Dirección de fotografía en comerciales: Irene Cruz
Hoy tenemos el placer de conversar con Irene Cruz, una reconocida directora de fotografía y fotógrafa con una impresionante trayectoria que abarca tanto cine como publicidad. Nacida en Madrid y actualmente dividida entre Berlín y Madrid, Irene ha trabajado en campañas para grandes marcas como DIOR, Levi’s, Pitillos, DIM y Skintist, entre otras. Su estilo visual poético y su habilidad para manejar la luz con precisión y sensibilidad han hecho que sus proyectos se distingan por su elegancia visual y emocional.
En esta entrevista, nos adentramos en su experiencia en el campo de la dirección de fotografía comercial, explorando algunos de sus proyectos más destacados y cómo ha abordado los desafíos visuales y creativos en cada uno de ellos. También hablamos sobre su enfoque a la hora de capturar la esencia de las marcas, el trabajo con luces naturales, y sus recientes colaboraciones internacionales.
Irene, has trabajado como directora de fotografía en numerosos proyectos, tanto en el ámbito comercial como en el artístico. ¿Qué es lo que más te atrae de la dirección de fotografía en comerciales y cómo influye tu formación artística en estos proyectos?
Lo que más me atrae de este tipo de producciones es la oportunidad de concentrarme plenamente en la fotografía de un proyecto, dedicando toda mi energía a esa parte crucial de la pieza. Al mismo tiempo, me encanta la idea de ser parte de un conjunto de profesionales comprometidos para asegurar que el resultado final sea el mejor posible. Además, disfruto enormemente el trabajo en equipo, donde puedo aportar mi talento a una visión colectiva, colaborando para crear algo más grande que la suma de sus partes. A lo largo de mi carrera, he tenido la oportunidad de desarrollar proyectos comerciales en diferentes ámbitos, no solo como directora de fotografía, sino también como creadora de contenido y directora creativa. En este tipo de proyectos, formo un equipo que trabaja alineado con mi visión artística para un cliente específico, asumiendo en ocasiones el doble rol de directora de fotografía y directora. Un claro ejemplo de esto son las campañas que he realizado para Pitillos o DIOR.
Mi formación artística y mi obra personal me distinguen de otros profesionales que se dedican exclusivamente a la dirección de fotografía o a la dirección de acuerdo con un briefing predeterminado. En ciertas ocasiones, soy capaz de ofrecer una visión única y personal y eso es lo que necesita un cliente.
Uno de los ámbitos que más disfruto dentro del mundo comercial es el de los Fashion Films. Considero que es de los espacios más ricos, donde puedo desplegar al máximo mi creatividad. Es, sin duda, el tipo de trabajo que más me apasiona.
En el fashion film para DIOR Cruise (2023) - Andalusian Grace, la nitidez de los planos y la paleta de colores es notable. ¿Cómo planteaste la estética visual para resaltar los elementos de la moda y la atmósfera de la localización?
Cuando DIOR me contactó para esta campaña, uno de los desafíos más grandes dentro del briefing eran dos elementos aparentemente contradictorios: la campaña se grabaría alrededor del 21 de junio en Sevilla, y querían "mi luz tamizada y azul". Acepté el reto no solo por ser DIOR, sino también porque me ofrecían todos los recursos necesarios para materializar mi visión. El proyecto incluía tanto una editorial de moda (fotografía fija) como las piezas en video (4 fashion films con distintos looks).
Para enfrentar el intenso sol de Andalucía en pleno verano, solicité luces extremadamente potentes, pero al mismo tiempo suavemente tamizadas para trabajar la luz de una manera más controlada. Era todo un desafío competir con la luz solar tan intensa de esa época del año. Al final, no me limité a imponer mi estilo personal ni a dejarme llevar por las condiciones del entorno; llegamos a un equilibrio, donde la luz no era siempre azul, pero mantenía la suavidad que caracteriza mi trabajo.
La localización fue en la Finca de “La Corochuela”, que desde el primer día que la visité para el scouting me cautivó. Es un lugar lleno de texturas y posibilidades visuales. Los caballos, además de bellísimos, aportaron una gran estética al proyecto. Y el equipo con el que trabajé fue extremadamente profesional y eficiente en todo momento, lo que facilitó enormemente el desarrollo de la campaña. Eso sí, no he trabajado con tantísima gente en set en mi vida.
En el comercial para Calzados Pitillos (2023), la iluminación en la entrevista es muy suave y envolvente. ¿Qué técnicas de iluminación utilizaste para lograr esa suavidad y cómo equilibraste la luz con los elementos del entorno?
La campaña de Pitillos se rodó en la primavera de 2023 en Madrid. Uno de los factores clave fue haber realizado un buen scouting de localizaciones, ya que, al igual que en Sevilla, la luz de Madrid es muy brillante (especialmente si la comparamos con la luz de lugares como Alemania). En los interiores, construimos toda la iluminación desde cero, mientras que en los exteriores buscamos cuidadosamente lugares en sombra y con un entorno que no distrajera visualmente, evitando colores muy vivos que pudieran restarle protagonismo a los estilismos y a nuestra musa: Camino Villa (con la que ya había trabajado antes).
Una de las cosas que más disfruto de mi trabajo es todo el proceso de preproducción. Estoy convencida de que cuanto más se trabaja en esta etapa, más fluido será el rodaje y mejor será el resultado final. La preproducción permite optimizar tiempos y facilita la toma de decisiones rápidas y eficientes durante el rodaje.
Para esta campaña, elegí una iluminación bastante potente. Utilizamos focos de gran intensidad, filtrados y dirigidos con accesorios como difusores y paneles de abeja para obtener la luz deseada en cada toma.
Para el proyecto de Scoutbee (2023) - Better Data, Better Decisions, Better World, el estilo visual es claro y limpio. ¿Fue un rodaje con una planificación detallada de storyboard o permitiste la improvisación en los planos durante la grabación?
Este proyecto fue bastante pequeño, una pieza corporativa realizada con recursos limitados, pero con un resultado más que aceptable, en gran parte gracias a una corrección de color que logró unificar bien los planos, aportando vida a una localización bastante monótona. Aprovechamos especialmente los reflejos en los cristales, que añadieron un toque visual interesante.
A pesar de contar con un storyboard bastante detallado, hubo espacio para la improvisación. Un ejemplo fue la toma del perro, que apareció de repente paseando con su mantita, y nos pareció una adición simpática y espontánea. Durante la edición también se tomaron decisiones clave para hacer la pieza más dinámica y atractiva visualmente.
En el comercial de Levis Sculpt (2020), trabajaste en un entorno interior con modelos. ¿Cómo abordaste la iluminación en este espacio cerrado y cuál fue tu enfoque para guiar a los modelos en términos de su interacción con la cámara?
Para la campaña de Levi’s, dividimos el proyecto en dos partes. Una de ellas nunca vio la luz debido a la pandemia, ya que su enfoque era demasiado social para la estrategia que la marca decidió seguir. La parte que sí rodamos tuvo lugar en un estudio de más de 300 m², lo que nos brindó una gran versatilidad a la hora de trabajar. Iluminamos la escena principalmente con luces Fresnel. El estudio contaba con luz natural que entraba por el techo, pero finalmente decidí descartarla. Aquel día el cielo alternaba entre sol y nubes, lo que podía generar inconsistencias, así que opté por tapar la luz natural y simularla con otro foco, rebotando la luz en un gran panel blanco (sticko) y complementándola con algunos paneles LED.
Además, ajusté la temperatura de color para lograr esos tonos azulados que buscábamos, aunque más tarde fueron potenciados y perfeccionados en postproducción. El cliente también decidió realizar algunas modificaciones de última hora que no estaban en el plan original. Finalmente, algunos de los reflejos que se ven en la pieza fueron creados utilizando espejos, añadiendo un toque visual interesante.
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La dirección de fotografía en comerciales suele tener limitaciones de tiempo y presupuesto. ¿Cómo te adaptas a estas restricciones sin comprometer la calidad visual de tus proyectos?
Planificando meticulosamente y dedicando todo el tiempo posible a una buena preproducción es fundamental. Si tengo la oportunidad de conocer a los modelos de antemano, también es un aspecto importante a considerar. Es esencial realizar un scouting exhaustivo en los horarios en los que planeo rodar. Además, me rodeo de colaboradores en quienes confío, personas que trabajan de manera eficiente y resuelven problemas con agilidad. Siempre hay planos que son imprescindibles.
Creo que es un fallo, cuando se tiene mucho dinero para una producción, obviar estos pasos por tener mejores recursos o materiales.
La experiencia también me otorga la destreza necesaria para manejar imprevistos. Cuando trabajo en proyectos que requieren rodajes durante el atardecer o la "hora azul", algo que me solicitan con frecuencia, necesito conocer muy bien el entorno para elegir la iluminación adecuada que me ayuden a lograr el efecto deseado. En Alemania, la complejidad aumenta debido a la naturaleza impredecible del clima; en esos casos, es crucial contar con un "Plan B" o mejores presupuestos que me permitan aislar la zona donde necesito rodar. Es cierto y lógico que los presupuestos limitados pueden afectar la calidad del trabajo final, y es un factor que no podemos ignorar. Muchas veces, al tratarse de "proyectos para redes sociales", los costos se reducen significativamente, a pesar de que se esperan los mismos resultados. Llega un punto en el que no podemos hacer milagros, y es fundamental reconocer que la calidad también está directamente relacionada con los recursos disponibles.
Cada marca tiene su propia identidad visual y mensaje. ¿Cómo te aseguras de que tu enfoque como directora de fotografía se alinee con la visión de la marca sin perder tu propio estilo visual?
Uno de los aspectos más interesantes de mi trabajo es lograr precisamente conectar con la esencia de la marca. Me dedico a estudiar a fondo su web, sus redes sociales, campañas anteriores y la inspiración que me proporcionan, además de asegurarme de estar alineada con los moodboards y tratamientos.
Cuando colaboro con un director y me concentro únicamente en mi rol como directora de fotografía, la comunicación suele ser más fluida con él y con la agencia que con la marca misma. En esos casos, me pongo al servicio del proyecto. Puedo proponer y sugerir ideas, pero al final, ellos tienen la última palabra.
¿Cómo influye la elección de equipo técnico, como cámaras y ópticas, en tu proceso creativo al trabajar en comerciales? ¿Tienes algún tipo de equipo favorito que utilices de manera recurrente?
La elección del equipo depende, en primer lugar, del presupuesto disponible, el look deseado y del tiempo asignado para desarrollar el comercial. Es un conjunto de variables considerable, y en realidad no tengo una norma fija. También influye mucho la ciudad en la que me encuentre; suelo visitar los rental para probar diferentes equipos. Me gusta innovar y no me aferro a ninguna cámara en particular; trato de conocerlas todas para evaluar sus características según las necesidades de cada rodaje.
Responder a esta pregunta de manera específica es complicado, ya que no tengo criterios rígidos. Para proyectos pequeños y con poco presupuesto, suelo usar mi equipo personal, que consiste en una Canon C70 que graba en RAW, ligera y fantástica para este tipo de trabajos. Sin embargo, para proyectos más ambiciosos, no es suficiente. Hay clientes que tienen una visión clara del look que desean y están dispuestos a invertir lo necesario.
Además, considero que una buena dirección de arte es fundamental; de nada sirve tener una ARRI 35 si el entorno es poco atractivo, como una pared sucia con gotelé (lo odio haha). En un rodaje, hay que tener en cuenta múltiples variables y dividir el presupuesto de manera inteligente entre los diferentes departamentos.
En ocasiones, una cámara pequeña es la mejor opción. Por ejemplo, actualmente estoy trabajando como técnica DP con el equipo de marketing del banco N26 en producciones internas. En un momento determinado, decidimos rodar con el iPhone 15 Pro Max, ya que agilizaba los tiempos de rodaje. Cuando se estudia y mide bien la luz, los resultados son impresionantes. Me ha sorprendido la calidad del LOG del iPhone; realmente da la talla para lo que necesitamos.
En un comercial, la colaboración con el director y el equipo creativo es clave. ¿Cómo gestionas esa colaboración para que todos los aspectos visuales (dirección de arte, vestuario, iluminación) trabajen en conjunto y transmitan un mensaje cohesivo?
Es fundamental mantener una comunicación fluida, que no se limite solo a lo verbal, sino que incluya imágenes y referencias. Alinear nuestras visiones es clave, especialmente cuando se trata de elementos visuales. Esta fase es una de las que más disfruto como creativa; me encanta colaborar con otras mentes, nutrirme de sus ideas y aprender de otros profesionales. Formar un equipo, y a veces incluso crear lazos en el proceso, es muy enriquecedor.
Personalmente, me dedico a elaborar guiones técnicos precisos, moodboards y dossieres, a veces incluso storyboards. No tengo ningún problema en invertir tiempo en esta parte del trabajo, ya que creo que es esencial. También intento organizar al menos algunas reuniones de equipo, preferiblemente en persona, donde podemos sentir y compartir nuestras energías. Al final, todos estamos remando en el mismo barco, y cuanto más coordinados estemos, mayores serán las posibilidades de lograr un buen resultado.
Al trabajar en proyectos tan diversos como moda, entrevistas y comerciales de tecnología, ¿cómo adaptas tu enfoque visual para cada uno, manteniendo tu sello personal en la dirección de fotografía?
Lo llevo siempre conmigo. Creo que es imposible separarse de un filtro personal; en mi caso, es algo casi inconsciente que refleja parte de mi ser. En el mundo hay muchos profesionales dedicados a esto, y cuando me eligen, entiendo que han visto en mí algo que se alinea con lo que buscan. Cuando alguien te contrata, es porque confía en que les proporcionarás lo que necesitan.
Recomendación: Para quienes se están adentrando en la dirección de fotografía para comerciales, ¿qué consejo les darías en términos de planificación visual y colaboración con el resto del equipo creativo?
Lo primero es formarse, ganar experiencia y participar presencialmente en otras producciones. En términos de planificación visual, es fundamental tener una sólida cultura visual (ver muchos comerciales, ver mucho cine), así como referencias que se hayan contrastado adecuadamente con el director y el cliente. En cuanto a la colaboración con el resto del equipo creativo, es esencial recordar que somos uno; todos trabajamos en función de los demás. Por ejemplo, si planeo utilizar un filtro que alterará un color, especialmente en el ámbito de la moda, es crucial que eso se discuta y se apruebe en conjunto. El objetivo es alcanzar el mejor resultado posible a través de la colaboración de todas las mentes y profesionales que forman parte de la producción. Hay que tener mucho respeto, no dar cosas por supuestas, y preguntar mucho.
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Linkedin: Irene Cruz
¡Qué alegría empezar así el jueves! :)