Publicación de Danilo Urbanavicius

En AMOR @eselugarcomun, desde el principio, nos preguntamos por los públicos y nos centramos en ellos (Parte 1) "Preguntarse por los públicos es en cierto sentido preguntarse por aquello que, siendo obvio, no se ve, pues hacia allí no solemos mirar. Nuestra mirada está puesta en el escenario, donde el arte se ilumina, mientras en las butacas y en penumbra está el público. Es lógico que así sea, pues lo que vamos a ver es una obra. No obstante, y cada día más, el público ha tomado un protagonismo que podríamos llamar superlativo".    [...] Definir el concepto mismo de públicos de una institución requiere de una mirada ecosistémica que permita gestionar la complejidad de lo cultural: ¿Quiénes son nuestros públicos? ¿Cómo son, qué piensan, qué sienten? ¿Cómo podemos cumplir mejor con nuestra misión? ¿Debemos revisar nuestra estrategia? ¿En base a qué tipo de información y de resultados tomamos estas decisiones?  [...]  [...] En el campo de la cultura y en particular en el del arte, se habla con naturalidad de los sentimientos que la obra provoca, de la experiencia estética. Preguntarse por los públicos es preguntarse por esa otra experiencia que también ocurre, aunque de manera poco manifiesta y que llamamos experiencia de ciudadanía. [...] Extraído de "La nueva cultura del ballet en Uruguay. El BNS y sus públicos" 👉https://lnkd.in/deJe7usZ @rosina.gil @cirotamayo @cezanches @bugaringerardo @nicolasamanzo @bonsaitres @irrupciones @hugomillanzerboni @mikegromp @ema.zel @clau_trecu_de_lucia @_.lobit._ @luchicascoo @mauroo_angiolini Gustavo Casco

El Compromiso Disciplinario de los Artistas: Clave para el Éxito y la Ética La disciplina es uno de los valores más importantes en la vida profesional de los artistas. Más allá del talento, la capacidad de cumplir con compromisos y respetar los tiempos y normas de trabajo refleja profesionalismo y eleva la calidad de los proyectos. La puntualidad, preparación y disposición no solo aseguran un mejor desempeño en escena, sino que también construyen una imagen confiable y respetada en la industria artística. Cuando un artista no cumple con sus compromisos, las consecuencias no solo afectan su reputación personal, sino que también impactan negativamente en los equipos y proyectos con los que trabaja. Un ensayo cancelado, una ausencia inesperada o la falta de preparación pueden retrasar producciones, generar tensiones y afectar la confianza de quienes apuestan por el talento como pilar del éxito. Esto va más allá de un incumplimiento técnico: es una transgresión a los códigos de ética y profesionalismo del entorno. El compromiso disciplinario es esencial para mantener relaciones laborales fluidas y garantizar que el arte sea una experiencia enriquecedora tanto para el público como para los equipos detrás de cada proyecto. Los artistas que valoran la disciplina no solo destacan en su carrera, sino que también se convierten en modelos de inspiración, mostrando que la grandeza en el arte no solo se trata de talento, sino también de responsabilidad y respeto hacia quienes los rodean. Andrés Luco Repossi José Ignacio Rufin Ignaciomartin Martin #BNI

La sinergia artística: Una exploración de la intersección entre música, danza y fotografía. La creación #artística, en su esencia, es un acto de colaboración entre el creador y su medio. Sin embargo, cuando diferentes #disciplinasartísticas convergen, se produce un fenómeno único: LA SINERGIA ARTÍSTICA La unión de la música, la danza y la fotografía, en particular, ofrece un lienzo multidimensional donde las #emociones se amplifican y las narrativas se enriquecen. En este post, proponemos una reflexión sobre cómo estas 3️⃣ disciplinas, cada una con su #lenguaje propio, se complementan y se enriquecen mutuamente. 🔵 La construcción narrativa: Cómo la música establece el ritmo y el tono, la danza visualiza las emociones y la fotografía captura instantes clave en la historia. 🔵 La experiencia sensorial: La forma en que estas disciplinas apelan a diferentes sentidos, creando una experiencia inmersiva y multisensorial. 🔵 Las nuevas posibilidades creativas: Las oportunidades que surgen al combinar técnicas y tecnologías provenientes de cada disciplina. Déjame en los comentarios: ¿Cómo has utilizado la sinergia artística en tu trabajo? ¿Qué nuevos desafíos y oportunidades has encontrado? #fotografiaartistica #Interdisciplinariedad #creatividad #musica #danza #fotografia #retratos .

DEFINICIONES El artista debe definir si su arte es su actividad económica o no, es decir, si es su arte lo que le va a dar de comer o si va a hacer otra cosa para alimentarse mientras que construye su identidad artística o sus proyectos. Antes el/la artista debe además definir si se va a hacer cargo de los gastos de su vida o va a buscar quien lo mantenga. El artista no tiene carnet de discapacidad; por el contrario, su talento y su aporte a la sociedad es valioso y debería encontrar la manera de hacer dinero con él. Recuerdo tanto alumno artista a mediados de la primera década de este siglo, sometido al dictado interminable de clases para poder pagar los colegios y universidades de sus hijos, épocas donde la hora dictada se pagaba 25 soles. “No puede ser que tu arte no te dé más que 25 soles la hora”, les decía, para animarlos a buscar maneras de que su talento no se pierda. No es que el arte no pueda dar plata, puede dar y mucha, pero el artista tiene que insertarse en el circuito comercial, pero muchos detestan la palabra “comercial” y apagan su cerebro. El tema es que el circuito comercial del arte en el Perú está en subdesarrollado, faltan actores intermediarios entre el artista y el mercado; faltan auditorios, salas, espacios de ensayo, tiendas, galerías de arte; faltan fondos públicos para estimular el desarrollo de obra, faltan auspiciadores; faltan un circuito nacional que permita que el artista y su obra gire, falta, falta, falta. Pero muchos artistas lloran y no luchan. Muchos artistas se quejan y no se unen para exigirle ciertas cosas al Estado y a las grandes empresas. No se unen para nada más que para quejarse (con pocas excepciones). Los artistas solo quieren crear y lo hacen desde el lamento y el lamento no ayuda a vender. “Somos distintos” se defienden algunos. ¿En serio vas a dejar tu obra morir en un almacén, dentro de tu computadora, en la sala donde ensayas, porque no estás dispuesto a buscar quién la venda o quién la compre? Las condiciones no son las mejores, pero eso no quiere decir que un artista no pueda vivir de su talento. En una sociedad tan carente de creatividad y belleza el artista debería ser preciado. Aceptemos que el gremio del arte está desconectado del público. Que yace replegado en unos cuantos distritos. Que los artistas se esconden en el closet de la comodidad y el lamento. Que agonizan en soledad en lugar de agremiarse. Hay artistas que piensan que su tarea reside solo en crear y que tocar dinero los mancha, ellos deben ir al país de nunca jamás, todos los demás, deben dejar el discurso autocomplaciente y quejumbroso. El arte necesita mostrarse, el arte necesita circular, llegar al público, a más público, a todo el público posible. El arte necesita mercado y cualquier artista que ame a la gente, debería sentir fuego en su interior que lo lleve a encontrar su escenario y su audiencia. Te espero en mi taller, llama a Zarela e inscríbete de una vez +51 923 804 032.

¿Cuándo decides comprar una obra de arte consideras que es importante dejarte asesorar por un buen profesional? Hoy en la emisora #UA1 #radiolleida en el programa #laplaça hemos hablado de la importancia de la profesionalidad en el sector del arte. Hemos comentado aspectos cómo: - Adquirir arte en galerías de arte profesionales suele ofrecer numerosos beneficios - supone que la calidad y la autenticidad están garantizadas - que las galerías profesionales suelen representar a artistas con talento y trayectoria establecida. - desde la galería se suele hacer una cuidadosa selección de los artistas para sus clientes - el asesoramiento que se ofrece previo, durante y post adquisición - que es una experiencia gratificante #galeriaespaicavallers #arte #artistas #artecontemrpoaneo #artistascontemporaneos #pintura #escultura #creación #profesionalidad #galeriasdearte.

¿Existe la voluntad del artista detrás del artesano? ¿Dónde está la línea entre arte y oficio? El artesano perfecciona su técnica para crear un producto funcional y bello, mientras que el artista usa la técnica para expresar su creatividad . Entonces está claro que somos artesanos no artistas, aunque con nuestro trabajo existe la voluntad del artista y con esto nos quedamos. Porque compartimos la misma pasión por crear algo único. Pero está muy claro que nos une más de lo que nos diferencia. Y aunque ni tan solo podemos tocar con los dedos la palabra arte, le vemos el culo a la mona ; ) ¿Qué ventana podemos crear para ti?

Arte en el Tercer Mundo: Privilegio o Pasión? Ser un artista en un país del tercer mundo es un camino lleno de desafíos y contrastes, donde la viabilidad de vivir del arte se ve influenciada en gran medida por los recursos económicos y el contexto social. El Arte y el Dinero : La facilidad de ser artista es notablemente mayor para aquellos que tienen el privilegio económico. El dinero facilita la adquisición de materiales, la educación artística, y la exposición en galerías, lo cual es crucial para el reconocimiento y las ventas. En estos países, el arte como profesión principal es accesible principalmente para los afortunados. Sin embargo, la imagen romántica del artista bohemio que vive en la pobreza para su arte es un mito que no refleja la realidad de los artistas de bajos recursos, quienes encuentran en el arte un pasatiempo más que una carrera sostenible. Dificultades para los Menos afortunados : Para quienes provienen de estratos económicos bajos, el arte se convierte en una actividad secundaria debido a la falta de acceso a educación formal, materiales de calidad y plataformas de exposición. El costo del arte, desde la creación hasta su promoción, puede parecer un lujo inalcanzable en un contexto donde la economía está basada en la necesidad básica de sobrevivir. La Viabilidad del Arte : La viabilidad de una carrera en el arte en estos países a menudo se sostiene gracias a la comunidad. Los artistas locales forman colectivos, compartiendo recursos y espacios para exposiciones, creando una red de apoyo vital. Además, el arte puede ser una forma de resistencia y expresión cultural, que no requiere de grandes recursos para tener impacto, aunque esto no siempre traduzca en viabilidad económica. Educación y Promoción : La educación artística formal es escasa y cuando existe, suele ser costosa y exclusiva. Las becas y los programas de apoyo son claves para democratizar el acceso al arte. Las iniciativas comunitarias y las ONGs ofrecen talleres, materiales y espacios para que artistas de bajos recursos puedan desarrollarse y mostrar su trabajo. Arte vs. Artesanía : Cuando el arte se hace únicamente para ganar dinero, se puede debatir si realmente es arte o si se ha convertido en artesanía. El arte, en su esencia, debería ser una expresión genuina de la creatividad y la visión del artista, no solo una mercancía. Conclusión : Ser artista en un país del tercer mundo no es simplemente una cuestión de talento, sino de circunstancias. Aunque el privilegio económico puede facilitar el camino, la pasión, la perseverancia y la comunidad juegan un rol fundamental para aquellos que no tienen tales ventajas. La viabilidad de una carrera en el arte requiere no solo de la creatividad del artista, sino también de un ecosistema que valore y apoye la diversidad cultural y el arte como una expresión vital de la sociedad.

Es un hecho que no siempre las oportunidades llegan a las propuestas de más calidad, o a los artistas que más se esfuerzan. Existen muchos prejuicios en la industria que te pueden meter el pie y hacerte dudar sobre tu calidad artística. Es la realidad, pero el que se atora en eso la pasa mal. Comparto mi reflexión ante ese tema https://lnkd.in/e5fY-r6w

En el mundo de las artes escénicas, la innovación no es solo una opción, es una necesidad para mantenerse relevante y sorprender al público. Durante estos 10 años, DSYR, Cía de Danza ha tenido una identidad muy marcada por su estilo clásico y español, pero como director artístico y project manager, me propuse dar un giro radical y presentar una nueva visión. Este fragmento de la nueva coreografía, ERA, simboliza justo eso: la evolución de la compañía hacia un lenguaje más rompedor y contemporáneo. Porque reinventarse es fundamental y, para ello, no solo se necesita una visión clara, sino también rodearse del equipo adecuado que pueda llevarla a cabo. Estoy inmensamente agradecido con todos los artistas y colaboradores que han hecho posible este paso. La innovación no es solo cambiar, es también arriesgarse, confiar y crear algo que nunca se había hecho antes. 💪 Porque en el arte, como en la vida, siempre hay que buscar lo que nos inspira a seguir adelante y encontrar nuevas formas de emocionar al público. 🔥 #Danza #DirecciónArtística #Innovación #ArtesEscénicas #Creatividad

5 VERDADES QUE TODO ARTISTA DEBE ESCUCHAR Hoy se celebra el Día Internacional del Arte y qué mejor que decir unas cuantas verdades (según mi criterio): ✨Cobrar por tu trabajo no solo es justo, ¡es necesario! ¿Cómo pagarás las facturas y seguirás creando si no valoras tu propio arte? ✨Ignora a quienes intentan desvalorizar tu arte. Su opinión no paga tus cuentas ni define tu valía como artista. ✨Las regalías no llegan por arte de magia. Es fundamental dominar aspectos de marketing, comercio y ventas para asegurar un flujo constante de ingresos. ✨Los derechos de autor son como plantas: requieren cuidado y atención, pero pueden florecer y fortalecer tu posición económica como artista. ✨No es ser artista lo que lleva al fracaso económico, sino limitarse a solo una faceta del arte. Amplía tus horizontes, aprende sobre manejo de redes sociales, comercio y derechos para alcanzar el éxito integral. ¿Qué otra verdad sientes que debería decirse? #diainternacionaldelarte #arte #artista #pintura #escultura #ilustraciondigital #ilustración