Publicación de Esteban González Pastenes

Quizás ha llegado el momento de proponer al Estado y a la Comunidad Artística una sesión de constelaciones familiares. Esta técnica podría ofrecer una oportunidad para abordar y resolver los traumas heredados que, históricamente, han sido fuente de conflictos entre ambas partes. A través de este enfoque terapéutico, se busca promover la comprensión y el diálogo, facilitando así una relación más armónica y constructiva.  En Argentina, el sector de las artes visuales cuenta con una serie de tarifarios creados, o recreados por distintas agrupaciones artísticas. Estos documentos son herramientas más que útiles para la comunidad artística al momento de valorar sus servicios, funcionando como una guía para elaborar presupuestos. Sin embargo, es crucial entender que la monetización del trabajo artístico requiere de una evaluación personalizada, considerando aspectos como los costos de producción y el costo de vida del artista, entre otros factores. El tarifario no debería ser exigido a las instituciones como una obligación, sino utilizado por cada artista como referencia durante la consulta de precios. La creación unilateral de este documento por parte de la comunidad artística, sin la colaboración o acuerdo con las instituciones culturales, plantea interrogantes sobre su aplicabilidad en el tejido artístico más amplio. La mediación y el diálogo entre artistas e instituciones son fundamentales para establecer acuerdos que sean beneficiosos y justos para ambas partes. La relación laboral entre agentes culturales y el entorno cultural debe basarse en la mediación y el diálogo, más que en el reclamo unilateral. Es fundamental comprender que todas las partes responsables por un convenio cultural deben responder de manera profesional, mediando desde el respeto y la negociación conjunta.  Seguir pensando en un vínculo paternal artista/estado, permite que la representación de tales instituciones ocupen un lugar de poder. En este sentido, parece que todos somos hijos rotos del estado, no importa cuánto de, nunca alcanza. Es crucial abordar estos traumas para avanzar en el desarrollo cultural comunitario, ya que tanto artistas como instituciones tienen influencia. A través de una mediación respetuosa, podemos lograr una gestión conjunta satisfactoria que beneficie al bien común. ¡Vengan esas constelaciones familiares! Es importante considerar la capacidad financiera del estado y las instituciones culturales. A menudo, el presupuesto disponible no permite cumplir con las tarifas propuestas por todos los artistas. Esto no se debe a una falta de reconocimiento del valor del arte, sino a limitaciones presupuestarias reales. Por lo tanto, es esencial buscar un equilibrio entre la justa compensación de los artistas y la viabilidad financiera de las instituciones que promueven y apoyan el arte.

El formalismo re aparece en el arte nacional como resistencia a la nueva figuración argentina y al conceptualismo predominante del arte contemporáneo americano. Las emociones pueden representarse a través de formas, colores y texturas, puntos y planos en el espacio, o también palabras sonoras que rechazan la obligación de ser autorreferencial, para sublimarse en el espíritu colectivo. Vaciar una obra de contenido es una forma de llenarla. ¿Qué más necesita una obra más que existir y ser vista? Toda la información para interpretar algunas piezas puede estar contenida dentro de su espacio, dentro de su estilo. Quizás, lo que muchxs artistas nos invitan es a la reivindicación de las emociones y de la imaginación, elementos que definitivamente merecen ser explorados nuevamente. 

Mucho se dice acerca del arte, pero no de los artistas y sus necesidades, como trabajadores que pocas veces son tomados en cuenta al momento de crear políticas o planes de desarrollo de una ciudad y un país. El arte lo hacen los artistas, es importante crear e invertir en obra artística original, generar condiciones, fomentar una cultura y mecanismos que integren los artistas en la actividad económica; es necesario darse cuenta de que los artistas son parte del patrimonio y riqueza de una sociedad y de que su capacidad creadora como individuos es extraordinaria y finita al mismo tiempo, por lo que hay que brindar apoyo en el momento más perfecto y decisivo, que es cuando el artista está vivo. El arte es un elemento esencial en las manifestaciones culturales de una sociedad, además, una producción artística nutrida, diversa e independiente garantizan el ejercicio del criterio y pensamiento individual, el ejercicio de la libre expresión, cuestionamientos y reflexión acerca de conceptos valiosos como belleza, empatía y problemas sociales, ya que es de estos razonamientos y cuestionamientos de donde nacen los avances humanos.

La protección de las obras como propiedad de los artistas surge del progresivo reconocimiento a los autores de un poder de control económico sobre su creación. Si bien los primeros privilegios y, posteriormente, derechos que se atribuyen a los autores tienen un carácter patrimonial, la recuperación progresiva del vínculo personal entre creador y obra da lugar a una serie de facultades denominadas “morales” por su relación con la personalidad y sentimiento del autor. Aunque se ubica el origen de la propiedad intelectual en el Estatuto de la Reina Ana, los derechos morales aparecen de manera más tardía y por vía fundamentalmente jurisprudencial: a través de las resoluciones de tribunales franceses durante el siglo XIX y principios del XX. Dicha jurisprudencia fue en su momento objeto de estudio y de debate, dando impulso a una corriente de pensamiento que culminó con el reconocimiento de los derechos morales de autor en el Convenio de Berna y, en consecuencia, también en sus países firmantes. Este trabajo realiza un breve repaso de la evolución de los intereses personales de los autores y su progresiva aparición y protección, incidiendo en la influencia que no solo la jurisprudencia francesa, sino también su doctrina, tuvo en su consagración legal. (Vega, 2022) Fuente: https://lnkd.in/eBwhvsFm

Les dejo por aquí un artículo que hice hace un tiempo sobre el papel transformador de la crítica de arte en la era digital. En este texto, exploro cómo las nuevas tecnologías están redefiniendo no solo la forma en que interactuamos con el arte, sino también cómo se produce y se discute. También, cómo el surgimiento de Internet ha abierto un nuevo espacio para la crítica del arte, permitiendo una participación más activa del público y generando debates más inclusivos y dinámicos dentro de la comunidad artística. (No está de más desempolvar de vez en cuando las reflexiones que se archivan).

Hoy amanezco con una reflexión sobre las separaciones del arte. ¿Por qué debemos separar la producción artística y creativa en categorías? ¿Por qué hablar de arte negro, de arte indígena, de arte queer y así sucesivamente, si en últimas todas esas divisiones hablan de una sola cosa, del arte? ¿Por qué generar conceptos divisiorios si lo que precisamente busca el arte es la integración de los seres dentro de un concepto más grande y múltiple que es la cultura?.

Mi más reciente texto, del que ya esta semana vendrá una segunda parte, y aborda en esencia parte de las problemáticas que se dan en el presente del arte y sus relaciones con la sociedad y la política en esta, una época crítica y pedestre.

Les comparto mi columna en La Tercera sobre el valor de la tolerancia, especialmente en la expresión artística, a propósito de la exposición de Arturo Duclos en Vitacura (muestra que visité, por si acaso)

Muy propicios estos espacios donde se hace visible la relación entre el derecho y el arte. En esta ocasión, escuchamos las reflexiones sobre el fascinante caso de la foto de Prince en el estilo de Andy Warhol, un análisis que demuestra cómo estos mundos aparentemente distintos pueden entrelazarse para explorar cuestiones de propiedad intelectual y creatividad. Estos debates no solo nos enseñan sobre los límites legales, sino también sobre cómo proteger y fomentar el arte como expresión cultural. ¡Un tema apasionante para quienes viven en la intersección de estas disciplinas! Facultad de Ciencias Jurídicas - Universidad Javeriana Pontificia Universidad Javeriana

Acabo de publicar en www.elespacioaparte.com un artículo que explora cómo las fronteras permiten que lo cotidiano y lo ordinario asciendan a una nueva categoría de extraordinario. En esta reflexión, analizo cómo esta tendencia impacta nuestra percepción y apreciación del arte en la sociedad contemporánea. ¿El kitsch tiene un lugar en el pedestal del arte sublime? ¿Estamos elevando lo mundano a niveles que no le corresponden? Mi pequeña reflexión aquí: 🔗https://lnkd.in/d-s7t-65