Post di Gabriele Scaggiante

Lo sapevi che le animazioni di Prince of Persia sono state create ricalcando esattamente delle persone vere che combattevano con le spade o facevano parkour? Ti spiego. 👇 Prince of Persia è un videogioco platform pubblicato nel 1989, ricordato, tra le tante cose, per le sue animazioni estremamente fluide e realistiche per l’epoca. Il personaggio principale del gioco può compiere molte azioni complesse: correre, appendersi ai bordi di precipizi, combattere e così via. Realizzare queste animazioni senza un riferimento preciso è un compito difficile e che richiede molto tempo. ⏳ Lo sviluppatore, Jordan Mechner, adottò quindi una tecnica molto interessante: il rotoscoping. Mechner chiese ad alcuni suoi familiari e amici di essere filmati mentre eseguivano le stesse identiche mosse che il giocatore avrebbe poi eseguito all’interno del gioco. 🏃♂️ L’idea era quella di prendere le registrazioni così ottenute e ricalcarne i fotogrammi per poter disegnare velocemente e in maniera realistica le animazioni dei personaggi di gioco. Prendere un video e inserirlo dentro un computer (Mechner usava un Apple II) all’epoca non era semplice come oggi. Il primo passo era ottenere i fotogrammi su cui lavorare. Per fare ciò Mechner fotografò buona parte dei fotogrammi e li sviluppò. Con un pennarello nero isolò il personaggio dalle foto, e poi mise tutte le foto in una fotocopiatrice Xerox per ottenere delle versioni dei fotogrammi in cui il personaggio spiccasse di più dallo sfondo. 🖼 Utilizzando poi un digitalizzatore Mechner riuscì a portare queste immagini nel computer, dove poté modificarle pixel per pixel ottenendo così le animazioni finali. Il risultato è semplicemente fantastico! :) Se questo post ti è piaciuto, ogni giorno pubblico contenuti simili 👉 Gabriele Scaggiante #videogiochi #gaming #tecnologia #animazione

Lo sapevate che i personaggi dei videogiochi 3D hanno al loro interno un vero proprio scheletro? perché? 👇 Si tratta di una tecnica usatissima nella computer grafica per animare i movimenti di personaggi o oggetti in maniera intuitiva. Immaginiamo che il 3D artist realizzi il personaggio principale del nostro videogioco, un drago magari. 🐲 Dopo aver creato il modello 3D del drago e averlo colorato opportunamente, un animatore ha il compito di creare uno scheletro per poter poi realizzare tutte le animazioni necessarie. Lo scheletro è costituito da tante ossa collegate tra loro. Ciascun osso, se mosso o angolato in maniera differente, influenza la posizione e la deformazione delle parti del personaggio in sua prossimità. Nei videogiochi oggetti e personaggi non sono altro che poligoni costituiti da tanti vertici. Ogni osso determina lo spostamento dei vertici in base al loro “peso” rispetto all’osso stesso. Il peso non è altro che un valore associato ad ogni vertice che indica quanto la sua posizione è influenzata dal movimento dell’osso. Le ossa delle ali del drago, ad esempio, dovranno influenzare solamente le ali stesse, e per realizzare l’animazione di volo l’animatore dovrà costruire una sequenza di movimenti per ogni osso in questione, dando il giusto peso ai vertici delle ali. 🕊 Il grande vantaggio è che in questo modo animare un personaggio diventa molto più semplice. Immaginatevi creare animazioni muovendo a mano ogni vertice uno per uno: sarebbe uno spreco di tempo enorme. Un altro vantaggio dell’utilizzo di questi scheletri è la possibilità di riprodurre più animazioni contemporaneamente. Potremmo ad esempio avere l’animazione del drago che vola, e al contempo animare le ossa della testa in modo che il drago guardi sempre il giocatore. 👀 Le ossa, in definitiva, fungono come strumento per l’animazione, e sono visibili solamente all’interno del motore di gioco o in programmi di modellazione 3D, dove appaiono come semplici segmenti collegati tra loro. Nel gioco vero e proprio nessun osso è visibile almeno che gli sviluppatori non li facciano apparire intenzionalmente (praticamente mai). :) Se questo post ti è piaciuto, ogni giorno pubblico contenuti simili 👉 Gabriele Scaggiante #3d #animazione #videogiochi #gamedev #gaming

Lo sapevate che molti oggetti nei videogiochi sono copie identiche di oggetti esistenti nella vita reale? Esiste infatti una tecnica per prendere un oggetto vero e trasformarlo in un oggetto di gioco 👇 Questa tecnica si chiama fotogrammetria. Si tratta di un metodo che consente di costruire il modello 3D di un oggetto a partire da delle foto scattate all’oggetto stesso. Immaginiamo, ad esempio, di dover realizzare una roccia per un videogioco. Il procedimento standard sarebbe quello di usare un software di modellazione 3D e di creare la roccia da zero. Dopodiché bisognerebbe creare l’immagine da applicarvi sopra e sistemare altri dettagli per avere un risultato utilizzabile. Con la fotogrammetria, invece, il processo viene velocizzato. 🏃♂️ Si va in giro finché non si trova una roccia adatta al gioco, e si scattano decine e decine di foto alla roccia da tutte le angolazioni. 📸 Queste foto, poi, vengono inserite in un programma apposito che, studiandone le similarità e le differenze, genera sia un modello 3D molto dettagliato dell’oggetto fotografato, sia l’immagine da applicarvi. L’artista, quindi, ha il compito di ripulire il modello generato automaticamente e di rimuovere ombre e luci dall’immagine in modo che sia il motore di gioco a gestirle da sé. Siccome il modello 3D generato è spesso molto complesso geometricamente, l’artista spesso deve apportare un po’ di modifiche prima che l’oggetto sia pronto per l’uso. La fotogrammetria è una tecnica per nulla nuova. Pensate che fu usata anche nel programma Apollo per mappare la superficie della Luna. 🌙 Parlando di videogiochi, la fotogrammetria è ormai usatissima nei titoli AAA: Red Dead Redemption 2, Resident Evil 2, Star Wars Battlefront, PUBG, Forza Horizon e tantissimi altri giochi la sfruttano per creare ambienti incredibilmente realistici. :) Se questo post ti è piaciuto, ogni giorno pubblico contenuti simili 👉 Gabriele Scaggiante #videogiochi #gaming #3d #tecnologia #gamedev

Questa immagine è l’analisi di come viene creato un fotogramma di un videogioco in tempo reale. 👇 Una cosa del genere in gergo tecnico si chiama “frame Breakdown”. Si tratta essenzialmente di una scomposizione di un singolo fotogramma nelle parti che lo costituiscono. Per realizzare il singolo fotogramma che viene poi mostrato a schermo, il motore di gioco effettua spesso decine se non centinaia di passaggi costruendo pezzo per pezzo il fotogramma finale. 🎬 Usando tecniche di reverse engineering e debugger grafici è possibile osservare singolarmente ciascun passaggio e mostrare visivamente il suo effetto. Molti di questi studi grafici in realtà sono fatti da appassionati per la pura curiosità di capire come un certo gioco funziona dietro le quinte, ma in generale molti motori grafici permettono di visualizzare tutto ciò in fase di sviluppo. 👨💻 In questo modo, oltre a tener traccia di come funziona il rendering delle scene, si può controllare se ci sono passaggi particolarmente dispendiosi in termini di performance e agire di conseguenza. Trovate molti di queste analisi online. Quella in foto è il frame breakdown di GTA V a opera di Adrian Courrèges, che ha dedicato un intero articolo a riguardo. :) Se questo post ti è piaciuto, ogni giorno pubblico contenuti simili 👉 Gabriele Scaggiante #videogiochi #gaming #gamedev #vfx

💻 Devlog #2: Solstice in Heaven 💻 I lavori proseguono per questa sperimentale meta Visual Novel con elementi RPG. Sto continuando lo script che ho quasi ultimato (purtroppo non tutte le parole e i testi, solo le azioni e i movimenti). Sto cercando inoltre di realizzare un prototipo che assomigli il più possibile al progetto finale per vedere quanto posso tagliare e migliorare, visto che tendo al realizzare un progetto più minimale, ma efficace possibile (quindi less is more, sempre). A livello tecnico ho modificato lo screen shake del programma che aveva di base perchè era troppo veloce. Visto che una parte abbastanza significativa del gioco è ambientata in treno, avevo bisogno che esso si muovesse un pò, ma non troppo per dargli quel minimo in più. Il giocatore deve pur leggere tranquillo senza che gli venga il mal di testa. Sto valutando anche di inserire un parallasse da mettere nella scena, ma devo ancora vedere come e se metterlo. Inoltre abbiamo anche uno stile modificato per i messaggi che saranno stile balloon, mi serviranno parecchio, un pò perchè li preferisco rispetto ad un rettangolo con del testo e basta, da una parte perchè devo continuamente cambiare la cornice. Visto che ogni personaggio avrà un colore distinto voglio che sia del colore del personaggio che parla, sempre per dare quel minimo di polishing, di chiarezza, di senso in più insomma. Lo so, il "treno" è un disastro, ma verrà tutto sistemato quando sostituirò la grafica. Per il prototipo va bene così, anche se in seguito curerò al meglio questa scena (aggiungendo anche persone che in realtà saranno delle silhouttes). Ci vediamo domani, nel frattempo vi lascio con questa gif particolare.

Com’è possibile creare animazioni del volto di un personaggio per migliaia di dialoghi presenti all’interno di un videogioco? Vediamo! 👇 In questo caso parliamo di lip syncing. Quando discutiamo nella vita reale ogni parola che pronunciamo è associata a un particolare movimento delle labbra, e simulare una cosa del genere in un videogioco non è roba da poco. Nei videogiochi le labbra dei personaggi sono equipaggiate con dei punti di controllo che se spostati ne modificano la forma. Per animare le labbra, quindi, bisogna animare la posizione di questi punti di controllo. 🎯 Gli approcci a questo punto diventano molti. Per giochi stilizzati è possibile cavarsela con poche animazioni chiave che identifichino le espressioni facciali che facciamo più comunemente quando parliamo. Dopodiché le animazioni verranno applicate automaticamente tenendo conto del dialogo in corso. Nei punti in cui il dialogo avviene a bassa voce si applicherà un’animazione, e all’aumentare del volume si sceglieranno animazioni diverse. Una tecnica di questo tipo funziona, però, solo in giochi non particolarmente realistici. Se ci si vuole attenere alla realtà, invece, le cose si complicano. 🤔 Gli animatori dovranno infatti creare un’animazione per ogni singolo fonema della lingua parlata dal personaggio. Un fonema è un’unità linguistica associata a un certo suono che in una frase può produrre variazioni di significato se scambiata con un'altra unità (“tetto” e “detto”, ad esempio, differiscono per l’uso del fonema /t/ e /d/). In italiano ci sono 30 fonemi, il che significa che uno o più animatori dovrebbero realizzare 30 animazioni diverse. 😨 Questa, però, è la parte più semplice. La difficoltà sta nel riuscire ad applicare le animazioni al momento corretto e in modo continuo. Ciò significa che a partire da un file audio del personaggio che parla bisogna estrarre i fonemi di ogni singola parola, associarvi le animazioni e assicurarsi che queste siano velocizzate o rallentate in base al ritmo del dialogo. Ottenere i fonemi da un file audio non è proprio un compito semplice. Farlo in tempo reale richiede sofisticate tecniche di analisi dell’onda acustica e dello spettrogramma della traccia audio o modelli di intelligenza artificiale appositamente sviluppati. 👨💻 L’argomento continua ad essere studiato a fondo, e per un buon motivo: le espressioni facciali sono una delle chiavi del realismo di un videogioco. In quanto esseri umani, siamo molto molto sensibili anche a dettagli fini quando si parla di osservare il volto di una persona. In un videogioco realistico, dunque, si lavora moltissimo su questi aspetti in modo che il giocatore sia convinto di avere a che fare con persone in carne ed ossa. Se questo aspetto viene a mancare viene meno anche gran parte dell’investimento emotivo da parte del giocatore. :) Se questo post ti è piaciuto, ogni giorno pubblico contenuti simili 👉 Gabriele Scaggiante #videogiochi #gamedev #animazione #tecnologia #ai

Perché nei videogiochi quello che non vediamo dalla nostra visuale smette di esistere? Questa è una delle tante ottimizzazioni che permettono ai videogiochi moderni di funzionare in maniera fluida. Vi spiego 👇 I videogiochi sono particolarmente noti per essere programmi complessi che richiedono molte risorse di calcolo per funzionare come si deve. Per questo motivo spesso gli sviluppatori devono trovare dei modi anche molto ingegnosi per rendere il videogioco più performante. Tra questi troviamo le tecniche di “culling”, metodi volti a ridurre al minimo il numero di oggetti di gioco che devono apparire sullo schermo. In particolare abbiamo: 📌 Il View Frustum Culling: Tutti gli oggetti che sono interamente fuori dalla visuale del giocatore vengono scartati. A livello globale, ciò significa che gli unici oggetti visibili sono all’interno di un tronco di piramide che rappresenta il campo visivo del giocatore (detto, appunto, view frustum). 📌 L’Occlusion Culling: Tutti gli oggetti di gioco completamente nascosti da altri oggetti opachi vengono scartati. Un’auto dietro ad una casa, con questa tecnica, non viene renderizzata. 📌Il Backface Culling: Tutti i triangoli che costituiscono gli oggetti di gioco e che non sono visibili al giocatore vengono scartati. Di un cubo, ad esempio, vengono disegnate solo le facce “davanti”, ossia quelle che il giocatore effettivamente vede. Quelle dietro sono inutili. Quando dico che i vari oggetti vengono scartati, in realtà sto semplicemente dicendo che non vengono renderizzati, ovvero che le informazioni ad essi relative non vengono processate dal motore grafico per produrre le loro immagini sullo schermo. Poiché ciascuna di queste tecniche prevede un controllo per valutare se renderizzare o meno l’oggetto, è chiaro che si ha un vantaggio in termini di performance se questo controllo è più efficiente che non renderizzare l’oggetto normalmente. 🙄 Anche in questo caso è pieno di tecniche per assicurarsi che questo vantaggio ci sia praticamente sempre. ✨ Nella gif potete osservare il View Frustum Culling in Horizon Zero Dawn. Notate, tra l’altro, come il terreno sia suddiviso in sezioni quadrate in modo da poter anch’esso godere di questa ottimizzazione. :) Se questo post ti è piaciuto, ogni giorno pubblico contenuti simili 👉 Gabriele Scaggiante #videogiochi #gamedev #tecnologia #programmazione

Cinematica nei Videogiochi La cinematica nei videogiochi, spesso definita come sequenze filmiche non interattive, gioca un ruolo cruciale nel narrare storie e sviluppare i personaggi. Queste sequenze permettono ai giocatori di immergersi nel mondo del gioco, creando un legame emotivo con i protagonisti e le loro avventure Nella sequenza specifica di "Days Gone", in cui Deacon e Skizzo devono affrontare il pericolo degli infetti, possiamo osservare diversi elementi chiave: -Tensione e Suspense: La cinematica utilizza tecniche visive e sonore per costruire tensione. L'illuminazione e i suoni ambientali contribuiscono a creare un'atmosfera opprimente, aumentando l'ansia del giocatore. la combinazione di inquadrature variando piani e campi creano un ritmo efficace passando da campi larghi a piani sui personaggi stretti; i movimenti di camera sono sempre fluidi e spesso vengono usate tecniche che simulano la camera a mano e nei campi e controcampi si predilige una soggettiva;la sequenza cinematica apre e chiude con un campo largo che ci fa capire dove si trovano e dovo poi successivamente deacon starà per combattere gli infetti. - Sviluppo dei Personaggi: Attraverso il dialogo e le espressioni facciali, la sequenza rivela le dinamiche tra Deacon e Skizzo. Le loro interazioni mostrano non solo la loro personalità ma anche il loro rapporto, rendendo il momento più significativo. - Impatto Visivo: La qualità grafica e la direzione artistica della sequenza sono fondamentali. I dettagli visivi degli infetti e dell'ambiente circostante aumentano l'immersione del giocatore, rendendo l'esperienza più coinvolgente. Conclusione L'analisi della cinematica in "Days Gone" dimostra come questi elementi contribuiscano a una narrazione efficace nei videogiochi. Comprendere queste tecniche può offrire spunti interessanti per sviluppatori e appassionati, evidenziando l'importanza della cinematica nel creare esperienze di gioco memorabili. #daysgone #gamedesign Cinematic Video Game Istituto Pantheon Design & Technology

Come nasce una animazione? Nel video qui sotto l'animatore Chris “Gonzo” Gonzalez della DreamWorks mostra come sia facile abbozzare l'animazione di un grande film come "Il Robot Selvaggio" (se non lo avete visto ve lo consiglio davvero, magari con i propri figli in età scolare). Basta una sedia da ufficio e un po' di inventiva e la creazione ha inizio. #animazione #cartone #dreamworks #vfx #artista #effettispeciali #disney ₒₒₒₒₒₒₒₒₒₒ 🔔 Ogni settimana pubblico contenuti riguardanti il mondo del 3D e dell'innovazione: dalle web application alle ultime novità di settore, dai videogiochi come strumenti di business alla VR/AR 👉 Se ti interessano gli argomenti, seguimi Daniele Ferla

L'artista e game developer Lance Snider ha realizzato, attraverso l'applicativo Rive e qualche riga di Javascript, un libro interattivo. Le illustrazioni prendono vita grazie ad effetti di parallasse e interazione con alcuni elementi della scena, ricca di dettagli e particolari. L'effetto risultante è davvero strabiliante. #art #2d #storybook #rive #illustrazione #procreate ₒₒₒₒₒₒₒₒₒₒ 🔔 Ogni settimana pubblico contenuti riguardanti il mondo del 3D e dell'innovazione: dalle web application alle ultime novità di settore, dai videogiochi come strumenti di business alla VR/AR 👉 Se ti interessano gli argomenti, seguimi Daniele Ferla