 2024 um 18 Uhr Die Künstlerinnen sind anwesend.   Matinee im Rahmen der Ausstellung am Samstag, dem 10. August 2024 um 11:30 Uhr, Verena Grundner, Blockflöte/Barockoboe  "Musik u.a. von G. Ph. Telemann, J. Van Eyck & N. Matteis"     Marco Fiorletta über die Arbeiten von Esther Stocker:  Das erste, was beim Betrachten von Esther Stockers Gemälden auffällt, ist die Veränderung der Beziehung zur Wahrnehmung. Die Beziehung zwischen Wahrnehmung und Oberfläche wird aufgehoben und verändert. Das Auge wird in die Stille der abstrakten Geometrie und des Schwarz-Weiß versetzt. Der Raum umhüllt den Betrachter, fordert ihn heraus und spielt mit seinen Erwartungen. Nach der Gestaltpsychologie erfasst das Subjekt die Bilder, indem es die Lücken in ihnen ausfüllt und eine Fülle konstruiert, wo keine ist. Das Auge sieht, was es gewöhnt ist. Die Arbeiten von Esther Stocker bestehen auf diesem vorausschauenden Charakter der Wahrnehmung, auf dieser Vorwegnahme des Bildes und versuchen, es nicht zu verstärken, sondern zu brechen. (...) Eine Gravitation ist vorhanden, aber gleichzeitig entgeht ihr etwas. Esther Stockers Arbeiten scheinen nicht so sehr zu sagen, dass das Kunstwerk seinen Ursprung in der Unordnung hat, sondern vielmehr zu zeigen, wie es möglich ist, in der Anziehungskraft der Ordnung einen Kurzschluss zu finden, eine Energie, die einerseits die Ordnung überwindet und andererseits ihr Bewegung verleiht. 

Die Themen Raubkunst und Restitution sind in Zürich momentan wieder höchst aktuell:   - Gerade wurde der Bericht von Prof. Raphael Gross zur Überprüfung der Provenienzforschung der Stiftung Sammlung E. G. Bührle veröffentlicht.   - Bereits zuvor wurde berichtet, dass die Stiftung Sammlung E. G. Bührle fünf im Bericht genannte Bilder im Kunsthaus Zürich abhängen liess.   - Gleichzeitig wurde bekannt gemacht, dass das Kunsthaus Zürich mit den Nachkommen des jüdischen Industriellen und Kunstsammlers Carl Sachs eine faire und gerechte Lösung gefunden habe für den 1939 in einer verfolgungsbedingten Zwangslage erfolgten Kauf des Bildes "L'homme à l'ombrelle".   Für mehr Hintergründe zur Thematik Raubkunst und Restitution ist die kürzlich erschienene Essaysammlung "Museen in der Verantwortung" (herausgegeben von Nikola Doll) zu empfehlen, die auch im (ebenfalls lesenswerten!) Bericht von Prof. Raphael Gross referenziert wird.   Das Buch behandelt in 15 Beiträgen verschiedene Aspekte von Raubkunst und Restitution. Neben rechtlichen Fragestellungen (dazu aus Schweizer Sicht Felix Uhlmann, Andrea F. G. Raschèr, Monika Steinmann Meier, Marcel Brülhart) stellt es insbesondere auch Fallstudien zu verfolgungsbedingt entzogener Kunst vor und schildert den Umgang von Museen und Sammlungen mit dieser Problematik.   Wichtige weitere im Buch behandelte Themen sind u.a. die folgenden:   ● Die historische Entwicklung und Anwendung der relevanten Begrifflichkeiten, vor allem die Erweiterung der relevanten Sachverhalte von Raubkunst im engeren Sinne zu verfolgungsbedingten Entzügen.   ● Beispiele und Modelle für gerechte und faire Lösungen gemäss der Washingtoner Erklärung, der Erklärung von Terezin und weiterer dazugehörigen Dokumente.   ● Darstellung des rechtlichen Rahmens, innerhalb dessen Museen mit öffentlichrechtlichen Bezügen entscheiden und handeln müssen.   ● Rolle der Schweiz im Kunsthandel der 30er- und 40er-Jahre und die bis heute sich daraus ergebenden Fragestellungen.   ● Lehren für den Umgang mit kolonialer Kunst.   Interessant für alle, die sich mit diesem Thema an der Schnittstelle von Recht, Politik, Geschichte und Gesellschaft befassen wollen. Aufgrund der aktuellen Ereignisse dürfte das Werk sicher von breiterem Interesse sein.

Mobile, thematisierte Glasmalerei im Zeitgeist der Gegenwart... Gaukler ist eine Sammelbezeichnung für Schausteller und andere Unterhaltungskünstler, die ihre - Fertigkeit auf offener Strasse, auf Märkten oder Festen dem Publikum präsentieren. Sinngemäss – jemandem etwas vorgaukeln, vortäuschen, falsche Tatsachen vorspiegeln. Im allgemeinen Sprachgebrauch werden aber auch andere wandernde Schausteller zu den Gauklern gezählt: also Artisten und Akrobaten, wie Seiltänzer oder Jongleure, auch Bärenführer, Menageristen, Bauchredner, Feuerschlucker oder Kartenleger, ferner Schauspieler (insbesondere Komödianten, wie Possenreisser, Harlekine, etc.) Diese Glasmalerei wurde in traditioneller Verarbeitungstechnik – materialgerecht umgesetzt. Das Kunstwerk repräsentiert sich in ‘rahmensprengender’ Ausrichtung. Die Aussenformen wurden rückseitig mit Metallprofilen armiert und entsprechend ihrer Aufgabenerfüllung aufgelötet. Die stilistische Gestaltungsart visualisiert, wie man Tradition und Innovation in Balance halten kann und sich zudem im Zeitgeist der Gegenwart bewegen kann, ohne Notwendigkeit, sich von der traditionellen Verarbeitungstechnik dieser Kunstform distanzieren zu müssen. https://glasmalkunst.ch Seit Oktober 2023 ist Berns älteste Glasmaler-Familientradition der Gegenwart in das SIKART-Lexikon aufgenommen (SIKART Lexikon zur Kunst in der Schweiz ist ein Lexikon des Schweizerischen Instituts für Kunstwissenschaft zur historischen und zeitgenössischen Kunst in der Schweiz /Schweiz. Institut für Kunstwissenschaft (SIK-ISEA)

🌟 Wissen Sie um den wertvollen Bestand Ihrer Kunstsammlung? 🌟 Ein Kunstinventar ist aus mehreren Gründen unerlässlich. Lassen Sie mich ein konkretes Szenario beschreiben: Julia hat kürzlich eine umfangreiche Kunstsammlung von ihrer Grossmutter geerbt. Sie möchte den Überblick über die Sammlung behalten und sicherstellen, dass sie optimal verwaltet und geschützt wird. Julia entscheidet sich, ein Kunstinventar zu erstellen. Warum ist das so wichtig? Dokumentation und Verwaltung: Julia behält den Überblick über die geerbten Kunstwerke, von Gemälden über Skulpturen bis hin zu Antiquitäten. Dies erleichtert ihr die Verwaltung und den Zugang zu der Sammlung. Wertbestimmung: Durch detaillierte Informationen über Künstler, Entstehungsdatum und Zustand der Werke kann Julia den Marktwert der geerbten Sammlung besser einschätzen. Versicherung: Im Falle eines Diebstahls oder Schadens ist Julia abgesichert. Ihr Kunstinventar dient als Nachweis für den Wert der Sammlung bei Versicherungsansprüchen. Rechtliche Aspekte: Bei Erbschaften oder rechtlichen Streitigkeiten schafft das Inventar Klarheit und hilft, Besitzverhältnisse zu dokumentieren. Konservierung: Mit Informationen über den Zustand und die Restaurationsgeschichte kann Julia die Erhaltung der Kunstwerke gezielt planen. Provenienzforschung: Das Inventar enthält Angaben zur Herkunft der Werke, was die Echtheit bestätigt und den historischen Kontext aufzeigt. Ausstellungsplanung: Julia kann die Werke effizient für Ausstellungen organisieren und Leihgaben an andere Institutionen besser managen. Forschung und Bildung: Ihr Inventar wird zu einer wertvollen Ressource für Forscher, Historiker und Kunststudenten. Ein Kunstinventar bewahrt den Wert, erleichtert die Verwaltung und sichert den Zugang zu Kunstwerken für vielfältige Zwecke. 👉 Möchten auch Sie Ihre Kunstsammlung professionell inventarisieren? Ich unterstütze Sie gerne dabei – einfach und kostengünstig. Kontaktieren Sie mich per E-Mail oder Direct Message. #ArtOfCollecting #GlobalArtMarket #ArtCollector #ArtHistory #InvestmentInsights

Eine gewisse Diskursscheu, die sie "Zeitlosigkeit" nennt, charakterisiere die Arco in Madrid, urteilt Ursula Scheer in der FAZ: "Abstrakte Malerei und minimalistische Ansätze sind deutlich prominenter vertreten als andernorts dominante figurative Kunst. [...] Die ARCO 2024 strahlt Zeitlosigkeit aus, fern ideologisch aufgeladener Debatten und des Ringens mit der eigenen Vergangenheit, wie sie der Messe früher durchaus nicht fremd waren. Anregen statt aufregen, scheint nun ihr Motto." Etwas genauer hingesehen hat Uta M. Reindl für den Tagesspiegel: „Viel intensiv farbige Malerei, viel Skulpturales und Objekt- sowie Installationskunst sind zu sehen – oft mit Gewebe, Textil oder anderen organischen Materialien, dafür weniger Fotografie und Videokunst. Engagierte Werke befassen sich eher mit Sujets wie Migration, Ökologie oder Feminismus, nicht jedoch mit den global bedrohlichen Kriegsszenarien. Erst auf den zweiten Blick lässt etwa die Arbeit der Spanierin Laia Abril bei Set Espai D’Art ihre erschütternd politische Dimension erkennen.“ Ob Madrid gar Miami den Rang ablaufen könnte, fragt Vivienne Chow bei Artnet : „Gemessen an ihrem Umfang und der Anzahl der begleitenden VIP-Veranstaltungen ist die Arco Madrid viel bescheidener als die Art Basel Miami Beach. Da jedoch immer mehr wohlhabende lateinamerikanische Sammler die Stadt dank eines Investorenvisums zu ihrem Zuhause machen, ist es vielleicht nicht übertrieben, die beiden zu vergleichen. Einige haben berichtet, dass sie Madrid Miami vorziehen, und die Preise für Wohnimmobilien in Madrid sind gestiegen.“ Ansonsten ignoriert die anglo-amerikanische Fachpresse die Arco weitgehend. Die allgemeine Verunsicherung im Kunstmarkt hat Christof Habres für Parnass auch in Madrid beobachtet: „Ein deutscher Galerist bringt es zu Beginn der ARCO-Preview unbeschönigt offen auf den Punkt. Zu einem Zeitpunkt während einer großen internationalen Kunstmesse, wenn normalerweise Optimismus unter den Galerien vermittelt wird. 'Die vergangenen Monate waren alles andere als motivierend – es entstand des Öfteren der Eindruck, dass niemand mehr Bilder kaufen möchte', führt er die Dramatik der aktuellen Situation weiter aus. Aber er möchte sich nicht aus dem Konzept bringen lassen und setzt auf Madrid: 'Wir haben hier immer gut verkauft und Spanien ist aufgrund der wirtschaftlichen Lage die Stimmung besser als in Resteuropa', begründet er seinen (Rest-)Optimismus. Mit seiner Einschätzung war er zur Preview nicht allein: Die (An-)Spannung war vielerorts deutlich zu spüren und in ... 👉 KOBELS KUNSTWOCHE 11 2024 weiterlesen: https://lnkd.in/epmRsnmr 👈 Bild: Tefaf Maastricht 2024; Foto Stefan Kobel #art #kunst #kunstmarkt #kommentar #zilkensfineartinsurance  

Vom Auge in den Kopf Die großartigsten Artefakte sind die, die nicht gemacht werden. Es ist gut der Verlockung zu Widerstehen etwas zu variieren, durch Dimension zu beeindrucken, z. B. für riesige Wände in Museen, oder in die Produktion von Stückzahlen zu gehen. Das ist Verschwendung und sortiert die Kunstarbeit ins Regal des Kunstkaufhauses ein; wie auch immer, wenn es keinen Grund gibt, oder keine Aussicht etwas an Erkenntnis aus der Kunstarbeit zu ziehen, kann es besser sein, es nicht zu tun. In der maximalen Abstraktion des schwarzen Quadrates, – nur noch die Abwesenheit eines Bildes würde die letzte mögliche Redundanz beseitigen, findet die Abwendung von Gestaltung, Komposition, expressiver Geste oder gar figurativer oder thematischer Bezugnahme ihren Ausdruck. Dieses Ende ereilte die Kunst bereits 1914 ‑15? als Kasimir Malewitsch ein „Viereck” ausstellte und den Suprematismus erfand. Vom Anti-Bild zur Ikone geworden ist das Bild ein Gelenkpunkt in der Kunstgeschichte und Nullpunkt der gestaltenden und erzählenden Kunst. Vielleicht aus ähnlichen Gründen, aber auch heute steht maximale Reduktion, – in der Anbrandung der Narrative und visuellen Attraktionen, für ein Denken und Empfinden im überzeitlichen Kontext.

Darf Kunst schön sein? In der Welt der Kunst ist die Debatte über die Bedeutung der Schönheit ein faszinierendes und vielschichtiges Thema. Darf Kunst ausschließlich schön und gefällig sein, oder ist es ihre Aufgabe, uns zu konfrontieren, zu provozieren und vielleicht sogar Unbehagen zu verursachen? Diese Frage berührt den Kern unterschiedlicher künstlerischer Philosophien und Praktiken, die das weite Spektrum der Kunst ausmachen. Einige vertreten die Ansicht, dass Kunst als Spiegel der Gesellschaft fungieren und kritische Fragen stellen sollte. Künstler, die dieser Richtung folgen, nutzen ihre Werke häufig, um auf soziale Ungerechtigkeiten aufmerksam zu machen oder tiefe, manchmal unangenehme Wahrheiten zu enthüllen. Hier kann die Schönheit als eine Ablenkung von den schwerwiegenden Themen angesehen werden, die es zu adressieren gilt. Auf der anderen Seite steht die Überzeugung, dass die Darstellung von Schönheit ein legitimes und erhabenes Ziel der Kunst sein kann. Schönheit hat die Kraft, Trost zu spenden, zu inspirieren und das menschliche Erlebnis auf einzigartige Weise zu bereichern. In einer oft von Herausforderungen und Konflikten gezeichneten Welt kann Kunst, die Schönheit darstellt, ein Zufluchtsort sein – ein Ort der Ruhe und der positiven Reflexion. Die Entscheidung, welcher dieser Ansätze verfolgt wird, liegt letztendlich bei den Künstlern selbst und bei den Betrachtern, die ihre eigenen Interpretationen und emotionalen Reaktionen in die Kunstwerke einbringen. In meiner eigenen künstlerischen Arbeit, insbesondere bei meinen Portraits, habe ich mich dazu entschieden, die Schönheit der menschlichen Existenz zu feiern. Durch das Malen von Menschen versuche ich, die Essenz des Individuums einzufangen, seine Einzigartigkeit und die stille Schönheit, die in jedem von uns existiert. Meine Portraits sind nicht nur eine Darstellung äußerer Schönheit, sondern auch ein tiefes Eintauchen in die Charaktere, Geschichten und Emotionen, die jedes Gesicht so faszinierend machen. Ich glaube an die Kraft der Schönheit in der Kunst, die in der Lage ist, Herzen zu öffnen und eine Verbindung zwischen dem Betrachter und dem Porträtierten zu schaffen – eine Brücke, die uns dazu einlädt, innezuhalten, zu reflektieren und uns von der Vielfalt der Schönheit berühren zu lassen. #darfKunstschönsein #schönekunstwerke #kunstundbusiness #kraftderschönheit

Neue Projekte mit ungewöhnlichen Ausstellungen entstehen mit dem Multimedia Künstler Kanjo Take‘ mit internationalen Galerien und Verbindungen. Für jeden bedeutet Kunst etwas anderes. Duchamp und auch Beuys haben die Kunst als Begriff erweitert. Also, wir haben verstanden, mit Duchamp, dass ein industriell hergestelltes Produkt als nützliches Produkt im Museum zur Kunst erklärt werden kann, Wharhol‘s Suppendose ebenfalls. Die Konzeptkunst ist meiner Meinung nach oftmals als Konzept besser als das daraus resultierende sichtbar gemachte Kunstwerk. Aber, dass die Sehnsucht nach Kunst auch da ist, die nicht nach dem Mainstream schielt, sondern den schwierigen Weg geht und ganz eigenständig daherkommt, ob in der Klassischen Moderne oder in der zeitgenössischen Kunst, das belegen trotz allem die Museumsbesucher bei Ausstellungen beispielsweise aus der Klassischen Moderne oder Ausstellungen, die uns in andere Welten entführen, wie z.B. die von Anselm Kiefer, um nur einen der sogenannten Ausnahmekünstler zu nennen, oder aus der Klassischen Moderne: Matisse, Modigliani, Braque, Picabia, Picasso etc. Was wollen wir sehen in einer Ausstellung? Ich weiß nur, was ich sehen will: Die Verwandlung, die Erfindung, z.B. etwas, was ich vielfach gesehen habe im Alltag und plötzlich verwandelt mit einer noch nie erfahrenen Aura, einer neuen Energie, einer noch nie so dagewesenen Aussage. Ein hoher Anspruch:. Aber genau das, macht Kunst für mich aus. Sie holt mich weg, von festgelegten Normen, sie macht mich mutiger, gibt mir die Möglichkeit, die Welt anders zu sehen, sie erweitert meinen Horizont. Vielleicht tröstet sie auch darüber, als Mensch ein fragiles und gefährdetes Wesen durch das Leben selbst zu sein.