Publicación de Mustang

#DíaMundialDelArte #aeropuertos #aena Hoy 15 de abril, en Aena como en el mundo, celebramos el Día Internacional del Arte. El Arte, la inspiración terminada o llevada al culmen, en cuanto nos humaniza, me lleva a pensar que nos hace también un poquito mejores. Feliz Día Mundial del Arte!! LA INSPIRACIÓN Picasso tenía razón cuando decía que la inspiración te tiene que pillar trabajando. Trabajando con la mente, con el pincel, con el ordenador pero trabajando. Porque admitamos que nada en esta vida es gratuito y la inspiración tampoco lo es. Dentro del proceso creativo, el artista, pintor, escritor o artesano de cuantos oficios presuma el Arte de crear, quienes por lo general tienen un grado de sensibilidad mayor o más acentuado que el común de los mortales, no siente ni mucho menos la inspiración como la varita mágica que le hace pintar, escribir o componer con un simple chasquido de dedos. En el Arte nada está predeterminado y el artista se deja llevar por una idea, una imagen, puede que un recuerdo, que quizá antes ni siquiera estuvieron en su mente y que ha podido captar en el momento más álgido del proceso de la creación; sin duda su momento más placentero. Para los griegos homéricos inspiración es sinónimo de respiro (breath) y es precisamente Homero quien menciona a las musas por primera vez dándoles como hogar el monte Olimpo. Porque Musa viene etimológicamente de “men-“. Sin embargo, el artista no está preso de su mente; es alguien que convive con el mundo exterior, está en la realidad, tiene los pies en el suelo, no vive apartado en el mundo esotérico y bohemio de las Artes; sí sabe conectar directamente de una manera exquisita con su mente. Hace verdadero lo que parece o es falso. Pongamos por ejemplos a un escritor que escribe una novela de ficción o a una persona que emprende y crea una empresa de una idea en principio inverosímil y alocada. Después ya vendrá la técnica, el hilo conductor, la trama, los giros, en su caso el estudio de mercado o la memoria del proyecto. Lo primerísimo es la idea. ¿Quién le iba a decir a Beethoven que, al escuchar el sonido que produjo alguien que llamó a su puerta, toc, toc, toc, iba a componer los primeros compases de una de las sinfonías más célebres de la Historia?. Nadie. USUE MENDAZA

Conversamos con Lekha Hileman Waitoller, Curator y Responsable de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao, en nuestro especial La Forma de la Belleza para profundizar en cómo la estética se desempeña en el arte y su capacidad para conectar a las personas con el mundo. Desde su perspectiva única, Lekha explora cómo la belleza trasciende lo estético, convirtiéndose en un medio de transformación personal y colectiva. 🌟 ¿Qué es la belleza para Lekha? Es una experiencia subjetiva, diversa y, a menudo, efímera, como lo demuestra la obra Escultura de niebla nº 08025 (F.O.G.) de Fujiko Nakaya, que transforma el entorno detrás del museo en un espectáculo fugaz de nubes. 🎨 ¿Cómo ayuda la educación artística a redescubrir la belleza? Ampliando nuestra sensibilidad y permitiéndonos reconocer formas de belleza más allá de los cánones tradicionales, conectándonos con una diversidad de expresiones artísticas y culturales. 💡 ¿Hacia dónde va la belleza en el futuro? Con la irrupción de la tecnología, los límites de lo "bello" se están expandiendo, integrando realidades virtuales, aumentadas y arte digital en experiencias inmersivas que transforman la percepción del público. Lekha también nos invita a reflexionar sobre el equilibrio entre las bellezas tradicionales y las disruptivas, el papel del arte conceptual y cómo los museos pueden redefinir su papel en las próximas décadas. 👉 ¿Qué opinas sobre el futuro de la belleza en el arte y la sociedad? #ArteContemporáneo #Museos #Belleza #EducaciónArtística #InnovaciónCultural #ArteYTecnología #GuggenheimBilbao #ArteDigital #ReflexionesSobreArte #CulturaYSociedad

Un privilegio para innovaspain.com visitar la Ciudad de la Cultura de Olula del Río (Almería) junto al artista Andrés Ibáñez y Santiago Alfonso (Cosentino Group - Grupo Cosentino). Este enclave, único en España, es hoy una realidad gracias al impulso de la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino. El proyecto, un reconocimiento a la obra de los realistas españoles y a los mejores fotógrafos contemporáneos del país, se ha extendido hasta la capital de la provincia tras la reciente inauguración del #MUREC, con el que el genio Antonio López ha "podido sacarse una espina" en su nombre y en el de otras figuras de esta corriente "genuinamente española". 🎨 Andres Ibáñez: ✅ “El primer factor que influye en que estos genios de la pintura española hayan quedado relegados es que el discurso de los historiadores españoles en relación con el arte contemporáneo del país está obsoleto”. ✅ "Ahí están los muchos museos de arte contemporáneo que han visto la luz en España en los últimos tiempos. Todos ellos nacen con un pecado original: la administración compra sin rechistar un discurso ultra conservador que le lleva a no apostar por todo lo que, en teoría, no sea ‘famoso’. Desde la incultura, los técnicos se valen de lo que les cuentan hipotéticos entendidos en la materia. El resultado: círculos cerrados y museos miméticos”. https://lnkd.in/eAj7Ny3m

En el Palacio de Valeriola, edificio barroco del siglo XVII en pleno centro de Valencia, se encuentra la Fundación Hortensia Herrero, un centro de arte moderno donde podemos disfrutar de obras de artistas como Kiefer, Hockey, Calder, Vales, etc, que pertenecen a la colección privada de esta señora, que todos podemos admirar. Y entre todas ellas, casi al final de la exposición, me llamó especial atención la titulada The World of Irreversible Change (“El mundo del cambio irreversible»), del colectivo artístico teamLab Inc. compuesto por mas de 100 especialistas de distintas áreas (ingenieros, matemáticos, arquitectos, artistas, programadores, etc), cuyo objetivo es superar los límites de nuestra percepción, mostrando la conexión entre nosotros, nuestro mundo y el tiempo, fusionando innovación tecnológica con la tradición japonesa, lo que nos hace admirar un lenguaje visual único. Es una pieza interactiva que muestra una aldea medieval japonesa sincronizada con el clima real de la ciudad donde se expone, en este caso Valencia, y donde podemos interactuar con los personajes, (de manera negativa), es decir, si nos acercamos y los tocamos, los enfrentamos, con lo que al final se desencadenará una guerra que destruirá la aldea para siempre, simbolizando acciones en la vida que no tienen retorno. Esto lo saben los creadores de la misma, y saben que durará lo que nosotros, humanos de turno que pasemos por allí, queramos. Esto me hizo pensar en la cantidad de veces que observamos determinadas situaciones sabiendo que las consecuencias pueden no ser positivas, pero como esas acciones no nos incumben no les hacemos caso. Esta obra nos muestra la importancia que pueden tener. Me quedé impresionada. #art #fundacion #world #teamlab #futuro #acciones #lenguajevisual #design #metafora

¿Sabes qué he aprendido en el Museo Nacional del Prado recientemente?  ❌ No es lo que te imaginas.  ✅ La primera vez que visité Madrid, paré en el museo para observar algunas de las obras más importantes y mi mirada se detuvo en 'Las hilanderas' de Diego Velázquez. Esto es lo que he aprendido de la obra: ✅ La artesanía ha sido plasmada por distintos artistas durante los siglos. ✅ La artesanía, como el arte, puede provocar nuevos pensamientos y perspectivas. ✅ La artesanía no sería posible sin una maestría previa y un cuidado al detalle. ✅ La artesanía también es un acto colaborativo. ✅ La artesanía, en realidad, se inspira en la misma base del arte.  -- ¿Estás de acuerdo?  #Arte #DesarrolloPersonal #Liderazgo #Manager #Museo

Alcantarillas convertidas en arte. Aquí tenéis algunos ejemplos que demuestran que la pocería no sólo es una de las actividades subterráneas más importantes que existen, sino que además puede dar lugar a interesantísimas exposiciones y obras de arte.

El arte urbano del graffiti trasciende los límites convencionales de la expresión artística, fusionando lo estético con lo social de manera poderosa y significativa. Desde un punto de vista estético, el graffiti desafía las normas tradicionales del arte al transformar los espacios urbanos en lienzos dinámicos y coloridos. Las calles se convierten en galerías de arte al aire libre, donde la creatividad fluye libremente, aportando vitalidad y energía a los entornos urbanos. Desde una perspectiva social, el graffiti sirve como un medio para que las voces marginadas y subrepresentadas se hagan oír. Es una forma de expresión para aquellos que pueden sentirse excluidos del diálogo cultural dominante. A menudo, aborda temas sociales y políticos, como la injusticia, la desigualdad y la identidad, actuando como un medio de protesta visual y una plataforma para la reflexión y el debate público. En conjunto, el graffiti agrega capas de significado y complejidad a la experiencia urbana, transformando los paisajes urbanos en espacios de interacción y diálogo. Su impacto estético y social trasciende las fronteras físicas, dejando una marca indeleble en la conciencia colectiva y en la historia cultural de las ciudades.

El arte, la fotografía y la arquitectura se nutren de la experiencia, la visita, la observación y la reflexión sobre lo que vemos. En este artículo escribo sobre la Exposición "Io sono un drago" que se presentó en la Triennale de Milán este 2024. #inspiración #alessandromendini #arteyarquitectura

¿Fue siempre Madrid capital de España? Pues no. El rey Felipe II tomó la decisión estratégica de trasladar la capital de Toledo a Madrid en 1561 para consolidar su poder y mantener un mejor control sobre su vasto imperio. Barcelona fue capital de la República de España desde noviembre de 1937 hasta enero de 1939, como antes lo fueron Valladolid y Sevilla. En cualquier caso hay mucha historia que conocer en la ciudad más poblada de España, desde aquel 1561 cuando lo que era un pueblo se transformó para convertirse en una ciudad moderna y cosmopolita de las primeras décadas del siglo XX. Y parte de esa memoria de la ciudad está reflejada en el Museo de Historia de Madrid, instalado en el antiguo Hospicio de Madrid y construido durante el reinado de Felipe V, entre1721 y 1726 por el arquitecto Pedro de Ribera. Este Museo muestra hoy más de 60000 objetos de muy variada índole relacionados con Madrid, como son sus colecciones de pinturas, estampas, cartografía, maquetas, dibujos, fotografías, postales, esculturas, porcelanas, orfebrería, abanicos, muebles, armas, monedas o medallas. Exhibe las mejores muestras de la evolución histórica de Madrid y ofrece una visión global de las artes, industrias, vida cotidiana y costumbres de sus habitantes. En su planta -1 encontramos una de las piezas más importantes del Museo: la maqueta histórica de Madrid de León Gil de Palacio, realizada en 1830. En la planta baja se contempla retratos de monarcas de la casa de Austria, los primeros planos de Madrid, las imágenes del poderoso Alcázar, así como las nuevas construcciones. En la primera planta se detalla la llegada de una nueva dinastía, la borbónica, que trae el inicio de unas serie de transformaciones urbanas con el objeto de convertir la ciudad en un escenario digno de una monarquía europea, destacando el cuadro la Alegoría de la Villa de Madrid de Francisco de Goya, la Virgen con San Fernando de Luca Giordano o la colección de Porcelana del Buen Retiro. En su planta 2, se recorre el Madrid del comienzo del siglo XIX, que coincide el reinado de Isabel II y la revolución liberal vivida en España y que trae cambios en la fisonomía de la ciudad, que dan cuenta la colección de cartografía histórica, los objetos del taller del artista Gutiérrez Solana o la colección de fotografías históricas de esa época muy ligada a la revolución industria en Europa. Por cierto, vale la pena visitarlo y estar al tanto de sus exposiciones temporales. Como la actual que nos muestra el Madrid de los años 60, bajo la perspectiva del fotógrafo Antonio Alcoba. Ah, y de acceso gratuito. #turismodeexperiencias Hector Coronel #Madrid Visit Madrid Museo de Historia de Madrid Fuencarral, 78

El centro de la vanguardia y la expresión artística. O también, el lugar donde el pasado y presente coexisten como si se tratara de un mismo tiempo lineal. Dimore Gallery es el espacio que presenta las obras emergentes con la misma importancia de aquellas que datan de un siglo anterior, pues el objetivo es preservar lo arquitectónico como una obra de arte que genera emociones. Se trata de la inmortalización del sentir humano y la narrativa que contribuye a la evolución de la humanidad. https://lnkd.in/emZHqWxc