Beitrag von Verband der Münchner Kulturveranstaltenden e.V.

Alles, was dieser Mensch über Musik, Musikkonsum und -industrie zu sagen hat, gilt auch für Medien und Kommunikation. Oder? Wir tendieren alle dazu, die Zeit unserer Sozialisation als Ausgangspunkt für die Betrachtung der Welt zu nutzen. Auch wenn wir uns weiterentwickeln und nicht aufhören zu lernen, können wir uns nicht ganz davon freimachen. Das im Hinterkopf, hier zunächst das wesentliche Argument: Weil Musik zu machen (Drummashines, DAWs, KI etc.) und zu konsumieren (Spotify etc.) – im Vergleich zu früher® – so einfach und barrierelos geworden ist, ist Musik komplett entwertet und qualitativ schlechter worden. (Ersetze Musik gerne durch Medien, Journalismus, Kommunikation) Rick Beato bezieht sich hier auf den Wandel der mehr oder weniger letzten 50 Jahre. Würde man die Musikrezeption des Jahres 1924 als Ausgangspunkt nehmen und mit dem Jahr 1974 vergleichen, käme man vermutlich zu ganz ähnlichen Ergebnissen wie Beato in seinem Video (Link im Kommentar). Also, „ganz ganz früher“®, bevor es Schallplatten gab, musste man oder irgendwer ein Instrument spielen, um Musik zu hören. Dann kam irgendwann das Radio, und niemand musste mehr für ein Konzert Eintritt bezahlen, um Opern zu hören. Auch hier kann man bereits von einer Entwertung sprechen. Und so weiter. Gleichzeitig hat eine Demokratisierung von Musik stattgefunden. Musik ist vom Eliteding zu einem Massenphänomen und einem Wirtschaftsfaktor geworden. Das Entstehen einer Musikindustrie wurde erst durch die mediale Ausweitung möglich. Musikindustrie ist bis heute eine gigantische Geldmaschine, auch wenn sich die Geldströme verändert haben. Gleichzeitig ist der einzelne Musiker, Komponist, Creator was immer in der Tat kaum noch in der Lage, von Musik zu leben. Eine Situation, die gerade durch KI finalisiert wird. Aber die Logik ist ja nicht schwer zu verstehen: Alles, was alle Deppen oder was Maschinen können, wird weniger Wert. Es ist nicht das System, was zusammenbricht. Aber Kompetenzen, die bislang zentral waren (hier: ein Instrument oder Technologien zu beherrschen, musikalisches Wissen zu besitzen, theoretisch wie praktisch usw.), spielen keine Rolle mehr oder nur noch in Nischen. Wir bewundern zwar vielleicht noch den Künstler, geben ihm aber immer weniger (Zeit, Anerkennung, Geld...). Das Besondere geht mit unter im Meer des Banalen. Kulturpessimismus ist immer blöd, aber die Veränderungen hören deshalb nicht auf. Hat er also recht? Ich versuche das aus der Sicht eines heute 15-Jährigen zu sehen. Du machst dein Spotify an und kannst dort jeden Unsinn hören, aber auch jede Perle. Und wenn du der Typ bist, wirst du ein kreativer Kopf, nutzt KI und schaffst etwas Neues oder Cooles. Insofern hat Beato nicht recht. Nur weil die Welt, in die wir sozialisiert wurden, gerade zerstört wird, hört die Welt nicht auf, sich weiterzuentwickeln und neue, tolle Dinge zu produzieren. Aber es muss auch klar sein, dass einige unserer Kompetenzen heute nicht mehr wirklich gebraucht werden.

Hat sich das Adele Konzert gelohnt? Ich war gestern zum zweiten Mal beim Konzert, hier ein paar Gedanken dazu. 1) Adele gab im August 10 Konzerte in München, die einzigen Auftritte außerhalb der USA. Das Konzept ist ähnlich zu ihrer Residency in Las Vegas: die Künstlerin bleibt an einem Ort und muss mit ihrer Stage und Bühnenshow nicht durch die ganze Welt reisen (bei Taylor Swift dutzende von Trucks). Dafür müssen die Fans alle nach München reisen. Was jetzt nachhaltiger ist, kann ich nicht beurteilen, aber da die Fans ohnehin aus der ganzen Welt kamen, ist es vielleicht auch egal, ob sie nach München, London oder Paris reisen 2) Das Konzept der Residency macht zumindest in Europa viel Sinn. Muss Taylor Swift wirklich Konzerte in Hamburg, Gelsenkirchen und München geben oder hätte München alleine auch schon gereicht? 3) Es kamen, wie bei Taylor Swift, sehr viele Fans aus den USA. Das zeigt zum einen, dass die Tickets in den USA so teuer sind, dass sich der Trip nach Europa lohnt. Das zeigt zum anderen, dass einfach sehr viele Amerikaner sehr viel Geld haben, um es in Europa auszugeben 4) Die Adele World (400.000 Quadratmeter oder 60 Fussballfelder) war gigantisch. Es gab ein Pop-Up Stadion für 80.000 Menschen mit der größten LED Leinwand der Welt (220m lang, 30m hoch), ein Riesenrad, Fahrgeschäfte, eine Karaoke Stage, dutzende von Essensoptionen (von Burger bis Trüffelnudeln) und natürlich riesige Merchandise Stände 5) Das Konzert ging von 20-22 Uhr. Viele Besucher verbrachten aber schon davor und danach noch Stunden in der Adele World, was auch Teil der Gesamt-Experience war. 6) Für Tickets, Essen und Merchandise hat man sicher im Schnitt 300€ pro Kopf ausgegeben. Bei 80.000 Besuchern wären das 24 Mio. € pro Abend und 240 Mio. € für die zehn Konzerte. Da kann man sich leicht ausrechnen, welchen Umsatz Taylor Swift mit ihren 149 (!) Terminen der Eras Tour generiert hat. 7) Die Stadt München rechnet mit mehreren Hundert Mio. € Einnahmen durch die Konzerte 8) München sollte versuchen, die europäische Hauptstadt für große Konzerte zu werden. Die Konzerte von Taylor Swift, Coldplay und Adele waren alle ausverkauft und man hätte locker noch zusätzliche Termine ausverkaufen können 9) Wenn ich die Konzerte von Adele und Taylor Swift mit Fußballspielen des FC Bayern oder unserer Heim EM vergleiche, bin ich immer wieder schockiert, wie provinziell und unprofessionell Fussballspiele organisiert sind. Es gibt kein Rahmenprogamm für die Fans, man flüchtet nach Abpfiff aus dem Stadion, die Merchandise Stände sind winzig bis gar nicht vorhanden und beim Essensangebot kann man zwischen roter und weißer Bratwurst wählen. 10) Mein Fazit: die Konzerte waren von der Musik, der Stimmung und auch der (kommerziellen) Organisation ein grandioser Erfolg und sind mit Sicherheit ein Blueprint für große Musik und Sport Events in der Zukunft ❓Wart ihr bei Adele? Und wie findet ihr das Konzept? 👇 Ich bin gespannt auf eure Kommentare #adele #music #marketing

Was Kommunikation mit Musik zu tun hat, können wir von einem Moment lernen, der heute vor 200 Jahren passiert ist. Da wurde nämlich Beethovens Sinfonie Nr. 9 uraufgeführt. Diese „Ode an die Freude“ ist für mich eines der besten Beispiele über die essentielle Verbindung zwischen Musik und Kommunikation. Sprachübergreifend, länderübergreifend. Sie illustriert, wie tiefgehend Musik Emotionen, Werte und Botschaften übertragen kann, die in textbasierten Medien möglicherweise nicht dieselbe Resonanz finden würden. Musik verbindet und ist auch für die Kommunikation ein unverzichtbares Werkzeug, das in der Lage ist, über Zeit, Sprachen und Kulturen hinweg zu kommunizieren und zu vereinen. Die Erstaufführung von Beethovens Sinfonie Nr. 9 fällt in eine Zeit großer gesellschaftlicher und politischer Veränderungen in Europa (Napoleonische Kriege, Restauration durch Wiener Kongress). Die Menschen suchten nach neuen Formen der kulturellen Identität. Beethoven wählt als Text ausgerechnet ein Gedicht von Friedrich Schiller aus dem Jahr 1785 und greift diese Suche nach universellen Werten auf, die in der Idee der Freude und der Brüderlichkeit kulminieren und die Einheit und Gleichheit aller Menschen betonen. Auch heute spüren wir dies. Veränderungen. Unsicherheiten. „Freude, schöner Götterfunken" ist dabei ein universeller Energiespender, finde ich. Nachhaltig und kraftvoll. Das Werk hat eine weitreichende symbolische Bedeutung erlangt (allein schon als Hymne der Europäischen Union mit der Botschaft von Einheit und Frieden). In einer Zeit, in der globale Herausforderungen wie Klimawandel, politische Spaltungen und soziale Ungerechtigkeiten dominieren, bietet Beethovens die 9. Sinfonie weiterhin eine Vision der Hoffnung und des Zusammenhalts. Die universelle Botschaft der Freude und Brüderlichkeit verstehe ich als ein Aufruf, über individuelle und kulturelle Unterschiede hinwegzusehen und an einem gemeinsamen, besseren Zukunftsbild zu arbeiten. Beethovens Neunte nutzt die universelle Sprache der Musik, um Ideen von Freiheit, Einheit und Freude zu vermitteln – Themen, die damals wie heute von zentraler Bedeutung sind. Die 9. Sinfonie ist aus meiner Sicht ein Meisterwerk der musikalischen Erzählkunst, das Menschen unabhängig von sprachlichen und kulturellen Grenzen erreicht. Sie ist ein bestes Beispiel, wie Unternehmen und Marken durch die Integration solcher musikalischen Elemente in multimediale Inhalte komplexe Geschichten ansprechend und emotional erzählen können. Also: Die Neunte Sinfonie, speziell der vierte Satz mit "Freude, schöner Götterfunken", ist für mich ein kulturelles Artefakt, als historisches Produkt seiner Zeit und gleichzeitig bis heute als fortlaufende Inspirationsquelle. Die Sinfonie erinnert mich daran, wie kraftvoll und gleichzeitig unterschwellig Musik als Kommunikationsmedium wirken kann. Auch über 200 Jahre hinweg. Was bedeutet die „Ode an die Freude“ für Euch? Welche ikonische Musik kennt Ihr noch? https://t.ly/cy-Yh

Bundesverband Live Musik Kommission e.V. warnt: Kostendruck droht die Livemusik-Szene zu ersticken Aktuelle Jubelmeldungen zu Streaming-Rekorden und Ticketverkäufen wie etwa kürzlich von Seiten der GEMA sind irreführend: Bei den Musikclubs herrscht Katerstimmung. Das liegt am massiven, stetig steigenden Kostendruck. Insbesondere kleineren #Musikspielstätten fehlt zunehmend das Geld, um rentabel zu arbeiten. Das gefährdet auch den Künstler:innen-Nachwuchs in Deutschland. Auch wenn aktuell so viel Musik konsumiert wird wie nie zuvor – das dadurch erwirtschaftete Geld kommt den Musikspielstätten kaum zugute. Bereits vor der Pandemie lag die Umsatzrentabilität des durchschnittlichen Clubs bei lediglich 3%. Die enormen Kostensteigerungen der letzten Zeit haben die Situation weiter verschlimmert. Die Gagenforderungen sind ebenso sprunghaft angestiegen wie die Betriebskosten und Mieten. Insbesondere kleineren Musikspielstätten bleibt oft nur, die Kostenspirale weiterzudrehen und die gestiegenen Belastungen durch Preiserhöhungen zu kompensieren - Leidtragende sind die Konzertbesuchenden und der Künstler:innen-Nachwuchs. Im Bereich der sog. "Hochkultur" mindern staatliche Fördergelder den Kostendruck, im Clubbereich schlägt dieser jedoch oftmals ungehemmt auf die Betriebe durch. Während früher lukrativere Konzerte die defizitären Auftritte von Newcomern auffingen, funktioniert eine solche Mischkalkulation mittlerweile nicht mehr. Die Stars von morgen finden hier und heute keine Bühnen mehr. Kultur ist der Kitt für unsere gespaltene Gesellschaft. Damit Musikspielstätten weiterhin Kultur für alle schaffen können, bedarf es einer Weichenstellung im Livebereich. Axel Ballreich, 1. Vorsitzender der LiveMusikKommission: "Die Venues ächzen nicht nur unter der Kostenlast, sondern werden schlichtweg von ihr erdrückt. Gerade die Großen der Branche sollten sich solidarisch zeigen und einen Beitrag leisten, um die kleinen und mittleren Clubs zu unterstützen. Denn auf diesen Bühnen reifen die künftigen Stars heran." Robin Lotze, 1. Vorsitzender der Kulturfabrik Krefeld e. V.: "Die KuFa beobachtet den Preiskampf auf dem Ticketmarkt mit großer Sorge. Wir verstehen, dass das Touren durch verschiedene Faktoren sehr viel teurer geworden ist und man lieber in sicheren A-Städten wie Köln, Berlin und München spielt. Leider wird Krefeld mittlerweile nur noch als C-Stadt angesehen und dementsprechend selten angefahren. Falls wir doch mal in Frage kommen, rufen sogar Nachwuchskünstler:innen schnell fünfstellige Zahlen auf. Das ist für Venues wie die KuFa oft nicht mehr leistbar. Ohne die wichtigen Programmförderungen durch Stadt, Land und Bund oder Privatinitiativen wird es für uns Veranstaltungsstätten in Krefeld und am Niederrhein immer schwerer."

𝗛𝗮𝘀𝘁 𝗱𝘂 𝗱𝗲𝗻 𝗦𝗮𝘅𝗼𝗽𝗵𝗼𝗻-𝗦𝗽𝗶𝗲𝗹𝗲𝗿 𝗴𝗲𝘀𝗲𝗵𝗲𝗻? An André Schnura kam man seit dem Eröffnungsspiel gegen Schottland nicht vorbei. Mit seinem schwarzen Musikgerät begeisterte er die deutschen Fans und sorgte fast im Alleingang für die ausgelassene "Sommermärchen-Stimmung", die Deutschland so unglaublich brauchte. Gänsehaut inklusive. Auch heute Abend wird André bestimmt wieder sein Saxophon in Stuttgart auspacken und auf der Fanmeile vor dem Spiel richtig Stimmung machen. Was ich toll finde: Deutschland erlaubt ihm, dass er seine "5 Minutes of Fame", wie er selbst sagt, auch smart vermarkten darf – er macht es aber auch einfach verdammt gut: 👉 Viele Infos zum Hintergrund von André Schnura gibt es nicht. Mit der Presse spricht er nicht, es ist nur bekannt, dass er vor einigen Wochen seinen Job als Lehrer bei einer Musikschule verloren hat. Viele Interviews könnten der aktuellen Aura um ihn auch nur schaden. Clever! 👉 Zusammen mit seinem besten Freund Marius Trapp verkauft Schnura die matt-schwarzen Saxophone, die er auch selbst spielt. Ihre Marke Stalaxy verkauft die Musikgeräte ab 1.700 Euro. In den letzten Tagen hat er sich entschlossen das bei jedem verkaufen Produkt 150 Euro an die Toni-Kroos-Stiftung gespendet werden. Auch hier geht er jeder kommerziellen Kritik sehr intelligent aus dem Weg. 👉 Zusätzlich ist sein Instagram-Account in nur wenigen Tagen auf über 650.000 Follower gewachsen und verweist direkt darauf, dass es nicht um ihn bei all diesem Hype geht: "Macht mich dabei aber bitte nicht größer, als ich bin, denn es geht hier um viel mehr als meine Person." Gleichzeitig kündigt er für den Herbst eine Tour an mit dem Namen "Love is the answer". Los geht es am 9. Oktober in der Großen Freiheit 36 in Hamburg. Passt vom Namen her! Ticketpreis sind 39 Euro – ein Fünfer geht wieder an die Toni-Kroos-Stiftung. 👉 Auch auf Spotify ist André Schnura seit einigen Tagen zu finden mit einem Saxophon-Cover von "Freed von Desire" mit dem DJ noisetime. Das hat mit knapp 85.000 Plays überraschend wenig, aber das kann ja noch werden. Mit dem Rapper Ski Aggu und "Major Tom"-Sänger Peter Schilling ist er gerade aufgetreten – gemeinsame Song-Versionen scheinen nur eine Frage der Zeit. Es wäre der logische nächste Schritt. Was mich so beeindruckt, wie sympathisch, smart und fehlerfrei André Schnura aktuell seine Reichweite und Bekanntheit nutzt. Alles macht Sinn, er bleibt sich treu und maximiert trotzdem die Chancen, die sich ihm bieten. Und Deutschland hilft er mit seinen Auftritten eine ganz andere Seite den internationalen Fans zu zeigen. Ich würde wetten, wenn Deutschland es nach Berlin ins Finale schafft, sehen wir Schnura auch im Stadion vor dem Spiel und jubelnd danach. Für mich ist er schon jetzt der Paul Ripke dieser EM, der 2014 mit seinen goldenen Bildern aus Rio den Grundstein seiner Bekanntheit schaffte. André Schnura werden wir so schnell nicht vergessen.

Druckfrisch: Sophie Emilie Behas neuester Artikel: „Gedanken Überpostkoloniale Neue Musik: Wege Aus Der Dauerschleife“ "Von kolonialen Denkstrukturen ist auch die Neue Musik nicht befreit: Neue Musik-Diskurse produzieren ihre ganz eigenen Konzepte von »Authentizität«. Warum man diese hinterfragen sollte, in welcher Gegenwart sich die aktuelle Musik befindet und wie es gelingen könnte, sie zu dekolonisieren, untersucht Sophie Emilie Beha in ihrem Essay über postkoloniale neue Musik."

Interview mit dem Vorarlberger Jazzmusiker, Pianist und Komponist #DavidHelbok zu #Musikfestivals allgemein und dem #Jazzfestival in Götzis/Arbogast im Speziellen. 𝐀𝐫𝐛𝐨𝐠𝐚𝐬𝐭: 𝐃𝐮 𝐛𝐢𝐬𝐭 𝐊𝐮𝐫𝐚𝐭𝐨𝐫 𝐝𝐞𝐬 𝐧𝐞𝐮𝐞𝐧 𝐉𝐚𝐳𝐳𝐟𝐨𝐫𝐦𝐚𝐭𝐬 der #KulturbühneAMBACH 𝐢𝐦 𝐅𝐞𝐛𝐫𝐮𝐚𝐫 2025. 𝐖𝐢𝐞 𝐞𝐧𝐭𝐬𝐜𝐡𝐞𝐢𝐝𝐞𝐬𝐭 𝐃𝐮, 𝐰𝐞𝐥𝐜𝐡𝐞 𝐌𝐮𝐬𝐢𝐤𝐞𝐫 𝐮𝐧𝐝 𝐏𝐫𝐨𝐠𝐫𝐚𝐦𝐦𝐩𝐮𝐧𝐤𝐭𝐞 𝐛𝐞𝐢 𝐞𝐢𝐧𝐞𝐦 𝐬𝐨𝐥𝐜𝐡𝐞𝐧 𝐅𝐞𝐬𝐭𝐢𝐯𝐚𝐥 𝐚𝐮𝐟𝐭𝐫𝐞𝐭𝐞𝐧? Helbok: Mit #jazzambach will ich auf der einen Seite der Vorarlberger Jazzszene eine Plattform bieten und auf der anderen Seite auch internationale Jazzmusiker*innen nach Götzis holen. Im Idealfall soll es dann auch einen Austausch geben, bei Talks, Interviews und Workshops untertags. #Vorarlberg selber hat schon eine tolle Szene mit vielen Musiker*innen und es wird sich nicht ausgehen alle gleich beim ersten Mal einzuladen, aber falls das Festival jährlich stattfinden wird, möchte ich die lokale Szene auf jeden Fall abbilden. Wenn ich internationale Musiker*innen aussuche spielen viele verschiedene Aspekte eine Rolle. Die Jazzszene ist immer noch sehr Männerlastig - ich möchte ganz bewusst auch Jazzmusikerinnen eine Bühne bieten. Ansonsten lasse ich mich von meinem eigenen Geschmack leiten und vertraue auch sehr auf mein Netzwerk, das ich mir über die Jahre aufgebaut habe. 𝐀𝐫𝐛𝐨𝐠𝐚𝐬𝐭: 𝐖𝐚𝐬 𝐦𝐚𝐜𝐡𝐭 𝐞𝐢𝐧 𝐠𝐮𝐭𝐞𝐬 𝐊𝐮𝐥𝐭𝐮𝐫𝐟𝐨𝐫𝐦𝐚𝐭 𝐚𝐮𝐬? Helbok: Ich fühle mich als Musiker selber am wohlsten, wenn ich merke, dass für die Veranstalter die Musik im Vordergrund steht. Viele versuchen ein richtiges Event daraus zu machen, aber dann wird oft die Musik vergessen und es geht nur noch um das Event. Das gefällt mir nicht so sehr. Auch wenn Veranstalter kreativ sein wollen und die Musiker*innen selber zu Bands zusammenstellen. Ich will lieber Bands einladen, die schon lange zusammen spielen. Lange Rede kurzer Sinn - Ich will, dass sich die Musiker*’innnen hier wohl fühlen, weil sie dann einfach spielen besser und das infolge auch beim Publikum besser ankommt. 𝐀𝐫𝐛𝐨𝐠𝐚𝐬𝐭: 𝐖𝐢𝐞 𝐤𝐨𝐦𝐦𝐞𝐧 𝐃𝐞𝐢𝐧𝐞 𝐈𝐦𝐩𝐫𝐨𝐯𝐢𝐬𝐚𝐭𝐢𝐨𝐧𝐞𝐧 𝐳𝐮𝐬𝐭𝐚𝐧𝐝𝐞 - 𝐬𝐢𝐧𝐝 𝐝𝐚𝐬 𝐛𝐞𝐰𝐮𝐬𝐬𝐭𝐞 𝐄𝐧𝐭𝐬𝐜𝐡𝐞𝐢𝐝𝐮𝐧𝐠𝐞𝐧, 𝐰𝐚𝐬 𝐢𝐬𝐭 "𝐠𝐞𝐩𝐥𝐚𝐧𝐭", 𝐟𝐚𝐥𝐥𝐞𝐧 𝐃𝐢𝐫 𝐝𝐢𝐞 𝐈𝐝𝐞𝐞𝐧 𝐛𝐞𝐢𝐦 𝐒𝐩𝐢𝐞𝐥𝐞𝐧 𝐞𝐢𝐧𝐟𝐚𝐜𝐡 𝐳𝐮? Helbok: Das ist meist eine Mischung aus beidem. Manchmal spiele ich ganz „frei“ oder gestalte ein Intro ganz frei - dann ist nichts geplant. Wenn wir ein Album aufnehmen ist zu 90% der „first Take“, also das erste Mal, das man ein Stück im Studio aufnimmt, das Beste. Danach wird es zwar „perfekter“ aber meist auch langweiliger. Ich plane gerne auch viel und konkret. Aber dann versuche ich auch immer aufs Bauchgefühl zu hören. Vielleicht am besten beschrieben mit dem Bandnamen von einen Trio von mir. Random/Control. Das ist nicht nur ein Bandname sondern für mich sogar Lebenskonzept. www.jazzambach.at Foto: ©Angela Lamprecht

Musik ist das Herzstück des Radios und erfährt durch den Einsatz von generativer künstlicher Intelligenz eine Entwicklung, deren Auswirkungen Goldmedia in einer aktuellen Studie näher untersucht hat. In unserem neuesten Beitrag werfen wir einen Blick auf diese Studie und diskutieren die Chancen und Herausforderungen, die KI für Komponist:innen und Verleger:innen bedeutet. #Goldmedia #KünstlicheIntelligenz #Musik #Radionutzung #Studie

Schönheit von Bühnenveranstaltungen: Bühnenveranstaltungen, sei es Theateraufführungen, Konzerte, Ballettaufführungen oder Opern, bieten eine einzigartige ästhetische Erfahrung, die weit über die bloße Unterhaltung hinausgeht. Im Folgenden werde ich auf fünf oft gestellte Fragen eingehen: Was macht Bühnenveranstaltungen so faszinierend? Bühnenveranstaltungen sind faszinierend, weil sie eine Synthese verschiedener künstlerischer Disziplinen bieten. Von der Schauspielerei über die Musik bis hin zum Bühnenbild und der Kostümbildung arbeiten zahlreiche Experten zusammen, um eine einzigartige Darbietung zu schaffen. Diese Kombination aus künstlerischen Elementen ermöglicht es, komplexe Geschichten und Emotionen auf eine fesselnde Weise zu präsentieren, die das Publikum in ihren Bann zieht. Welche Rolle spielt die Inszenierung in der Schönheit von Bühnenveranstaltungen? Die Inszenierung ist von entscheidender Bedeutung für die Schönheit von Bühnenveranstaltungen. Sie umfasst die Gestaltung des Bühnenbildes, die Choreographie der Darsteller und die Auswahl der Musik. Durch eine gelungene Inszenierung werden Atmosphäre und Stimmung geschaffen, die das Publikum in die Welt der Aufführung eintauchen lassen und eine unvergessliche ästhetische Erfahrung ermöglichen. Wie beeinflusst die Live-Performance die Schönheit der Aufführung? Die Live-Performance ist ein wesentlicher Bestandteil der Schönheit von Bühnenveranstaltungen, da sie eine unmittelbare Verbindung zwischen Künstlern und Publikum herstellt. Die Präsenz der Darsteller auf der Bühne, ihre Ausdruckskraft und ihr Können tragen dazu bei, die Emotionen der Zuschauer zu berühren und eine intensive künstlerische Erfahrung zu schaffen, die durch keine andere Form der Unterhaltung reproduziert werden kann. Wie können Bühnenveranstaltungen zur kulturellen Bildung beitragen? Bühnenveranstaltungen bieten eine einzigartige Möglichkeit zur kulturellen Bildung, indem sie dem Publikum die Vielfalt künstlerischer Ausdrucksformen näherbringen. Sie ermöglichen es den Zuschauern, sich mit unterschiedlichen kulturellen Traditionen, historischen Ereignissen und gesellschaftlichen Themen auseinanderzusetzen und ein tieferes Verständnis für die Welt um sie herum zu entwickeln. Warum ist es wichtig, Bühnenveranstaltungen zu unterstützen und zu fördern? Es ist wichtig, Bühnenveranstaltungen zu unterstützen & zu fördern, weil sie einen unschätzbaren Beitrag zum kulturellen Leben einer Gesellschaft leisten. Sie bieten nicht nur künstlerische Genüsse, sondern tragen auch zur wirtschaftlichen Entwicklung bei, indem sie Arbeitsplätze schaffen & den Tourismus anregen. Darüber hinaus fördern sie die kulturelle Vielfalt & den interkulturellen Austausch, was zu einer reicheren und lebendigeren Gesellschaft beiträgt. Bühnenveranstaltungen sind nicht nur Quelle der Unterhaltung, sondern auch wichtiger kultureller und ästhetischer Bestandteil unserer Gesellschaft, der es verdient, unterstützt und gefördert zu werden.

Stell dir vor du gehst zu einem Konzert und bestimmst den Preis deiner Eintrittskarte selbst. Das haben wir bei den 182 Konzerten unseres Projekts „When The Sun Stands Still“ (siehe Foto) und bei unserem Festival Out Of The Box ausprobiert. Warum? Weil ich ein Erlebnis nicht mit einem Preisschild versehen wollte. Ich wollte, dass sich das Publikum berühren lässt und dann entscheidet, was es wert war. Am Anfang ging es mir nicht um Solidarität und Zugang. Für mich bedeutete ein frei wählbarer Eintrittspreis künstlerische Freiheit. Ich muss mir zum Beispiel keine Gedanken über den Umfang von Kulturveranstaltungen machen (gerade im Musikbereich wird der Wert oft an der Länge des Konzerts bemessen). Wir haben diese Erfahrungen gemacht: ✏️ Gerade bei unbekannteren Künstlern zieht ein frei wählbarer Eintrittspreis mehr Publikum an (denn dann geht man kein Risiko ein).  ✏️ Mit „When The Sun Stands Still“ haben wir ein diverseres Publikum erreicht als sonst. Und es kamen 16-Jährige vor der Schule – wo erreicht man die sonst? ✏️ Viele Leute haben mir gesagt, dass sie sich eingeladen fühlten, über den Wert von Dingen generell nachzudenken: Was ist mir wieviel Wert? Das erzeugt eine besondere Bindung. ✏️ Bei vielen Journalist:innen ist die Idee (noch) nicht bekannt und sie schreiben fälschlicherweise von „freiem Eintritt“ – das führt dann zu Unmut beim Publikum. ✏️ Der Umgang mit den Einnahmen treibt meinen Steuerberater zur Verzweiflung, weil dieses Konzept steuerlich „nicht vorgesehen“ ist.   Wollen wir weiterhin Veranstaltungen mit frei wählbarem Eintrittspreis machen? Unbedingt. Denn es geht auch darum, Menschen mit weniger Geld den Zugang zu Kunst und Kultur zu ermöglichen. Im Kulturbetrieb herrscht Klassismus, das heißt: Menschen mit niedrigem ökonomischen (und damit sozialem) Status werden benachteiligt und ausgeschlossen. Ein frei wählbarer Eintrittspreis ist ein Schritt hin zu mehr Teilhabe. 📣 Wart ihr schon einmal bei einer Veranstaltung mit einem frei wählbaren Eintrittspreis? Was denkt ihr darüber? #sunstill #werksviertelmittekunst #kultur #teilhabe #klassismus #partizipation #diversity #werksviertelmünchen