Publicación de Marina Cisneros

🟩 ¿Qué habría pintado Velázquez si tuviera que preocuparse por llenar la nevera? 🟩 Hace siglos los artistas no eran considerados mucho más que simples artesanos. Y aunque hoy nos maravillamos con Velázquez, Rubens, Tiziano o Van Dyck, en su época pelearon por ser reconocidos como algo más que “pintores a sueldo”. El Estatuto del Artista es un paso más en a lucha de los artistas para lograr vivir de su trabajo. En el Renacimiento y el Barroco, los artistas empezaron a romper el molde. Velázquez, Rubens, Tiziano o Van Dyck consiguieron ascender socialmente y convertirse en parte de la nobleza. Pero, a pesar de su talento, lidiaron con encargos inestables, mecenas caprichosos y, muchas veces, la incertidumbre de cómo pagar sus deudas. Aún así, ellos tuvieron más suerte que la mayoría de sus compañeros. ¿Qué ha cambiado desde entonces? La sociedad entendió que el arte no solo era decorativo, sino que tenía valor propio. Y sin embargo, aún hoy, muchos trabajadores culturales luchan por vivir dignamente de lo que crean. Es aquí dónde entra en juego el Estatuto del Artista. Su objetivo es sencillo: que los artistas puedan vivir de su trabajo como cualquier otro profesional. ¿Qué busca el Estatuto? ▶︎Que puedan pagar sus facturas. ▶︎ Que se respete su autoría, porque lo que creas, es tuyo.   ▶︎ Que los artistas puedan seguir creando aunque estén jubilados.   ▶︎ Que los ingresos irregulares no signifiquen quedarse desprotegido. El Estatuto no resuelve todos los problemas, pero es un avance para reconocer al artista como parte fundamental de la industria cultural. _____ 🟢 Soy Javier Galisteo | Ghostwriter cultural | trabajo con profesionales de la cultura para que consigan más clientes y mejoren su presencia en redes 🟢 Mándame un DM a Javier Galisteo y hablamos. 💚 #LinkedIn #VivirDelArte #EstatutoDelArtista #HistoriaDelArte

Si en el siglo pasado, años 60, en México los hartos , HARTISTAS con H, fueron la antesala que denunciaba la egopatología en el campo de las artes , hoy ese manifiesto se puede reinterpretar desde el significado del grafema h, la letra muda, para decir que las artes han enmudecido, producto de una decadencia estructural en las artes resultante de la implementación mercantil del neoliberalismo. El enfoque en la rentabilidad y el mercado ha llevado a una homogeneización de la producción artística, priorizando el entretenimiento comercial sobre la creatividad y la experimentación. Además, la falta de apoyo financiero y recursos para artistas independientes y proyectos culturales puede limitar la diversidad y la innovación en las artes. Por lo tanto, es importante considerar cómo las políticas neoliberales pueden impactar negativamente en la calidad y la diversidad de la producción artística. En el contexto descrito, es posible que exista una forma de censura indirecta o "censura direccional" en las artes. Aunque no se esté censurando explícitamente el contenido artístico, las presiones del mercado y la necesidad de rentabilidad pueden llevar a que ciertos tipos de expresión artística sean desincentivados o marginados. Esto puede resultar en una limitación de la diversidad de voces y en una estandarización de la producción artística. En este sentido, la influencia del neoliberalismo en las artes puede ser vista como una forma de censura que opera de manera más sutil pero igualmente restrictiva.

Mucho se dice acerca del arte, pero no de los artistas y sus necesidades, como trabajadores que pocas veces son tomados en cuenta al momento de crear políticas o planes de desarrollo de una ciudad y un país. El arte lo hacen los artistas, es importante crear e invertir en obra artística original, generar condiciones, fomentar una cultura y mecanismos que integren los artistas en la actividad económica; es necesario darse cuenta de que los artistas son parte del patrimonio y riqueza de una sociedad y de que su capacidad creadora como individuos es extraordinaria y finita al mismo tiempo, por lo que hay que brindar apoyo en el momento más perfecto y decisivo, que es cuando el artista está vivo. El arte es un elemento esencial en las manifestaciones culturales de una sociedad, además, una producción artística nutrida, diversa e independiente garantizan el ejercicio del criterio y pensamiento individual, el ejercicio de la libre expresión, cuestionamientos y reflexión acerca de conceptos valiosos como belleza, empatía y problemas sociales, ya que es de estos razonamientos y cuestionamientos de donde nacen los avances humanos.

El formalismo re aparece en el arte nacional como resistencia a la nueva figuración argentina y al conceptualismo predominante del arte contemporáneo americano. Las emociones pueden representarse a través de formas, colores y texturas, puntos y planos en el espacio, o también palabras sonoras que rechazan la obligación de ser autorreferencial, para sublimarse en el espíritu colectivo. Vaciar una obra de contenido es una forma de llenarla. ¿Qué más necesita una obra más que existir y ser vista? Toda la información para interpretar algunas piezas puede estar contenida dentro de su espacio, dentro de su estilo. Quizás, lo que muchxs artistas nos invitan es a la reivindicación de las emociones y de la imaginación, elementos que definitivamente merecen ser explorados nuevamente. 

La protección de las obras como propiedad de los artistas surge del progresivo reconocimiento a los autores de un poder de control económico sobre su creación. Si bien los primeros privilegios y, posteriormente, derechos que se atribuyen a los autores tienen un carácter patrimonial, la recuperación progresiva del vínculo personal entre creador y obra da lugar a una serie de facultades denominadas “morales” por su relación con la personalidad y sentimiento del autor. Aunque se ubica el origen de la propiedad intelectual en el Estatuto de la Reina Ana, los derechos morales aparecen de manera más tardía y por vía fundamentalmente jurisprudencial: a través de las resoluciones de tribunales franceses durante el siglo XIX y principios del XX. Dicha jurisprudencia fue en su momento objeto de estudio y de debate, dando impulso a una corriente de pensamiento que culminó con el reconocimiento de los derechos morales de autor en el Convenio de Berna y, en consecuencia, también en sus países firmantes. Este trabajo realiza un breve repaso de la evolución de los intereses personales de los autores y su progresiva aparición y protección, incidiendo en la influencia que no solo la jurisprudencia francesa, sino también su doctrina, tuvo en su consagración legal. (Vega, 2022) Fuente: https://lnkd.in/eBwhvsFm

"Polémicas: El Billete Dorado para Artistas Emergentes o una Jugada Arriesgada?" En la jungla del arte y el entretenimiento, destacarse es crucial. Para algunos artistas emergentes, las polémicas se han convertido en una táctica tentadora para atraer atención. Pero, ¿realmente ayuda a avanzar en la carrera de un artista o es una estrategia arriesgada? Ventajas del Escándalo Visibilidad Rápida: Un escándalo puede ofrecer exposición instantánea, convirtiendo al artista en un tema de conversación inmediato. Construcción de Identidad: Las controversias pueden ayudar a definir y diferenciar al artista en un mercado saturado. Generación de Debate: Las polémicas fomentan interacción y discusión, lo que puede fortalecer la conexión con la audiencia. Riesgos Involucrados Desviación del Enfoque: El escándalo puede eclipsar el talento real del artista, haciéndolo conocido solo por la controversia. Reacciones Negativas: La polémica puede provocar rechazo o dañar la reputación, impactando negativamente en la carrera. Sostenibilidad: Mantenerse en el ojo público con controversias puede ser agotador y difícil de sostener a largo plazo. En Resumen Las polémicas pueden ser una herramienta poderosa para ganar visibilidad, pero deben usarse con cuidado. La estrategia ideal es combinar la controversia con talento y autenticidad, asegurando que el enfoque no se desvíe de lo que realmente importa: el arte.

Con determinadas “creaciones” artísticas, como la de una estatua invisible de 15000 euros (pagada con dinero público, por supuesto) o con la “performance” de una persona rompiendo espejos como una posesa en una "instalación", pasa como con el cuento del traje del emperador, nadie se atreve a decir que va desnudo. Incluso algunos críticos (no todos) se creen dotados de ver mucho más allá de lo que vemos la mayoría. Estas mentes hiperestimuladas critican nuestra falta de educación y sensibilidad artística, nos atribuyen una percepción burda, incapaz de captar la esencia y belleza de un plátano empotrado contra un lienzo o de una vieja caja de cartón con una escoba. Y es que el adjetivo “conceptual” puede disfrazar la estupidez hasta extremos inimaginables. Jugando con la interpretación visual de lo que miramos, nos cuelan una perspectiva suficientemente retorcida como para darnos la sensación de que también podemos llegar a ver lo invisible, aunque nuestra mirada sea sea sencilla y limitada. Eso sí, cuando los que ven en el arte el traje ausente, descubriendo todas las gracias a una creación desgraciada, tienen ocasión de comprarse un buen coche, no lo quieren abollado, pintado a brochazos o con un alambre retorcido en el techo. Antes con el dinero se hacía arte, hoy con el arte se hace dinero. En este sentido, determinadas propuestas artísticas permiten un gran volumen creativo con la mínima dedicación temporal y aquí está la clave de la cuestión. Si la Capilla Sixtina se hubiera pintado a brochazos la habrían acabado en una tarde. Y es que, en el fondo, las grandes creaciones no necesitan de guías para hacerse Ver, porque el verdadero arte emociona sin necesidad de intermediarios. Otra cosa es que se ponga en contexto, se explique o se comente porque podemos y debemos educar la visión, pero seamos prudentes, no sea que el “educador” pretenda que veamos la presencia en la ausencia. #vista #visión

Ayer, durante una visita guiada, una asistente me preguntó cuál era 𝐥𝐚 𝐦𝐞𝐣𝐨𝐫 𝐨𝐛𝐫𝐚 𝐝𝐞𝐥 𝐂𝐀𝐇𝐇. Es una pregunta tan interesante como difícil de responder. ¿Se pueden comparar más de 100 obras de 50 artistas distintos? La 𝐫𝐢𝐪𝐮𝐞𝐳𝐚 𝐲 𝐝𝐢𝐯𝐞𝐫𝐬𝐢𝐝𝐚𝐝 de la exposición hacen que no haya una única pieza que sobresalga en términos absolutos. Sin embargo, desde el punto de vista profesional de los mediadores culturales, hay una obra que siempre ocupa un lugar especial: 𝙏𝙝𝙚 𝙒𝙤𝙧𝙡𝙙 𝙤𝙛 𝙄𝙧𝙧𝙚𝙫𝙚𝙧𝙨𝙞𝙗𝙡𝙚 𝘾𝙝𝙖𝙣𝙜𝙚, de 𝐓𝐞𝐚𝐦𝐥𝐚𝐛 ⭐ Esta instalación no solo es técnicamente brillante y visualmente cautivadora, sino que además tiene una narrativa poderosa que plantea un dilema ético y emocional que engancha a los visitantes. En ella, un poblado vive en armonía pero la interacción del público altera ese equilibrio: cada toque afecta negativamente a los personajes, acumulando tensión hasta que, eventualmente, un día la paz se romperá y el 💥 conflicto dará pie a una 𝐠𝐮𝐞𝐫𝐫𝐚 𝐝𝐞𝐯𝐚𝐬𝐭𝐚𝐝𝐨𝐫𝐚 que acabará con la extinción de sus habitantes. ☠ Lo fascinante es que este proceso es irreversible, invitándonos a reflexionar sobre el impacto de nuestras acciones. Como mediadora, explicarla es muy gratificante ya que la reacción del público ante este dilema es siempre un espectáculo en sí mismo que puede ir 𝐝𝐞𝐥 𝐬𝐢𝐦𝐩𝐥𝐞 𝐚𝐬𝐨𝐦𝐛𝐫𝐨 𝐡𝐚𝐬𝐭𝐚 𝐞𝐥 𝐝𝐞𝐛𝐚𝐭𝐞 𝐦𝐨𝐫𝐚𝐥 más profundo. Esta reflexión me lleva a pensar que, para los mediadores culturales, nuestras obras favoritas pueden responder a un 𝐜𝐫𝐢𝐭𝐞𝐫𝐢𝐨 𝐞𝐬𝐩𝐞𝐜𝐢𝐚𝐥, teniendo en cuenta aquellas que despiertan la 𝐜𝐮𝐫𝐢𝐨𝐬𝐢𝐝𝐚𝐝, fomentan el diálogo y nos 𝐩𝐞𝐫𝐦𝐢𝐭𝐞𝐧 𝐜𝐨𝐧𝐞𝐜𝐭𝐚𝐫 𝐜𝐨𝐧 𝐥𝐨𝐬 𝐯𝐢𝐬𝐢𝐭𝐚𝐧𝐭𝐞𝐬 de formas inesperadas. Para más información sobre la obra: https://lnkd.in/dT8jDFhS

El concepto de "REENVÍOS" en el mundo del arte se refiere a una técnica que consiste en citar o referenciar trabajos anteriores de otros artistas dentro de una obra de arte nueva. Es una práctica común en el arte contemporáneo, y puede tomar muchas formas, desde la recreación literal de una obra de arte anterior, hasta la cita más sutil de una imagen o idea. El objetivo de los reenvíos en el arte puede variar. A veces se utiliza para rendir homenaje a artistas anteriores, para desafiar las convenciones del arte establecido, o para iniciar un diálogo crítico sobre temas culturales o políticos. En algunos casos, los reenvíos pueden incluso ser una forma de cuestionar la originalidad y la autoría en el arte, al resaltar la naturaleza colaborativa y colectiva del proceso creativo. En cualquier caso, los reenvíos son una parte importante del lenguaje visual contemporáneo, y han sido utilizados por muchos artistas destacados a lo largo de la historia del arte. ¿Y tú, qué opinas?

Mi más reciente texto, del que ya esta semana vendrá una segunda parte, y aborda en esencia parte de las problemáticas que se dan en el presente del arte y sus relaciones con la sociedad y la política en esta, una época crítica y pedestre.